Détours des Mondes

Narcisse Pelletier : Anniversaires

Narcisse Pelletier est ce mousse vendéen de 14 ans qui, suite au naufrage du Saint-Paul en 1858, et abandonné par ses compagnons près de Cape Direction dans la péninsule du Cap York, fut recueilli par une famille aborigène et revint en France dix-sept ans plus tard. L'histoire est célèbre et fut et demeure le sujet de nombreux ouvrages.
Je l'ai précédemment évoqué dans un article intitulé : Rossel, une ploutocratie papoue....

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Photo : Narcisse Pelletier photographié à Nantes en 1876 par Constant Peigné © T.D.R

Au-delà du destin d'un Curieux

Le jeudi 5 octobre à 19h, dans le cadre de l'exposition "Aventure & Erudition" organisée par la Galerie Meyer Oceanic Art et à l'occasion des Jeudis des Beaux-Arts, je présenterai la toile de fond de mon dernier roman Sarah Island 1824. Le destin d'un Curieux.
En effet, la trame romanesque se déploie entre 1860 et 1824, dans un premier temps à Londres sous le règne de Georges III...Où l'on voit s'enrichir des cabinets de curiosités grâce aux collectes des grandes expéditions maritimes, puis leur déclin pour terminer disloqués dans des ventes aux enchères. En France, c'est la genèse chaotique de "musée publics pour le peuple" sur fond de Révolution.
Mais si l'on suit nos héros, nous découvrirons la First Fleet qui conduit les convicts sur les terres australiennes, puis assisterons aux débuts de la colonisation tasmanienne. Au passage, un petit tour à bord de la Coquille sous la Restauration, une expédition française méconnue !

Pour participer, s'inscrire auprès de Gisèle Bertin




Photo 1 : Détail de la gravure de William Skelton : Vue du Grand Salon et de la Galerie, La Rotunda, Black Fryar’s Bridge, d’après le dessin de Sarah Stone, 1789.
Photo 2 : Honi soit qui mal y pense : La boutique de George Humphrey, 27 St. James Street, 12 aout 1821, dessin de Theodore Lane © The Metropolitan Museum, Harris Brisbane Dick Fund, 1917- N° 17.3.888-326.
Photo 3 : Vue de la ville de Hobart, 1824, planche 27 par Joseph Lycett. Publiée par John Souter, Londres, 1824–25 © National Gallery of Victoria, Melbourne. Joe White Bequest, 2015.

Les sept soeurs

Les sept sœurs de la mythologie grecque étaient Maïa, Alcyone, Astérope, Céléno, Taygète, Électre et Mérope, enfants d’Atlas et de Pléioné, la divinité protectrice des marins. Pourchassées par le chasseur Orion, tombé sous leur charme, les sept soeurs furent délivrées de sa traque incessante par Zeus, qui les changea en colombes et elles prirent leur envol. Chaque soir, on peut les revoir sous la forme de l'amas des Pleiades, si reconnaissable près de la constellation d'Orion.
De tous temps, les Pléiades ont servi de point de repère, aux marins pour naviguer, aux agriculteurs pour déterminer le moment des semailles et des moissons... et ont suscité des légendes, des sagas que les générations se transmettent.


En Australie, les sept soeurs sont victimes de la poursuite sans relâche d'un sorcier, une saga qui se décline tout au long des territoires aborigènes du centre et de l’ouest du pays, laissant ses traces dans le paysage.
Au musée du Quai Branly et jusqu'au 2 juillet on peut voir "Songlines. Chant des pistes du désert australien", une exposition itinérante produite par le National Museum of Australia avec le soutien des gardiens traditionnels de la Loi et des savoirs aborigènes sur l’histoire des Sept Sœurs.
Une multitude de peintures représente ces récits de création et nous invite à partager ces parcours. Une très belle exposition !

