Pour de nombreuses civilisations, au commencement était le Chaos. Puis, le Ciel et la Terre s'unirent et donnèrent vie... et ce, après bien souvent des histoires mouvementées (pour le dire sous forme d'euphémisme).
Parmi les êtres engendrés, la figure du monstre n'a cessé de fasciner, parce que mêlant les règnes ou les genres.
La Théogonie d'Hésiode, qui décrit la succession de générations divines, dépeint (entre autres) la figure d'Echnida qui engendrera une nombreuse et dangereuse progéniture...
"Callirhoë, au fond d'une caverne, produisit un autre enfant monstrueux, invincible et nullement semblable aux hommes ou aux dieux, la divine Échidna au coeur intrépide, moitié Nymphe aux yeux noirs et aux belles joues, moitié serpent énorme et terrible, marqué de taches diverses et nourri de chairs sanglantes dans les entrailles de la Terre sacrée. Ce monstre habite un antre profond dans le creux d'un rocher, loin des hommes et des Immortels : c'est là que les dieux lui assignèrent une glorieuse demeure. Renfermée dans Arime, la fatale Echidna vivait sous la terre, toujours affranchie de la vieillesse et du trépas. Typhon, ce vent fougueux et redoutable, s'unit, dit-on, avec cette Nymphe aux yeux noirs, qui, devenue enceinte, enfanta une race courageuse...
..d'abord Orthos, ce chien de Géryon, ensuite l'indomptable Cerbère, qu'on ne nomme qu'avec effroi, ce gardien de Pluton, ce dévorant Cerbère à la voix d'airain, aux cinquante têtes, ce monstre impudent et terrible, enfin la fatale hydre de Lerne, que nourrit Junon aux bras d'albâtre, pour assouvir son implacable haine contre Hercule ; mais ce fils de Jupiter, armé du glaive destructeur et secondé du vaillant Iolaüs, immola cette hydre, d'après les conseils de la belliqueuse Minerve.
Échidna fit naître aussi la Chimère qui, exhalant des feux inextinguibles, monstre terrible, énorme, rapide, infatigable, portait trois têtes, la première d'un lion farouche, la seconde d'une chèvre, la troisième d'un dragon vigoureux ; lion par le haut de son corps, dragon par derrière, chèvre par le milieu, elle vomissait avec un bruit affreux les tourbillons d'une dévorante flamme. La Chimère succomba sous Pégase et sous le brave Bellérophon. Échidna, s'accouplant avec Orthos, engendra la Sphinx, si fatale aux enfants de Cadmus, et le lion de Némée, que Junon, auguste épouse de Jupiter, nourrit et plaça sur les hauteurs de Némée pour la perte des humains. Ce lion, qui régnait sur le Trétos, sur Némée et sur l'Apésas, ravageait des tribus des hommes ; mais il périt, dompté par le puissant Hercule."
La sculptrice sénégalaise, Seyni Awa Camara, ne créé peut-être pas des monstres lorsqu'elle fait surgir de la terre ses personnages aux multiples enfants. L'interprétation simple (ou simpliste) tendrait à croire que c'est la progéniture qu'elle n'a pu avoir ou encore la mémoire
de ses frères et soeurs morts à la naissance puisque sa mère a eu à plusieurs reprises des triplés. Ce n'est pas sans faire penser à la réalisation d'Ibeji dans la culture Yoruba.
J'aime à penser qu'il y a dans ces oeuvres un mélange de ces interprétations. La réalité est toujours plus complexe et les mythes peinent à expliquer pourquoi les choses sont ce qu'elles sont.
Originaire du Bénin, Simonet Biokou appartient à une grande famille de forgerons, les Dakpogan de Porto-Novo. Tôt, il s’est « jeté à la forge ». Il aime les ferrailles qu’il assemble, soude, recouvre de vernis. Son thème de prédilection, la récupération. Boulons, vis, ressorts, mais aussi chaînes de vélos, jantes de voiture, compresseur de frigo se métamorphosent entre ses doigts : il redonne la vie là où elle s’est arrêtée et crée un monde peuplé de figures de la vie quotidienne – musicien, femmes au marché, paysans…
Mais au Bénin, les dieux ne sont jamais très loin et ses sculptures s’inspirent également du panthéon vodoun. La démarche nécessite alors un certain rituel. Ainsi nous dit-il « Quand j’ai eu l’idée de réaliser Sakpata (divinité de la terre, très vénérée à Porto-Novo), je suis allée voir les prêtresses de Sakpata pour avoir l’accord et j’ai donné l’argent pour une cérémonie… et après j’ai réalisé le dieu. Puis je les ai invitées pour mettre une puissance sur l’œuvre ».
"I could talk about African art quoting names, ethnic groups, more or less known and explored zones because today, thanks to texts, witnesses, videos and photos, it seems possible, to whom may be interested in this topic, to grasp its every little nuance.
The magic miracle that happens every single time, instead, is to discover that perhaps there is some other little sign, some little mystery, that awaits to be discovered or interpreted. The simple and universal language, that those very pieces of tribal art have taught me, can paradoxically be found in their complex forms…
It is not by chance that during the history of modern Western art painters and sculptors have been fascinated by tribal art. Matisse, Matta, Gauguin, Picasso, Braque, Brancusi, Moore, Lam have drawn inspiration, innovation and artistic lymph by those plastic and archetypical figures, so alive in their ancestral lure and spirituality.
