Détours des Mondes

L'ethnographie au Louvre

Depuis 2009, le musée du Louvre propose un programme dédié à la recherche en archéologie, en histoire des arts et de la culture. Chaque année, un historien de renom présente une synthèse inédite sur un sujet original. C'est dans ce cadre que depuis lundi dernier, la Chaire du Louvre accueille Souleymane Bachir Diagne, professeur à l’université Columbia sur le thème :
"De quels universels le Louvre est-il le nom ?".
Les sujets abordés parleront particulièrement à ceux intéressés par "les arts premier" puisque le programme se décline ainsi :

• Lundi 25 novembre : La renaissance des "fétiches" en œuvres d'art
• Jeudi 28 novembre : Quand les statues et les masques parlaient la langue des dieux
• Lundi 2 décembre : Accueillir les arts d’Afrique, d’Océanie, d’Asie et des Amériques et les arts de l’Islam
• Jeudi 5 décembre : Quand la Joconde sourit aux masques sans fossette
• Lundi 9 décembre : Faire dialoguer les cultures

En remontant dans les archives de la Chaire du louvre mises en ligne, on pourra, entre autres, regarder l'édition 2022 dont l'invité était Pierre Singaravélou.
Ce dernier avait en effet proposé 5 conférences sur le thème : Les Fantômes du Louvre. Les musées disparus du XIXème siècle.
Parmi elles, je retiendrai notamment la première :
L’ethnographie au Louvre : histoire à rebours d’un oubli séculaire.

Notons encore que le Pavillon des Sessions du Louvre est fermé jusqu'à l'automne 2025.

Photo 1 : Pavillon des Sessions, Louvre, photo de l'autrice, 2014.
Photo 2 : Le musée de Marine du Louvre, Magasin pittoresque, 1847 in Le musée de Marine du Louvre : un musée des techniques ? article de Géraldine Barron, 2016.

Amedeo et le Novo Pilota

Pas étonnant de retrouver ces deux là unis dans une même exposition actuellement au musée de l'Orangerie et jusqu'au 15 janvier. De prime abord, sont des légendes, ainsi que le Paris du début du 20è siècle, véritable creuset pour les avant-gardes artistiques qu'ils incarnent, d'une certaine manière. Mais aussi parce qu'ils ont été étroitement liés. La rencontre date de 1914, grâce au poète Max Jacob, dit-on. Paul Guillaume deviendra le marchand d’Amedeo Modigliani, partageant avec lui des affinités artistiques, littéraires, et notamment un intérêt commun pour l'art africain.



On notera une Journée d’étude le Vendredi 1er décembre 2023 qui s'annonce passionnante à l'auditorium du musée d’Orsay : Modigliani et le marché de l’art parisien (1900-1939), dont une intervention de Maureen Murphy, historienne de l’art, professeure d’art contemporain, université Paris 10 Nanterre à 14h30 : De l’inclusion des arts d’Afrique au marché de l’art des années 1910.



Photo 1 : Anonyme, Modigliani dans son atelier, rue Ravignan 1915, Paris, musée de l’Orangerie © RMN-Grand Palais © Dominique Couto
Photo 2 : Anonyme, Paul Guillaume dans l'atelier de Modigliani, non daté, Paris, musée de l’Orangerie © RMN-Grand Palais © Franck Raux
Photo 3 : Détail d'un masque Ngon Ntang, artiste Fang, Gabon © Musée du Quai Branly - Jacques Chirac, dépôt au Musée de l'Orangerie, photo de l'autrice.
Photo 4 : Fille rousse, Amedeo Modigliani, 1915, © Musée de l'Orangerie, collection Walter-Guillaume, photo de l'autrice.

Collections Premières - Objets africains

Vous avez peut-être raté le colloque de juin dernier à l'INHA intitulé Collections Premières. Aux débuts des objets d’Afrique dans les musées occidentaux .
L'histoire des collections est toujours un sujet passionnant où chaque oeuvre donne naissance à une enquête "policière" par le suspens qui en ressort. Ainsi ce bel objet en ivoire de la Bibliothèque de Versailles annoté "casse-tête d'Afrique" puis sceptre indien, s'est vu définitivement attribuer une origine africaine mais sa fonction demeure inconnue...Frédérique Servan-Riviale ne tarit pas d'exemples dans la première vidéo ci-dessous...
De manière générale, la question posée au colloque était : "Comment la mise en collection des objets d’Afrique a effacé leur histoire pour les transformer en « arts premiers » ?"...
Si cette catégorie de classement a fait long feu, ses effets perdurent. Ce colloque revient sur cette histoire en examinant, au plus près de la primo-acquisition des objets et la sortie de leur contexte d’usage, les processus de muséalisation et leur rôle dans la création d’une certaine forme de patrimoine africain."
Découpées en 6 parties, les interventions ont fait l'objet d'une retransmission disponible à présent sur YouTube.

• Les collections sous l'Ancien Régime et la première partie du 19è siècle.
• Les acquisitions d'objets entre sciences et conflits coloniaux.
• Collections de musées, corpus d'étude.
• Marché de l'art, collections privées et musés.
• Musées coloniaux, musées en période coloniale.
• La collection vue depuis l'objet.

Télécharger le programme détaillé






Photo tirée de l'intervention de Mme Frédérique Servan-Riviale (vidéo 1/6).

Primitivismes

La BnF poursuit son cycle de conférences L'art en histoires.
La séance du mercredi 25 janvier 18h30 sur le site François-Mitterrand - Petit auditorium s’intéressera à l’analyse des manifestations artistiques qui s’arment du primitif contre la société moderne, processus que l’histoire a pris l’habitude de nommer primitivisme.
Elle sera réalisée par Philippe Dagen, critique d’art au journal Le Monde, professeur d’histoire de l’art contemporain à l’université Paris 1 Panthéon-Sorbonne, auteur de Primitivismes 2 : Une guerre moderne. Réservation conseillée.

"Comment considère-t-on les arts primitifs à la fin du XIXe siècle et au début du XXe siècle ? Comment les artistes comme Paul Gauguin, Kirchner, Matisse, Picasso, Paul Klee, pour en citer quelques-uns, s’emparent-ils de l’art tribal ? Après la Première Guerre mondiale, avec le mouvement Dada et le surréalisme, l’Europe fait du primitif une idée essentielle qui s’incarne dans les « sauvages », les fous, les préhistoriques et les enfants. Cette construction élaborée par l’Occident autour du primitif est liée à la modernité artistique. En revenant sur des récits de voyage, sur des positionnements d’artistes, sur des regards d’anthropologues, sur des journaux et des revues et sur des collections, cette conférence permettra de mieux cerner les identités artistiques de la modernité et des avant-gardes du XXe siècle". P. D.