L'art des Ghostnets

On a vu depuis quelques années émerger ce type de sculptures réalisées à partir de morceaux de filets de pêche abandonnés en mer (ghost nets), se situant à la fois dans une démarche écologique puisqu'il y a récupération de déchets dans lesquels des animaux se retrouvent pris au piège, et une démarche artistique.
Géraldine Le Roux, anthropologue à l’Université de Bretagne Occidentale, chercheuse associée à la James Cook University en Australie, travaille depuis plus de vingt ans auprès d’artistes australiens aborigènes et insulaires du détroit de Torres, et de créateurs polynésiens, samoans, maori et kanak.
Elle vient de publier une somme richement illustrée sur le sujet : L'art des ghostnets. Approche anthropologique et esthétique des filets-fantômes dont voici un extrait :

Télécharger Extrait L'art des ghostnets

Photo de l'autrice, 2017 à l'Université de Genève lors de l'exposition Australie : Défense des Océans. L'art des ghostnets.

Les Amis de Nicolas Baudin

L'association Détours des Mondes a reçu il y a 15 jours Martine Marin, Présidente de l'association des Amis de Nicolas Baudin pour une passionnante conférence sur ce voyage méconnu.
Elle nous communique ici gracieusement le dernier numéro de :

La Lettre des Amis de Nicolas Baudin
En outre, des représentants de la Société des Amis du musée, de la bibliothèque et de l'histoire de l'école Polytechnique (SABIX) étaient présents à cette conférence, venant d'éditer leur dernier bulletin (n°69) consacré à l'expédition Baudin.
Une version en ligne est disponible : Des polytechniciens au cœur d'une expédition australe.


Photo 1 : Routes des navires de l'expédition Baudin et portrait du Capitaine. Image courtesy State Library of South Australia, B 5793.
Photo 2 : Couverture du bulletin n°69 de la SABIX.

La difficile reconnaissance de l’expédition Baudin

L'association Détours des Mondes propose le jeudi 17 novembre à 14h une conférence intitulée
La difficile reconnaissance de l’expédition Baudin (1800-1804) et réalisée par Martine Marin, Présidente de l'association Les Amis de Nicolas Baudin.
"On l'appelle l'expédition oubliée de Napoléon, pourtant l'expédition Baudin (1800-1804) ou encore le Voyage de découverte aux terres australes est sans doute l'expédition française la plus réussie au vu des résultats obtenus : des milliers d'échantillons de plantes et d'animaux dont la majorité alors inconnus en occident, la première carte de l'Australie, des récits de rencontres avec les Aborigènes et deux navires, Le Géographe et le Naturaliste qui reviennent tous les deux en France au bout de quatre ans de navigation plutôt mouvementée, véritables arches de Noé dont les trésors iront embellir les jardins de Joséphine de Beauharnais à la Malmaison.
Pourtant, la malchance a toujours entravé la reconnaissance de cette expédition l'empêchant d'accéder au rang des grandes explorations françaises comme celles de La Pérouse ou de d'Entrecasteaux… "

Martine Marin

Photo : Le Géographe et le Naturaliste par Charles Lesueur.

Australie au muséum d’histoire naturelle du Havre

Le Muséum d’histoire naturelle du Havre accueille depuis le 5 juin et jusqu’au 7 novembre une exposition intitulée Australie-Le Havre. L’intimité d’un lien. 217 dessins de Charles-Alexandre Lesueur et de son assistant Nicolas Petit sont exposés, ils proviennent de l’expédition « Voyage de découvertes aux Terres Australes » (1800-1804) sous le commandement de Nicolas Baudin, où Lesueur était l’artiste officiel à bord.

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Photo : Dessin de Charles-Alexandre Lesueur © T.D.R.

Un étonnant récipient de Tasmanie

Parmi les dessins de Piron, réalisés lors de l'expédition de d'Entrecasteaux, celui représentant des récipients s'est retrouvé sous le feu de recherches actuelles. C'est ce que Stéphanie Leclerc-Caffarel, responsable des collections Océanie au musée du Quai Branly-Jacques Chirac, a expliqué, il y a peu, lors du dernier PAA Meeting. Lors de la recherche des objets mentionnés dans l'Atlas de La Billardière, on remarque dans la planche ci-dessus le dessin d'un contenant souple reproduit à droite. Identifié comme un sac à eau de Tasmanie (D'Entrecasteaux est en Tasmanie du 21 avril au 28 mai 1792 et du 21 janvier au 21 Février 1793), réalisé à partir d'une certaine sorte d'algue, cet objet existe-t-il encore dans une collection publique ? Nous savons qu'un certain nombre des artefacts collectés par La Billardière avait pu se retrouver au muséum d'histoire naturelle à la fin du 18ème siècle. Un indice induit la recherche vers la collection de Vivant Denon : la planche 2 de son Monuments des arts du dessin chez les peuples tant anciens que modernes nous dévoile un sac très semblable (numéro 8 ci-dessous).