However, this is not the characteristic I want to discuss, because it is undeniable how it has intensely entered the art of great artists, in such a way that some of them got inspired by it to reach their final style.
What interests me is that this tribal art has been fundamental for the spiritual growth of those who still do ritual art outside of the African continent living their everyday life and also of those who are enthusiast collectors of said art. Masks, sculptures, common objects must have a dialogue, a relationship, even in an unconscious way, with said people. In fact, these objects are in their motherland an extension of the territory, the important centre of a social life which is the cornerstone of the very community; they are, at the same time, children and mothers of the same culture they live in.
The one who owns an ancestral, archetypical statue, or “spirit”, is inevitably influenced by it, "especially in our contemporary era, where the intimate and "romantic" side of things is left behind, giving more importance to the material and "materialistic" one.
Our culture is based on speed, on the rationalization and the optimization of spaces and time. And it is here that the intrinsic message of the African, Oceanic (or from other tribal regions) piece of art appears and becomes very clear, emanating a will to go back to our origins, to man, to our instinctive and animal side, which is fundamental to life and living; true “Freedom”, if we want to use a wider term.
I am very sensitive to the magical influence emanating from these artifacts and to the link that connects African art to the modern ritual one.
The Lost Dogs' Orchestra est le titre de la prochaine exposition de Barthélémy Toguo à la Galerie Lelong du 9 septembre au 9 octobre 2010.
Cette photographie m'a interpellée par rapport à son titre et les sujets dont je traite dans ce blog. Il est en effet parfois question de « fétiches », souvent anthropomorphes, amalgames de concepts et d'imaginaires. Qu'ont-ils dans le corps ?« Ndary Lo, un art des passages » est le titre d'un article d'Eliane Burnet (in Ethiopiques 79, 2007) qui exprime très justement, à mon sens, l'art ou tout au moins d'importantes facettes de l'oeuvre de Ndary Lo.
J'avais découvert ses sculptures lors d'une exposition au Musée Dapper en 2002.
J'aime ses corps en mouvement, ses corps déformés, distordus, l'usage du fer parfois mêlé à maints matériaux qui leur donnent chair et sens.
Cette année, du 10 février au 31 mai, Ndary Lo présentera à la Fondation Blachère, un hommage à Rosa Parks, cette femme noire qui, un jour de décembre 1955, refusa de céder sa place à un passager blanc dans un bus de Montgomery en Alabama.
L'on retrouvera aussi Ndary Lo, au printemps, lors de la prochaine exposition du Musée d'Afrique Centrale de Tervuren , Persona, une « confrontation » d'oeuvres contemporaines et de masques du musée.
Pour en savoir plus : Oeuvres et textes sur son site.
Photo 1 : © Charles Jousselin.
Photo 2 : © Fondation Blachère.
Oeuvre 1 : Art de guérir - 2002.
Oeuvre 2 : Autoportrait avec idées de couleur - 2003.
Courtesy Galerie NKA* Brussel.
Très bon élève à l’école, Inoussa Simporé doit la quitter avant l’entrée en 6ème par le manque de moyens de sa famille, qui l’envoie à Ouagadougou afin de contribuer aux besoins de celle-ci.
Il « fait » le cireur de chaussures pendant 5 ans. Au cours de ses tournées, il rencontre un peintre en lettre qui fait des enseignes mais aussi des tableaux.
Cette rencontre est une révélation pour lui et il décide d’essayer de se lancer dans la peinture.
Il se rend alors régulièrement chez le peintre et lui « cire les chaussures » gratuitement, en échange du droit d’assister à l’activité dans son atelier. Au bout de trois ans, le peintre l’engage comme apprenti (en Afrique, les apprentis qui se forment ne sont pas rémunérés). Il reste 5 ans avec lui et reçoit, vers la fin, un peu d’argent (0,5 à 1 € par jour) puisque, devenu productif, il permet au patron d’augmenter ses rentrées.
En 2004, Inoussa se met à son compte. À 25 ans maintenant, il vit principalement de son travail de peintre en lettres (enseignes, banderoles, décoration de magasins...) mais consacre le plus de temps possible à la peinture de tableaux, bien qu’il n’y ait pas de « marché de l’art » au Burkina.
Pour voir plus de tableaux : cliquez sur la page d'AFRICART.
Pour toute information, contactez-le au Burkina Faso (00226 76601027) ou contactez son ami en France, Jean-Jacques Fillinger (05 65 22 60 47 ou 06 83 58 75 18, [email protected] ), qui a rapporté en France une douzaine de ses toiles.
© Inoussa Simporé
Peinture : © Florence Béal-Nénakwé
La couleur encore, toujours, avec cette fois l'univers d'une artiste peintre camerounaise.
«Cela commence comme une belle histoire, un conte merveilleux où une fillette côtoie les plus grandes collections de masques aux teintes et formes étranges, bizarres et quelque peu magiques ...»
C'est ainsi que débute le discours de Florence sur ses oeuvres que vous pouvez découvrir sur son site (et aussi dans un billet d'un blog ami).
Femme-reine, , «marathonienne au masque», «amoureuse à la guitare», la femme devient multicolore-multiforme sous son pinceau éclaboussant.