Si vous ne pouvez vous y rendre, signalons la riche bibliographie mise à notre disposition :

Télécharger Biblio Primitivismes

Photo : Emil Nolde, Papuan youths, 1914, National Museums in Berlin, National Gallery / Jörg P. Anders © Nolde Stiftung Seebül

Socrate avait tort

Il fait froid ce matin dans la cour de l'hotel de Mongelas à Paris. Bien sûr, les températures sont loin de celles du terrible hiver 54 dont on parle encore maintenant et, même si on ne l'a pas connu, celui-ci nous évoque forcément l'Abbé Pierre, les Sans-abri, les laissés-pour-compte.
Il est loin aussi le fossé qui sépare l'idée qu'on a des choses et celles-là mêmes lorsqu'elles sont vécues car, si l'on peut penser la pauvreté, que dire d'en faire l'expérience dans sa chair !
Dans le Parménide de Platon, Socrate a encore beaucoup de chemin à faire pour comprendre ce monde concret, trivial... et lorsque Parménide lui demande si toutes les choses comme "la chevelure, la boue et la crasse ou quelque autre encore plus dépourvue de valeur et vulgaire" sont dotées d'une "idée", d'une forme en soi (eidos), notre jeune philosophe peine à lui répondre et élude la question :

« Es-tu dans l'impasse [sur la question de savoir] s'il faut déclarer aussi que de chacune d'elles, il est un eidos distinct, qui est autre une fois encore que ceux que nous, nous touchons de nos mains, ou bien pas ? »
« Nullement », déclara Socrate.... Déjà pourtant dans le passé cela m'a aussi troublé : quelque chose ne serait-il pas pour toutes [choses] le même ? Et puis, chaque fois que je m'y arrête, je pars en fuyant, craignant qu'un de ces jours, en tombant dans quelque abîme de niaiserie, je ne me perde....
Parménide 130d

Mais l'artiste, lui, n'esquive pas, ne se perd pas !
Lionel Sabbaté installe son oeuvre, "La sélection de la parentèle", dans la cour du musée de la chasse. Un titre donné en référence à la théorie développée par le biologiste anglais William Donald Hamilton.

C'est au cours de cet hiver 54 que l'arbre, cet olivier, est mort. Mais des fleurs renaissent, des fleurs constituées des peaux mortes et des ongles de centaines d'hommes.
Vois-tu, Socrate, c'est là toute la grandeur de ces choses ridicules et la puissance de l'art que d'y faire émerger en leur sein les "grandes" idées qui te sont chères. Ici c'est d'"Altruisme" dont veut parler Lionel Sabatté en mettant en scène dans cette cour parisienne, une relation spatiale harmonieuse entre l'animal, l'homme et l'arbre.
L'art contemporain s'est largement emparé de ces matériaux "vulgaires" ou dérangeants car avec eux, on est sûr que la "Beauté" n'y réside pas de manière intrinsèque ; il faut vouloir les bousculer, mettre "quelque chose'" en action...

Les objets des sociétés traditionnelles d'Afrique et d'Océanie utilisent bien sûr tous les matériaux possibles, des matériaux pas forcément "nobles". Ainsi en est-il de ces masques, coiffes et mannequins funéraires du Vanuatu, pour qui la présence de la toile d'araignée soigneusement tissée intervenant dans leur composition, est là pour rappeler l'importance du secret et la valeur inestimable de sa divulgation aux seules personnes qui en sont dignes.

Là encore, le soin apporté par les devins-guérisseurs d'Afrique à la composition de la charge des figures de pouvoir, un mélange de rognures d’ongles, de cheveux, d'éléments végétaux, animaux, minéraux... atteste encore de l'efficacité de ces "choses ridicules" dans la réalisation du bilongo, ce mélange "magique" qui permet à l'esprit de se matérialiser dans ces minkisi, et d'apporter guérison ou protection.
De minimes voire dérisoires eidos pour de grandes et sérieuses affaires !

Photos de l'auteure.
Photos 1 et 2 : Oeuvres de Lionel Sabatté, musée de la chasse Paris avril 2017.
Photo 3 : Vanuatu, Plateau des collections du musée du Quai Branly-J. Chrica, avril 2017,
Photo 4 : Minkisi Yombe, exposition Mayombe à Louvain , décembre 2010.

L'ombre d'un doute

Nous nous sommes ici souvent interrogés sur la distance entre les choses et nous, sur la place des objets, leur statut c'est-à-dire principalement leur position (forcément fluctuante) dans les relations humains/non-humains (un des sujets de la passionnante exposition Persona qui s'est tenu il y a peu au musée du Quai Branly).
À la veille de Noël, temps privilégié où les objets choisis avec coeur vont s'échanger, se jouent parfois au sein de certaines familles de "mini-potlatchs". Malgré les dettes financières qu'ils génèrent, l'important dans ces dons et contre-dons consiste à se donner et à se rendre des respects mutuels. Qui est l'acteur au sein de la fête ?... Ayons donc une pensée pour ces objets !

 

Parce que des choses sont de plus en plus connectées, qu'on les dit dynamiques (smartobjects), on arrive peut-être maintenant à saisir plus pragmatiquement ce qu'Antoine Hennion et Bruno Latour ont largement décrit dans leurs ouvrages de sociologie de l'action, et à appréhender plus particulièrement ce qu'il y a sous leur célèbre assertion : "Les objets font quelque chose, et d’abord ils nous font".(Hennion A. & Latour B., 1993, "Objet d’art, objet de science. Note sur les limites de l’antifétichisme". in Sociologie de l’art, L’Harmattan, 1993).
Le très stimulant séminaire de Thierry Bonnot auquel j'ai assisté hier (Objets en société : attachements, attaches, agency (agentivité). Autour de Bruno Latour, Alfred Gell, Antoine Hennion, etc.) m'a permis de repenser les objets en insistant sur l'importance des situations sans jamais les considérer comme des données fixes. Devant dépasser le dualisme objet/sujet (et c'est bien ce que l'étude des artefacts extra-occidentaux nous a toujours encouragés à faire), l'une des pistes que nous proposent ces auteurs est de s'intéresser aux attachements et surtout à s'engager à les qualifier.
Une tâche bien difficile que d'essayer d'étudier ces liaisons et leurs modalités.

Difficile de se défaire de nos préjugés sur l'humain et le non-humain... Un exemple intéressant et surprenant nous est donné par ces choses devenues des Tsukumogami. Ce sont à la base des objets du quotidien qui, abandonnés par leurs propriétaires, acquièrent au bout de 99 ans, une vie. Ils deviennent des êtres, animés souvent de malveillance envers les humains car ceux-ci les ont abandonnés.
Ces choses-êtres-limites étaient connus dans le folklore médiéval japonais. On les trouve dans les Otogizoshi de l'époque de Muromachi, un ensemble d'histoires courtes illustrées qui mettaient en scène des yokai (esprits ou fantômes). Les Tsukumogami sont des yokai particuliers dont les plus courants étaient des sandales de paille, des luths, des lanternes en papier, des vieux parapluies, des vieilles jarres de saké, des bouilloires... Tout un univers d'objets domestiques dont la biographie, passée leur centenaire, devient tumultueuse !
Un beau texte à lire... à méditer le jour où l'on voudra mettre ses cadeaux de Noël au rebut !

Le titre est emprunté à un sketch de Raymond Devos. À consommer sans modération :

Photo 2 : Sweet Harmonizer II, © Kenji Yanobe 1995, photo de l'auteure, exposition Persona, musée du Quai Branly, 2016.
Photo 3 : Extraite de l'article The Tsukumogami of Japanese Folkore sur le site.
Photo 4 : © Kyoto University Library, Otogizoshi.

Mise en valeur

Intéressante rencontre ce week-end au salon de lecture Kerchache du musée du Quai Branly.
Elle s'inscrivait dans le cadre de l’installation d'une vitrine conçue avec les étudiants boursiers du département de la recherche sur le thème « Valeur et Matérialités ».
Cette démarche originale et intelligente consiste en la réalisation d'une "mini" exposition accompagnée de la rédaction d'un livret bref mais éclairant sur le thème de la valeur en anthropologie et plus précisément sur celle des pièces soigneusement choisies pour la vitrine.

Télécharger le Livret

 

Je l'évoquais déjà dans un très bref article de décembre 2007, la question de la valeur est un sujet fort complexe puisque c'est une notion à la fois subjective et objective, liée à des objets qui circulent (ainsi acquièrent-ils une valeur) ou précisément qui ne circulent pas (possessions inaliénables...).
Cette notion de valeur est aussi liée au statut des propriétaires des biens, à celle du don puisqu'il s'agit pour les individus d'entretenir constamment leur prestige au moyens de dons ostentatoires, loin de se montrer accapareurs.
Ces biens acquièrent justement une valeur par la générosité de leur propriétaire. Ainsi, si "la monnaie est l'invention de l'anonymat", les biens de valeur sont au coeur des relations interpersonnelles.