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Photo 1 : Dessin de Piron, © Musée du Quai Branly PP0049880.
Photo 2 : Planche 2 in "Monuments des arts du dessin chez les peuples tant anciens que modernes" © Vivant Denon

Entre tradition et Innovation...

L’Association Détours des Mondes vous invite le mardi 11 septembre à 10h30 pour une conférence de Bertrand Estrangin (Aboriginal Signature) intitulée :
Entre tradition et Innovation, clef de compréhension de l’art Aborigène contemporain
et qui se tiendra dans la Salle des Mariages - Mairie du 15ème - 31 rue Péclet - 75015 - Paris
Entrée gratuite dans la limite des places disponibles.

"De tracés sur le sol, de peintures corporelles et rupestres, les Aborigènes d’Australie ont directement embrassé l’art contemporain sans emprunter d’autres étapes. Avec les matériaux disponibles à Papunya en 1971 (contre-plaqué, acrylique), ils vont cristalliser la mémoire de leur peuple. Grand initié, chaque artiste convoque au présent sur différents supports les histoires du Temps du Rêve (Tjukurpa) sur lesquels il a autorité. Passé, présent et futur se confondent dans leurs œuvres, pour célébrer les ancêtres dans des formes d’expression qui peuvent confiner à l’abstraction selon un regard occidental. Dans leurs peintures et sculptures, avec l’individualité croissante des artistes, résonnent la plus ancienne mémoire de l’humanité". B.E.

Photo 1 : Oeuvre © Daniel Walbidi
Photo 2 : Détail oeuvre © Paddy Bedford.

Autres Rêves au musée africain de Lyon

Dans le cadre de la Société des Amis du musée africain de Lyon, je réaliserai ce jeudi 16 novembre à 18h15 une présentation sur l'art aborigène australien, introduisant la prochaine visite de leurs membres au MEG Genève pour l'exposition L'Effet Boomerang.
Loin des chemins africains, nous appréhenderons ainsi les principales clés de cet art afin de comprendre ce mouvement artistique contemporain qui est né de ce que l’on nomme le temps du Rêve. Nous nous focaliserons plus précisément sur l’art du Désert central analysant le lien entre les peintures acryliques sur toile, les dessins sur le sable et les peintures corporelles, mettant en évidence toute l’actualité et la dynamique du temps du Rêve dont les Êtres ont façonné les paysages australiens, les hommes et les femmes qui chantent, dansent et peignent encore des images sacrées.

« Je comprenais que tout passé est un rêve qui n’existe au présent que par les traces qu’il laisse » (B. Glowczewski) ou comment envisager l’une des formes les plus novatrices de l’art contemporain produit dans le monde aujourd’hui comme issue d’une bien longue histoire que je vous raconterai.

Photo © Collection M.B-P..

L'effet Boomerang

Titre question... de quoi s'agit-il ? Je crois que la réponse réside dès la toute première oeuvre de l'exposition consacrée aux arts d'Australie qui ouvre ce jour au Musée d'Ethnographie de Genève.
En effet, dans Undiscovered #4 , Michael Cook semble inverser l'histoire... et si les Européens avaient considéré les peuples qu’ils rencontraient comme « civilisés », tel cet aborigène vêtu d'un beau costume selon les goûts occidentaux. Si James Cook n’avait pas déclaré l’Australie Terra Nullius ; la première colonie pénitentiaire britannique se serait-elle installée à Botany Bay en 1788 ?
Réécrire les rencontres, s'insurger contre un discours dominant... c'est ce que font les artistes contemporains invités à prendre ici la parole. Le dialogue, à l'image du mouvement du boomerang, force ce retour.
Les mots "L'EFFET BOOMERANG" sont placés tels, qu'ils se reflètent judicieusement dans ce tableau, à l'envers bien sûr ; mais n'est-ce pas là une oeuvre qui se forme dans l'autre y ajoutant des symboles : incompréhension des cultures, mépris des uns qui ne voient que du vide, du blanc (à l'image des murs de l'entrée de l'exposition) là où il y a de la vie, du plein (les murs suivants sont emplis d'objets de la culture matérielle aborigène)...