Joel Robbins, professeur d'anthropologie de Cambridge et invité du musée du Quai Branly, avait fait travailler cet automne les étudiants sur ces questions, et plus précisément je crois, sur les travaux de Nancy Munn à travers son ouvrage de 1886 The Fame of Gawa : A Symbolic Study of Value Transformation in a Massim Society.
S'il n'y a pas d'objets des îles Salomon exposés dans la vitrine, il y a des objets du Vanuatu (ce qui a trait aux cochons et une natte d'Ambae), de Milne Bay (pour la mention aux échanges Kula) et de la province de Morobe. C'est dans cette dernière région que l'anthropologue Françoise Girard avait mené une mission dans les années 1954-55 pour le compte du musée de l'Homme et avait ramené bon nombre de clichés mais aussi quelques objets notamment des Buang. Parmi eux le bâton à déterrer les ignames et le sac en ficelle orné de mâchoires d'opossums qu'on peut remarquer dans la vitrine : des objets du quotidien réellement intriqués dans les relations sociales.

Tous ces objets prouvent s'il en était besoin, la relation qu'entretiennent valeur et échange dans la vie sociale puisque c'est bien l'échange qui créé ici la valeur.
Pour aller plus loin, il nous faut relire le célèbre mais difficile texte d'Arjun Appadurai : "Commodities and the politics of value", introduction de l'ouvrage The Social Life of Things: Commodities in Cultural Perspective paru en 1988.

Télécharger le texte Commodities and the politics of value

et sa traduction par Jean-Pierre Warnier parue en 2009 :

Télécharger Les marchandises et les politiques de la valeur

Photos 1 à 3 de l'auteure, Salon Kerchache, décembre 2016.
Photo 4 : Femme Buang portant une charge dans un filet sur le dos - Photo de Françoise Girard © Musée du Quai Branly - 70.2004.41.198.

Walter Benjamin, le "collectionneur d'étincelles"

"Entrer" dans les arts extra-occidentaux c'est se frotter à une multitude de questionnements qui ont trait aussi bien à l'ethnologie, à l'histoire, à l'histoire de l'art... aux interrogations des religions, des sociétés, des hommes...
Dans le détours de ces mondes, des figures comme celles de Carl Einstein, d'André Breton, d'André Malraux... à des titres différents, ont surgi et se sont croisées autour des arts africains, plus largement pour leur vie elle-même, et ont fait l'objet de conférences à part entière au sein de l'association ces dernières années.
Parmi les figures incontournables, il en est une qui m'impressionne particulièrement et dont l'oeuvre est essentielle pour qui veut réfléchir sur les images (et plus largement dans les domaines de la philosophie de l’art, de la philosophie du langage et de la philosophie de l’histoire !)... il s'agit de Walter Benjamin.



Compliquée son oeuvre, sa pensée et pour l'instant, je l'approche lentement comme celle d'Aby Warburg. Car la "porte d'entrée" des arts lointains c'est pour moi aussi un subterfuge pour essayer de se donner les moyens de "penser autrement". Mais il faut du temps pour apprivoiser. Il faut y venir et y revenir, souvent par surprise.
Ainsi, réfléchissant sur Pierre Guerre et notre visite à la Vieille Charité l'année précédente en compagnie d'Alain Vidal-Naquet, son gendre ; réfléchissant également à la construction de conférences autour du Mur d'André Breton, j'avais à l'époque rencontré Alain Paire.
Et c'est vers lui que je reviens aujourd'hui car il nous propose des vidéos sur des écrivains qui ont marqué Marseille et sa brève évocation de Walter Benjamin à Marseille en 1940 est remarquable et sensible.
La date est d'autant plus aiguë que cette année là, le 26 septembre, Walter Benjamin sera retrouvé mort à Port-Bou, non loin de la frontière espagnole : il aura ingurgité une dose énorme de morphine.(Le 15 juillet, une autre grand penseur "énergumène" s'était jeté dans le gave d'Oloron : Carl Einstein) !



Le titre de cette note est emprunté à celui d'une émission de France Culture :

Photo 1 : Photographie du passeport de Walter Benjamin, vers 1928
Photo 2 : © Valerio Adami

Le révolteur

"Certains problèmes qui se posent à l'art moderne ont provoqué une approche plus scrupuleuse de l'art des peuples africains. Comme toujours, là encore, un processus artistique actuel a créé son histoire : en son centre s'est élevé l'art africain. Ce qui paraissait auparavant dépourvu de sens a trouvé sa signification dans les plus récents efforts des artistes plasticiens. On a deviné que rarement ailleurs que chez les Noirs on avait posé avec autant de clarté des problèmes précis d'espace et formulé une manière propre de création artistique.



... Cette brève description de l'art africain ne pourra se soustraire aux expériences faites par l'art contemporain, d'autant plus que ce qui prend de l'importance historique est toujours fonction du présent immédiat." Carl Einstein in La sculpture nègre, 1915.




Photos 1 et 2 : Photos, ce jour, à Sotheby's - Paris (vente du 11 mai à New York).
Photo 3 : Picasso, in Documents 2, 1930

Fractales africaines

Cliquer sur View subtitles afin de choisir la langue de votre choix.

Pour les matheux... interrogation sur la place des recherches en ethnomathématiques... Outil nécessaire pour comprendre l'humain ou simple gadget ?? Je demeure encore perplexe sur de nombreux exemples... à suivre.


" Ron Eglash is an American cyberneticist, university professor, and author widely known for his work in the field of ethnomathematics, which aims to study the diverse relationships between math and culture".
Photos sur le site

Festin des dieux

"Il y a là une horrible découverte, celle de la chair qu'on ne voit jamais, le fond des choses, l'envers de la face, du visage, les secrétats par excellence, la chair dont tout sort, au plus profond même du mystère, la chair en tant qu'elle est souffrante, qu'elle est informe, que sa forme par soi-même est quelque chose qui provoque l'angoisse. Vision d'angoisse, identification d'angoisse, dernière révélation du tu es ceci - Tu es ceci qui est le plus loin de toi, ceci qui est le plus informe".
in J. Lacan, 1978,Le Séminaire, livre II, le moi dans la théorie de Freud et dans la technique de la psychanalyse 1954-55.Ed. du Seuil.



C'est bien de cette angoisse de l'autre et de soi-même, de son corps et de notre chair, de son sexe et de nos craintes enfantines d'être dévoré par l'"ogre", des organismes hybrides et des infinies obsessions du moi dont il s'agit.
Toutes se mêlent dans cette riche exposition, Tous cannibales, qui dit nos phantasmes sur le sujet du cannibalisme.
L'évocation du barbare exotique "chasseur de têtes" devient une imagerie insuffisante puisque le cannibale est devenu soi-même ou autrui dont le corps est une chair comestible, un bien consommable.



On le perçoit, beaucoup de questionnements sont soulevés par cette exposition proposée à La Maison Rouge jusqu'au 15 mai.
J'attends avec impatience l'intervention de Jeanette Zwingenberger, commissaire de l'exposition, au salon Kerchache du Musée du Quai Branly le samedi 26 février à 17h, autour de la question : Comment figurer l'irreprésentable ?



Photos 1 et 4 : au premier plan, figure Yipwon du Korewori dans l'exposition.
Photo 2 : © Melissa Ichiuji, Kissie Kissie, 2008, Coll. Famille servais, Bruxelles.
Photo 3 : © Victor Brauner, Conciliation extrême, 1941, Coll. privée.

Totems

Il est des choses immémoriales, sans territoire ni appartenance ; elles peuvent résider ailleurs ou au fond de votre être. Qu’importe !
Elles ressurgissent toujours comme familières. Elles ont toujours été là. Nous venons vers elles comme nous venons au monde.
Probablement est-ce là une définition d’une œuvre d’art.
Inutile d’évoquer la beauté ; le bois est si proche de la chair. Les cicatrices forment le paysage, les veines déversent leur mouvement, le lustre confère l’éclat du regard.
La matière décline ainsi votre identité en lui donnant votre être, bouleversant votre représentation du monde puisque vous êtes de ce monde.



Les sculptures sont réalisées par Didier Laforest : voir absolument son site.
Photos : © Didier Laforest.

Autopsies

The Lost Dogs' Orchestra est le titre de la prochaine exposition de Barthélémy Toguo à la Galerie Lelong du 9 septembre au 9 octobre 2010.

Cette photographie m'a interpellée par rapport à son titre et les sujets dont je traite dans ce blog. Il est en effet parfois question de « fétiches », souvent anthropomorphes, amalgames de concepts et d'imaginaires. Qu'ont-ils dans le corps ?
Les scans d'un Bolifenda que dévoile l'admirable ouvrage de Jean-Paul Colleyn et Johann Levy, Boli, s'imposaient alors en résonance à cette photographie.
À leur manière, Autopsy of the World de Barthélémy Toguo et les scans du Bolifenda nous ramènent à la même question : Où se situe la frontière entre les choses et nous, nous et le monde ?



Quelle part d'humanité reste-t-il à l'« homme aux clous » dont la moitié du corps est déjà diluée ? Asservi ? Souffrant ? Vigilant ? Et quelle part d'humain ce médium qu'est le Bolifenda investit-il en « voulant » contrôler les forces qui nous dépassent ?
La phrase rappelée dans le même ouvrage, issue d'un chant du culte du Jo :
« Il n'y a rien dans les choses, mais toutes les choses ne sont pas sans contenu » s'applique parfaitement à nos vies humaines.
C'est un lieu commun pour de nombreuses philosophies, mais on peut le rappeler : Affirmer notre existence comme le champ de tous nos possibles ; dont le contenu est, par conséquent, en constant devenir.

Dossier de presse de l'exposition de Barthélémy Toguo

Photo 1 : Courtesy Galerie Lelong, Photo Fabrice Gibert
Photo 2 : © Jean-Paul Colleyn et Johann Levy, in 2009, Boli, Johann Levy (Ed.), scans : Sylvain Ordureau.

Fascination et dédoublement

Des yeux, un nez, qui sont autant de visages... « un monde enchevêtré » !
Objet fascinant, expressif, iconique.
Il s'agit d'une tête d'une massue marquisienne U'u figurant un tiki : une arme enveloppée d'images, déclinant des petites têtes d'etua aux fonctions probablement apotropaïques.

L'art marquisien a su jouer à l'infini sur les décompositions et transformations de motifs notamment celui d'etua (ou petit dieu) ; donnant ainsi au corpus relevé sur les tatouages, les objets et les sculptures, une cohérence extraordinaire.
L'on doit beaucoup aux études de Karl von den Steinen dès le début du XXème siècle. Reprises par Alfred Gell dans son livre L'art et ses agents (dont on trouvera plusieurs diagrammes sur le corpus marquisien), celles-ci lui servent (avec plus ou moins de bonheur) à tenter de définir le concept de style et à comprendre l'art marquisien comme un « objet disséminé » (voir son précédent chapitre sur la personne disséminée et l'exemple de la représentation de A'a).
On retrouvera cet objet dans le parcours que propose Philippe Descola au musée du Quai Branly.

Photos de l'auteur dans l'exposition La fabrique des images.
Massue appartenant aux collections du musée.

La fabrique des images au Musée du Quai Branly

Voilà plus de 6 mois, j'annonçais déjà cette exposition qui sera, je le pense, passionnante, La fabrique des images, dont le commissaire de l'exposition est Philippe Descola.
Elle se tiendra au Musée du Quai Branly du 16 février 2010 au 17 juillet 2011.


On pourra lire avec attention le dossier de presse fort bien réalisé.
Et compléter cette lecture par l'écoute des 9 cours de l'année dernière dispensés par Philippe Descola au Collège de France, téléchargeables, dans le cycle intitulé Ontologie des images.

Photo 1 : Masque Wauja (Pirarara), Etat du Mato Grosso, Musée du Quai Branly.
Photo 2 : Tableau récapitulatif, extrait du dossier de presse.

Faune, flore, visage ou des motifs Nakanai

J'évoquais, chez les Arawe, des motifs de boucliers dont l'intérieur représentaient des formes singulières, semblables à celles qui couvrent des étoffes d'écorce.
Chez les Nakanai, des motifs de boucliers sont également semblables à ceux des proues de pirogues, des masques et des libers d'écorce.
Ces étoffes d'écorce (non pas battue, semble-t-il, mais mâchée) étaient utilisées pour des cérémonies funéraires comme linceuls ou capes.

Ces dessins, appelés tataro, avec leurs yeux au centre, ne manquent pas de nous rappeler les visages déformés de peintures occidentales modernes.
Peut-être sont-ils liés aux esprits ?
Cependant, Ann Chowning qui a fait réaliser des tataro dans les années 60 par des Nakanai, en demandant à l'artiste ce que cela représentait, n'a jamais obtenu pour réponse : « il s'agit d'un visage », « d'un ancêtre »...
Les réponses qu'elles récoltaient étaient que tel ou tel tataro avait été inspiré par une forme d'insecte, d'oiseau, de poisson ou de coquillage. Des animaux qui présentent des transformations. Celui qui dessinait semblait capter une forme de l'animal ou de la plante qui ne lui était pas nécessairement familière.

Difficile tout de même de se dégager de l'impression de visage !
En fait, c'est parce que nous sommes fascinés par les « yeux » au centre ; notre attention ainsi captée nous oblige à construire mentalement un visage.
Les Nakanai, eux, s'intéressent aux motifs autour de cette structure :
la forme devient « aile de raie », « queue de scorpion », « feuille pour envelopper la nourriture »...

Bibliographie : Les tapa funéraires des Nakanai de Nouvelle-Bretagne, 1992, catalogue d'exposition, Galerie Meyer, Paris.
Chowning, Ann, 1983, « Inspiration and convention in Lakalai paintings » in Art and Artists of Oceania. Palmerston North : Dunmore Press Ltd and Mill Valley : Etnographic Arts Publications.

Photo 1 : © Olaf Wüpperfürth in Meyer, A. J. P. 1995. Art Océanien. Köln, Ed. Konemann.
Photo 2 : Musée du Quai Branly.
Photos 3 et 4 : Tataro in Chowning, Ann, 1983.

Agentivité, captivation, fascination...

À la suite du billet sur les boucliers du Pacifique et plus particulièrement ceux de Nouvelle-Bretagne, la vision du détail s'avère intéressante.
Elle permet probablement de mieux appréhender l'effet de captivation ou peut-être même celui d' « armes psychologiques » que les motifs opèrent.

On a proposé que les spirales des boucliers Arawe correspondissent à l'image de spirales de coquillages puisque ces derniers sont protecteurs de la chair qu'ils renferment.
Le rapprochement symbolique est tentant.
Pour Alfred Gell, les motifs des boucliers (Il s'est intéressé plus particulièrement aux boucliers asmat et trobriandais) ne représenteraient pas quelque chose de particulier mais fonctionneraient afin de produire un effet cinétique.
L'ennemi serait alors comme « immobilisé ».
Rien n'est moins sûr.
Les motifs sur les boucliers se retrouvent sur des masques, des proues de pirogues ; ils sont liés à un contexte social, à un contexte d'échanges.
Le revers des boucliers Arawe est généralement couvert de très beaux motifs que nous retrouvons sur les écorces peintes. Le contexte de la guerre ne peut donc être la seule source d'explication et d'inspiration des motifs.

Dans le précédent billet, il s'agissait de boucliers Sulka et Mengen ; ici, de boucliers
Nakanaï et Arawe.

Photos 1 et 2 : resp. Détail de bouclier Nakanaï et Arawe de Nouvelle-Bretagne in Linden-Museum Stuttgart in Heermann Ingrid (ed.), 2001, Form Colour Inspiration, Oceanic Art from New Britain, Stuttgart : Arnoldsche, © Anatol Dreyer.
Carte de Nouvelle-Bretagne in Benitez & Barbier, 1998, Boucliers d'Afrique, d'Asie du Sud-Est et d'Océanie, Ed. Adam Biro.

Masculin - Féminin

Les oeuvres contemporaines réalisées en matières cousues, tissées, comme c'est le cas ici avec du sisal et du chanvre, ont la faculté de nous toucher dans notre intimité, au plus près du corps humain.
C'est lors d'une visite à l'exposition elles@centrepompidou, que j'ai découvert cette oeuvre de Magdalena Abakanowicz.

Elle m'a interpellée par rapport à une lecture récente sur les immenses maisons des hommes qui peuplaient, au début du siècle, le Golfe de Papouasie (sud de la Nouvelle-Guinée). La maison cérémonielle était « un ventre, une carcasse, un corps pouvant contenir quelque chose d'une manière toute maternelle, quoique dans une tonalité inquiétante et agressive » (Stéphane Breton, 2006).

Les jeunes initiés y étaient dévorés mais aussi procréés par ce ventre à la fois contenant utérin mais totalement masculin, réalisé par les hommes afin de « produire » des hommes.

Alors, la photographie montrant l'installation des Abakans, en Suède, en 1970, par Magdalena Abakanowicz prenait un sens tout proche de ces préoccupations lointaines des initiations de Papouasie.
Toutes les réflexions sur le corps, sur son enveloppe, sur la question du « gender » ont des résonances universelles.
La vidéo réalisée en 1982 sur le travail de Magdalena Abakanowicz apporte encore un nouvel éclairage sur ces questions sur le corps, sur ce qu'est l'homme.

Photo 1 : Magdalena Abakanowicz, Abakan grand noir, 1967-1968, © MNAM.
Photo 2 : Maison des hommes, delta de la Purari, Golfe de Papouasie, photographie de Frank Hurley, début des années 1920, in Qu'est-ce qu'un corps ?, 2006, dir. Stéphane Breton, Ed. Flammarion, Musée du Quai Branly.
Photo 3 : Monstres de vannerie kaiaimunu au fond de la maison de hommes, Golfe de Papouasie, photographie de Frank Hurley, 1922, in Qu'est-ce qu'un corps ?, 2006, dir. Stéphane Breton, Ed. Flammarion, Musée du Quai Branly.
Photo 4 : Installation of Abakans, Sodertalle, Sweden, 1970, site de Magdalena Abakanowicz

Force et culte des images

Ayant à l'esprit le billet sur les représentations du divin, le tableau de Victor Brauner, et son titre, m'ont interpellée.
Je ne connais pas l'histoire de ce tableau, ni les interprétations officielles.
Il est évident qu'elle renvoie à l'image du Dieu A'a.

Ce dernier est présenté par Afred Gell dans son livre Art and agency dans le chapitre «The distributed Person», et traduit dans sa version française comme « La personne disséminée ».
La sculpture de Rurutu, avec ses mini-répliques collées sur son corps, apparaît comme un objet fractal ; la partie étant le tout.
Le divin se distribue comme on le faisait avec les to'o de Tahiti ; les plumes rouges imprégnées de mana « chargeaient » ainsi les divinités mineures lors de cérémonies spécifiques.
Description passionnante dans Les dépouilles des dieux (Alain Babadzan, 1993, Paris : Maison des Sciences de l’Homme).

Que dire alors du tableau de Brauner ? Concentration ? Totalitarisme d'un individu qui s'accapare les autres? Agglutination des foules ?... ou image démultipliée de lui-même ?

Photo 1 : Victor Brauner, Force de concentration de M.K, 1934. © MNAM.
Photo 2 : A'a, The British Museum.

Malaggan ou "faire une image"

Les sculptures malagan qui apparaissent lors des cérémonies des secondes funérailles au Nord de la Nouvelle - Irlande sont des accumulations, des images données à voir comme substitut du défunt. La photographie ci-dessus ne constitue qu'un détail d'un extraordinaire enchevêtrement de figures anthropomorphes de près de 4m de hauteur. On y distingue une tête d'oiseau au sommet.

Chaque clan est propriétaire de motifs qui constituent la sculpture. Pour être « efficace », la structure doit néanmoins obéir à certaines règles afin de restituer l'histoire du groupe. L'ordonnancement des motifs est ce qui importe. Ces images sont liées aux histoires ancestrales et aux territoires. Avec ces signes, on reçoit accès à des terres. Elaborée une seule fois avant d'être détruite, la « fabrique d'images » fonctionne pour être mémorisée et pour distribuer. La cérémonie malagan scelle donc le passage à la génération suivante et notamment le passage des terres. Les images sont intimement liées aux échanges, aux paiements en cochons qui vont permettre le transfert des droits sur le malagan. L'image est donc ici plus qu'une simple oeuvre esthétique : elle est chargée d'émotions face à la présence des ancêtres, mais surtout, elle est « investie » de relations sociales fortes puisque tout se joue lors de cette « représentation de la mémoire » pour la revendication des droits et des pouvoirs.

Photos in Nouvelle-Irlande, Arts du Pacifique Sud, 2007, dir. M. Gunn& P. Peltier, Ed. 5 Continents, Musée du Quai Branly.
Photo 1 : Australian Museum, Sydney.
Photo 2 : Ethnologisches Museum, Berlin.

La Fabrique des images

La troisième grande exposition d’anthropologie du musée du Quai Branly qui se tiendra au début de l'année 2010 a choisi un sujet passionnant.
Il faut remarquer que le commissaire de l'exposition n'est autre que Philippe Descola.

On pourra, à cet effet, lire l'article publié suite à sa conférence prononcée à l’Université Laval en 2006 : La fabrique des images.
Les séquences de l'exposition s'inspireront des quatre modes d'identification que Philippe Descola y développe : l'animisme, le naturalisme (où l'humain se différencie du non-humains par son esprit), le totémisme (avec des exemples tirés des sociétés aborigènes d'Australie) et l'analogisme (existence de réseaux de correspondance entre les existants).

Photos: Musée du Quai Branly.
Photo 1 : Masque Yup'ik d'Alaska.
Photo 2 : Rêve de deux hommes, Paddy Jupurrurla Nelson, Yuendumu.

L'art et ses agents - Art and agency

Le fameux (et si difficile) ouvrage d'Alfred Gell : Art and agency - An anthropological theory, paru en 1998, est enfin traduit en français aux Presses du réel et sera bientôt disponible en France.

Après avoir réfuté les orientations inter-culturelles de l'art où l'objet n'est pas au centre de l'approche, les orientations sémantiques et les approches ethno-esthétiques ; Alfred Gell a voulu construire une théorie applicable à toutes les formes d'art.
Une démarche qui a forcément interpellé ceux qui s'intéressent aux arts non-occidentaux et qui a fait coulé beaucoup d'encre depuis 10 ans !
L'objet d'art est « indice » et par ce vocabulaire, Gell peut investir les phénomènes logiques ; l'indice permettant une inférence causale.
L'objet d'art devient l'indice de l'existence d'un « agent social » (une personne ou une chose à l'origine d'évènements causés par son intention propre).
L'artiste est par conséquent celui qui est responsable causalement de l'existence de l'indice et le « prototype » est ce qui est représenté par l'indice.
Le « destinataire » est donc l'agent sur lequel agit l'indice.
Il bâtit ainsi tout un réseau (The Art Nexus) où les éléments sont intriqués, actifs ou passifs.
L'exemple d'une proue de pirogue des Trobriand est bien adaptée. Dans le systèmes d'échanges Kula, elle démontre le pouvoir que possède son propriétaire pour convaincre le partenaire cérémoniel à échanger, elle montre le savoir-faire du sculpteur, elle « enchante » (au sens fort du terme, un enchantement de la technologie (que revalorise la théorie de Gell), le destinataire étant piégé).

Son ouvrage fourmille d'exemples empruntés au monde océanien (les proues de pirogues trobriandaises, les to'o de Tahiti, les dessins sur le sable du Vanuatu, l'art marquisien, le dieu A'a des Australes, les sculptures malangan...)... mais aussi le cas de The Rokeby Venus de Velazquez tailladée par Mary Richardson (passionnant article de Sophie Moiroux)... et l'oeuvre de Marcel Duchamp dont il était admiratif.

L'art est pour Alfred Gell, un moyen d'action ; pour lui, la pertinence ne tient pas dans l'esthétique mais dans l'efficacité, l'intentionnalité.
Théorie attirante par cette fameuse notion d'« agency » qui lui permet de se débarrasser de l'esthétique, mais trop floue pour embrasser et « la Joconde » et « les boucliers de Papouasie-Nouvelle-Guinée ».
À lire le compte-rendu critique de Maurice Bloch : « Une nouvelle théorie de l'art » in Terrain 32, mars 1999,
et un extrait du 1er chapitre de L’art et ses agents – Une théorie anthropologique.

Au Musée du Quai Branly, le vendredi 12 juin à 18h, Salon Jacques Kerchache.
Présentation du livre d'Alfred Gell : L'art et ses agents - Une théorie anthropologique.
Une discussion prometteuse avec la participation d'Olivier Allard (anthropologue, Université de Cambridge) et Philippe-Alain Michaud (historien d'art, Centre Georges Pompidou), Pierre Lemonnier, Maurice Bloch, Philippe Descola, Carlo Severi, Thierry Dufrêne, Ludovic Coupaye, Denis Vidal, Nathalie Heinich, Jean-Marie Schaeffer, Brigitte Derlon, Monique Jeudy-Ballini, Stephen Hugh-Jones.

Photo 1 : Proue de pirogue trobriandaise, photo Josette et Charles Lenars.
Photo 2 : Schéma tiré de Art and Agency p.29.
Photo 3 : The Rokeby Venus, Velazquez, 1647-51, The National Gallery, London.

L'énigme du don

La phénoménologie se retrouve au coeur des questionnements que l'anthropologie de l'art induit.
Ce qu'écrit Merleau-Ponty, nous ramène à la question de la distance entre les choses et nous. Nous, occidentaux, avons opéré une nette séparation Nature /Culture.
Mais dans d'autres sociétés, les choses sont au coeur des relations humaines ; il n'y a pas de distance entre les individus et les choses ; et plus encore, les objets qui ne circulent pas dans le cadre des échanges, ceux qu'on doit garder, transmettre, sont les objets sacrés.
C'est à partir d'eux et des rapports politico-religieux qu'ils induisent que se construit la société telle que l'a observée Maurice Godelier lors de son séjour chez les Baruya en Papouasie-Nouvelle Guinée.



Reprenant la lecture de L'essai sur le don de Marcel Mauss, Maurice Godelier, dans L'énigme du don, voit le fondement du social dans le religieux, le sacré.

Bibliographie :
Godelier M., 1982, La production des grands hommes. Pouvoir et domination masculine chez les Baruya de Nouvelle-Guinée., Ed. Flammarion, Champs 1996.
Godelier M., 1996, L'énigme du don, Ed. Flammarion.
Godelier M., 2007, Au fondement des sociétés humaines : ce que nous apprend l’anthropologie, Ed. Albin Michel.

Photos : Têtes surmodelées Iatmul. Province du Sepik de l'est. Moyen Sepik. Anc. Coll. du Naprstek Muzeum, Prague, in Ombres de Nouvelle Guinée, 2006 © Studio Ferrazzini Bouchet.

Parole du tissu du Monde

« Visible et mobile, mon corps est au nombre des choses, il est l'une d'elles, il est pris dans le tissu du monde et sa cohésion est celle d'une chose. Mais, puisqu'il voit et se meut, il tient les choses en cercle autour de soi, elles sont une annexe ou un prolongement de lui-même, elles sont incrustées dans sa chair, elles font partie de sa définition pleine et le monde est fait de l'étoffe même du corps.»
(in Merleau-Ponty, 1961, L'Oeil et l'Esprit).

À lire, les articles de Regard Eloigné :
Le tissu du Monde... Pour un paradigme de l'anthropologie (1) et (2)

Photos : Lés de ntshak Kuba, Musée Dapper, © Massimo Listri (Florence) in Au fil de la parole, exposition 1995, Musée Dapper.

Nature / Culture

"...De la multitude des chambrettes abritant des cultures particulières dégouttent au rez-de-chaussée des infiltrations bizarres, fragments de philosophies orientales, débris de gnoses hermétiques ou mosaïques d'inspiration New Age, assurément sans gravité, mais qui polluent çà et là des dispositifs de séparation entre humains et non-humains que l'on croyait mieux protégés. Quant aux enquêteurs que l'on avait mandés aux quatre coins de la planète pour y décrire des maisons à l'architecture plus primitive, et qui s'étaient longtemps efforcés d'en dresser l'inventaire à partir du plan type qui leur était familier, voilà qu'ils rapportent à présent toutes sortes d'informations insolites : certaines maisons sont dépourvues d'étage, la nature et la culture y cohabitant sans difficulté dans une seule pièce ; d'autres maisons semblent bien avoir plusieurs étages, mais, dans leurs fonctions étrangement distribuées, la science fait lit commun avec la superstition, le pouvoir politique s'inspire des canons du Beau, le macrocosme et le microcosme sont en conversation intime ; on dit même qu'il y a des peuples sans maisons, se passant d'étables et de jardins, peu enclins à cultiver la clairière de l'Etre ou à se fixer comme destin explicite la domestication du naturel en eux ou autour d'eux"... écrit Philippe Descola dans son Avant-propos de Par-delà nature et culture.
(2005, Ed. Gallimard)


Voilà quelques lignes que j'aurai bien aimé écrire en guise d'introduction à ce blog. Combien les objets que nous contemplons dans ces notes nous obligent-ils à repenser la distinction entre la Nature et nous.
Ainsi en est-il de ces ignames, plantes banales des agricultures tropicales que les Abelam, peuple de Nouvelle-Guinée, s'appliquent à cultiver.
Le "mécanisme" de production est long ; des prescriptions et proscriptions alimentaires et sexuelles, comportementales font partie intégrante du processus technique. Des substances magiques sont introduites comme fertilisants, les tubercules sont objets de toutes les attentions, différents types de jardins sont ouverts (anciens et nouveaux), les monticules scrupuleusement irrigués, la parole toujours accompagnant le geste technique...


Puis viennent les cérémonies des grandes ignames.
Métaphores visuelles du corps humains, ces plantes devenues gigantesques, sont décorées.
Les monnaies de coquillages circulent de main en main, la viande de cochon est distribuée.
Une expression dit qu'elle "graisse les relations".
En fait c'est précisément de cela dont il s'agit. L'igname est devenue le fruit d'un réseau de relations humaines, clone végétal, objet d'art...
Ce que l'on présente dans les musées, ce sont les masques qui ornent les tubercules...
Ne l'isolez pas mentalement, le masque n'est qu'un simple ornement. L'important c'est l'igname devenue le moteur de relations. Imaginez le labeur dépensé aux jardins, les chants, les transactions, les alliances entre villages... imaginez le long processus, ne regardez pas tant l'objet !

Photo 1 : Ornement pectoral, population Lumi, Montagnes Torricelli in Meyer, A. J. P. 1995. Art Océanien. Köln, Ed. Konemann. Photo @ Olaf Wüpperfürth.
Photo 2 : Ignames courtes parées, village Abelam près d'Ulupu. Photo : René Gardi, 1956, @ Archives Museum der Kulturen, Bâle.
Photo 3 : Grande igname décorée, village de Nyamikum, 2003. Photo @ Ludovic Coupaye.
Photos 2 et 3 in Peltier, P. & Morin F. 2006. Ombres de Nouvelle Guinée. Arts de la grande île d'Océanie dans les collections Barbier-Mueller. Paris, Ed. Somogy.
Photo 4 : Musée du Quai Branly.

Secret / Sacré

Ce billet est écrit dans l'esprit d'une contribution aux commentaires émis à la suite de Arts d'Australie : Les chemins du rêve.
J'ai déjà eu l'occasion de le dire; les notes sur ce blog concernant l'art aborigène ont été écrites avec une logique de "découverte".
Après avoir évoqué les churingas, les toas du Lac Eyre, les tutini des Tiwi, les wandjina... autant d'expressions artistiques différentes, j'ai tenté d'approcher la peinture aborigène en regardant des peintures sur écorce, avec leurs variantes et les différents centres du Nord de la Terre d'Arnhem jusqu'à l'est, Yirrkala.
Le dernier billet, quant à lui, esquissait les débuts de la peinture acrylique à partir de l'expérience de Papunya.
Approximativement, à partir des années 70-80, cela "explose"; des communautés artistiques se forment, Yuendumu, Lajamanu, Utopia, Balgo... toujours en relation avec des revendications politiques (se faire reconnaître, reconnaître le droit aux terres) mêlées à ce qui fait l'essence même de la culture aborigène, l'existence du Dreaming, du temps des Ancêtres, des rêves dont certains individus sont propriétaires...(cf. toutes les différentes notes du blog sur le sujet).
Au début des années 70, s'ouvrent deux grands centres d'Aboriginal Art & Crafts, à Sydney et à Alice Springs. Ils organisent le marché. A la fin des années 70, des "Art advisers" arrivent au sein des communautés, organisent la production... A partir des années 80, une reconnaissance des artistes du Désert Central est enfin acquise.


Depuis ce dernier billet, je suis restée muette quant à la peinture aborigène contemporaine... tout simplement parce que je ne sais pas l'approcher.
Yvan parle à son sujet d'ambiguïté "mercantile" et pointe du doigt le fait qu'on les présente comme des oeuvres contemporaines tout en les accompagnant d'un discours valorisant la tradition.
Je ne pense pas sur ce dernier point qu'il y ait encore une contradiction si ce n'est le fait de savoir ce que nous allons dire des jeunes générations, de la transmission (transmission du savoir i.e "copyright" du rêve et non pas de la technique ?) et du statut de l'artiste.
Je me suis plutôt posé la question de savoir, devant ces peintures, si je pouvais ressentir une émotion esthétique sans pour autant en rechercher un sens.
Ma réponse fut que j'en étais incapable, car malgré l'absence d'une figuration évidente, je pénétrais dans la toile suivant tel ou tel méandre et je cherchais à comprendre.
Peut-être était-ce parce que je savais qu'il y avait là, sous mes yeux, une partie d'un mythe ? Ambiguïté ? Certes, il s'agissait d'une histoire sacrée, propre à l'artiste ou au clan auquel il appartient, qu'il veut garder secrète mais qu'il peint tout de même parce qu'il y a un marché en la masquant par des combinaisons de points ou autres, puisqu'il ne peut la divulguer dans son intégralité ou tout au moins n'en laisser transparaître qu'un niveau de lecture. (D'autres niveaux étant probablement accessibles aux initiés).
Alors que penser des explications que l'on nous donne d'une oeuvre ? Sont-elles pertinentes, utiles ?
La question plus générale est : Quels problèmes soulève une lecture iconographique d'une oeuvre aborigène ? Cette question a-t-elle même un sens ?
Dans ce billet, est présentée une oeuvre de Clifford Possum Tjapaltjarri.
Le paragraphe du livre dont sont issues les photographies de cette oeuvre, précise en effet quelques points du mythe évoqué.
Il s'agit d'un drame rappelant les interdits de l'amour entre un homme et une femme de clans entre lesquels le mariage est interdit. Dans la partie gauche, une femme trouve la substance "lurrka" qui indique la présence de fourmis à miel qu'elle était venue chercher.
Afin de nous donner des clefs, des schémas nous aident :


Il s'agirait donc de lire ? de déchiffrer ? Peut-on donc parler de language visuel à identifier, à s'approprier ?
Sur la partie droite, il s'agirait des activités d'un homme d'un autre clan (Tjungurrayi) dans un site voisin, qui seraient représentées. Dans cette oeuvre, Clifford Possum crée un motif "hair string spindle" (sorte de broche de bouts de cheveux ?). Surpris par une femme Napangati qui fut attirée par son chant, l'homme Tjungurrrayi laisse s'envoler cette "pelote" de cheveux (probable métaphore de vies brisées par ces tabous entre clans) comme le souligne le schéma ci-dessous.
Quatre autres femmes Nungurrayi avec leur bâton à fouir vont s'asseoir près du camp dans la pénombre, ce sont les 4 formes en U tracées à l'extérieur de la grande spirale, accompagnées d'un trait. Les longues lignes droites horizontales seraient des mirages (? pas d'explication...), des empreintes de pas sont encore celles d'un être du temps du rêve, d'autres encore... tout s'entremêle et il est bien difficile d'embrasser l'ensemble.


Des détails nous marquent, la composition est complexe... et je n'ai pas choisi la plus simple pour un oeil peu averti.
Des oeuvres sont bien détaillées dans le chap. 3 de l'excellent livre d'introduction que constitue L'art des aborigènes d'Australie de Wally Caruana (Thames & Hudson, 1994).

Cependant, malgré la complexité, je souhaitais, par cette note, poser les questions des conditions de possibilités de lecture, de l'iconographie, du besoin de "clefs" devant une peinture aborigène contemporaine; relever l'ambiguïté de la cohabitation contemporain/tradition, secret/marché de l'art...
Je suis bien consciente qu'il y a des erreurs, des naïvetés dans mes propos mais j'ai écrit ces lignes en ce sens car je souhaiterai sincèrement que les lecteurs plus "avertis" nous éclairent.

Peut-être ces questions deviennent-elles plus simples lorsqu'on évoque l'art des Aborigènes "urbains"... mais c'est un tout autre volet encore peu développé en France.

Photo 1 : Man's Love Story, Clifford Possum, 1978 ...et suivantes in Johnson Vivien, 1994, The art of Clifford Possum Tjapaltjarri, Gordon and Breach arts international. Courtesy Tandyana and The South Australian Museum.

Inaliénabilité

Dans un précédent billet, j'évoquais la valeur prise par les choses qui circulaient entre les personnes, véhicules des relations sociales.
Il existe cependant des choses qui ne circulent pas (ou qui ne doivent circuler ou si elles circulent, doivent revenir à leur propriétaire) et qui ont une valeur tout aussi importante, des « possessions inaliénables » en quelque sorte.

Sujet d'actualité, s'il en est, en ce qui concerne les oeuvres extra-européennes dans les musées occidentaux mais aussi sujet qui touche aux restes humains encore présents dans nos collections. Enjeux de respect (la restitution du corps de Saartjie Baartman ne date que de 2002!) mais aussi d'une identité revendiquée.


Ainsi en est-il de la tête Maori (dont un dessin est reproduit en début de ce billet) et dont on a beaucoup parlé au sujet de sa récente restitution par le Musée de Rouen.
Plus qu'un simple tatouage, il s'agissait d'un véritable remodelage des visages des chefs Maori. Lors de la colonisation de la Nouvelle-Zélande, au XVIIIème siècle, les Occidentaux furent fascinés par ces pratiques et achetèrent des têtes Maori momifiées.
Il semble que dès le milieu du XVIIIème siècle, ce commerce fut interdit.
Il reste néanmoins plusieurs d'exemplaires de par le monde à devoir attendre une sépulture en Nouvelle-Zélande.

Photo 1 : Site Rouen Blog.
Photo 2 : Gravure d'un ancien chef Maori. New Zealand Tourist Department n°188.
Photo 3 : Tomika Te Mutu, 19è, chef Maori. Photo Agence John Hillelson.

Donner, recevoir, rendre

À Paris, en ces temps de fêtes, les magasins sont noirs de monde; chacun à la recherche du cadeau qui fera plaisir à l'autre, mais aussi, il faut bien l'avouer, à nous-même. Le choix n'est pas simple; il y a la question financière bien sûr et consciemment ou non, on réfléchit si cela est bien ou pas assez ou trop, selon la personne, sa proximité... Et puis il y a ceux qui n'ont rien, il est question de charité, d'aumône, de dons faits aux «pauvres»; interrogations bien présentes au coeur de notre société, de nous-mêmes...
Lire ou relire l'Essai sur le don de Marcel Mauss, un texte de 1924-1925, ce n'est nullement se plonger dans un ouvrage suranné aux questions dépassées. Mauss fait le constat que le cadeau que nous faisons n'est pas désintéressé puisqu'il crée une obligation. Le don et le contre-don vont être les pivots de sa réflexion.
Examinons cet anneau de nacre. En Papouasie-Nouvelle Guinée, il prend des valeurs multiples. Celles-ci sont activées selon le contexte des échanges.
L'anneau de nacre en vente pour les «touristes» a bien une valeur monétaire, à l'instar de nos cadeaux, auxquels nous ajoutons, il est vrai, ce que nous appelons une valeur sentimentale.


Mais un anneau de ce type servira aussi de compensation lors d'un mariage, entrera dans un «contrat». Il servira de compensation dans une dispute et l'objet rétablira l'équilibre. Il servira encore de compensation lors de funérailles, marqueur de relations entre les clans. L'anneau est en quelques sorte en «relation sympathique» avec son propriétaire.

La manière dont les objets circulent en Océanie va permettre à ceux-ci d'acquérir une valeur à l'aune des relations qui se construisent entre les personnes.
La valeur de l'objet est donc toujours contextuelle et le prix ne peut se mesurer avec nos catégories de monnaie. Lorsque l'anneau devient compensation, ce n'est pas d'argent dont il s'agit mais compensation d'un manque, de la perte d'un être; une fille qui va se marier, un aïeul qui vient de décéder...
Les humains n'ont pas de prix me direz-vous; incompréhensible à nos yeux d'acheter sa femme avec des coquillages, aisé d'imaginer les abjectes dérives d'un corps devenu objet... mais là encore, individu, personne, objets sont liés. Penser que s'il y a eu compensation, échanges d'anneaux, les relations sociales ne sont jamais coupées, jamais fermées; les choses et les humains ne sont pas si éloignés que cela peut nous sembler.
Difficile de penser ainsi, mais n'avons-nous pas à y apprendre ?



«Objets inanimés, avez-vous donc une âme
Qui s'attache à notre âme et la force d'aimer ?»
écrivait le poète.
Ce n'est pas tout à fait de cela dont il s'agit, mais peut-être approche-t-on le concept de hau ce «quelque chose qui circule» et qui va nous obliger à accepter le cadeau et à rendre ?
Peut-être faut-il un long détour vers l'Océanie pour comprendre la valeur des choses, mais aussi la nature et la valeur de l'art ?

Essai sur le don. Forme et raison de l'échange dans les sociétés archaïques. de Marcel Mauss est téléchargeable sur internet à partir d'un site extraordinaire : Les classiques des sciences sociales : Une bibliothèque numérique, entièrement réalisée par des bénévoles, fondée et dirigée par Jean-Marie Tremblay, sociologue. université du Québec à Chicoutimi.

Photo 1 : Issue du site Anthrophoto.
Photo 2 : Musée du Quai Branly.
Photo 3 :© Pierre et Anne-Marie Pétrequin (cf. exposition Objets de pouvoir en Nouvelle-Guinée).
Photo 4 : Musée des Confluences - exposition virtuelle.
Photo 5 : Archives Museum der kulturen Bâle, 1956 © Alfred Buhler in Ombres de Nouvelles-Guinée.

Tu fais peur Tu émerveilles

Pour sûr tu es un grand dieu
Je t'ai vu de mes yeux comme nul autre
Tu es encore couvert de terre et de sang tu viens de créer
Tu es un vieux paysan qui ne sait rien
Pour te remettre tu as mangé comme un cochon
Tu es couvert de taches d'homme
On voit que tu t'en es fourré jusqu'aux oreilles
Tu n'entends plus
Tu nous reluques d'un fond de coquillage
Ta création dit haut les mains et tu menaces encore
Tu fais peur tu émerveilles.

in Poèmes, «Xenophiles», André Breton, 1948.

Suite de Tour du Monde surréaliste ; matière à réflexion :
L'appropriation surréaliste des objets d'art «indigènes». Article de Sophie Leclercq.

et aussi, dans la même lettre du séminaire 13, :

Entre oeuvres d'art et documents : Les arts d'Afrique à Paris et à New-York dans les années 1930. Article de Maureen Murphy.

La fascination occidentale pour les objets non occidentaux. Article de Nélia Dias.

Photo 1 : Uli, Nouvelle-Irlande, anc. Collection André Breton, © Bibliothèque Jacques Doucet.
Photo 2 : Mur de l'Atelier d'André Breton © Centre G. Pompidou, MNAM

Baining - Giacometti

Avec ses yeux si grands, comme étonné dans la nuit où il danse, le masque Vung-Vung fait résonner d'un bruit sourd le long tube qui surgit de sa bouche. Dans les montagnes reculées du Nord de la Nouvelle Bretagne, il saute au-dessus du feu afin de célébrer (peut-être ?) des initiations. L'appendice est fonction : les hommes Baining sont aussi «orchestre».


Avec une bouche ouverte comme hurlant sa douleur, Le Nez est d'un autre ordre. Masque d'une mort contemplée ? Homme-licorne d'un univers sans vie ou sans liberté ? Qu'es-tu, figure de notre monde ?

Photo 1 : Linden-Museum Stuttgart © in Form Colour Inspiration, Oceanic Art from New Britain, 2001 Ingrid Heermann Ed.; Stuttgart, Arnoldsche.
Photo 2 provenant du site.