En retour, l'artiste Brooke Andrew, né Wiradjuri par sa mère, ouvre des fenêtres désordonnées dans son univers empli de graffitis afin de porter son regard vers les objets des collections, ou nous fait encore tourner la tête dans sa boîte saturée de lignes blanches et noires, fascinantes comme les rarrk des peintures aborigènes qui permettent de faire advenir l'ancestralité ; mais ici c'est pour mieux nous perdre, nous questionner.


Contre cette relation à sens unique où les objets allaient autrefois se "sanctuariser" dans les musées occidentaux, Roberta Colombo-Dougoud, commissaire de l'exposition, questionne aussi le rôle d'un musée ethnographique au XXIème siècle. Au travers de cette présentation, si elle milite pour des échanges avec les communautés sources, c'est parce qu'elle voit dans le musée la possibilité de devenir un véritable espace de médiation, de négociation ; une "zone de contact".
Un objet très émouvant est exposé : il s'agit d'une main humaine de la fin du XIXème siècle. On perçoit mal la possibilité de sa présence par rapport à la question si sensible et légitime de présentation de restes humains.

À ce sujet Roberta Colombo-Dougoud écrit :

"Une autre forme de collaboration entre le MEG et les communautés sources est symbolisée par la main bret, donnée par le collectionneur genevois Maurice Bastian en 1960 (MEG Inv. ETHOC 028279). Autrefois, chez les Kurnai du Gippsland (Victoria), après un décès, l’une ou les deux mains du défunt étaient prélevées, fumées, puis équipées d’un cordon en peau d’opossum. Le bret était porté par un proche (parent, enfant, frère ou sœur) directement sous le bras gauche. À l’approche d’un danger ou d’un ennemi, la main se mettait à pincer ou pousser le porteur. Ainsi averti, celui-ci plaçait la main devant son visage et lui demandait de lui indiquer la direction d’où venait le péril. La réponse était donnée par des vibrations. Déjà en 1878 Robert Brough Smyth avait mentionné que de telles mains étaient gardées en souvenir de la personne aimée décédée.
Sur le conseil de Brook Andrew, j’ai contacté la Boon Wurrung Foundation qui représente les peuples Kulin (les Boonwurrung et les Woiwurrung), propriétaires traditionnels et gardiens des terres concernées. Après plusieurs échanges d’informations et courriels, le MEG a obtenu de la part de Carolyn Briggs, leader (arweet) de la Boon Wurrung Fondation, l’autorisation d’exposer ce reste humain et de montrer la main bret dans le catalogue. Nous lui sommes très reconnaissant-e-s pour sa compréhension et pour nous avoir démontré que la négociation avec les communautés sources représente des ouvertures plus que des fermetures".

L'exposition est dense. Dans les quatre parties qui la composent, on trouvera encore des installations sur les thèmes visible/invisible ; absence/présence comme ces deux arbres gravés qui ont été coupés (symboles de l'éradication des peuples autochtones) ; mais aussi l'historique des acquisitions des objets australiens qui se trouvent dans les collections du MEG, témoins de l'évolution du regard des Occidentaux puisqu'elles nous conduisent aux peintures acryliques mais aussi à une grande diversité d'oeuvres aux multiples supports et techniques : bronze tel le monumental Dugong d'Alick Tipoti qui trône dans la 3ème partie, filets de pêches du Centre d'Art d'Erub (déjà évoqués) et bien sûr les écorces et la toile...


On l'aura compris, cette exposition foisonnante révèle mille et une facettes de l'art aborigène traditionnel et contemporain, et pose des questions actuelles et universelles quant aux relations de l'art et du politique (cet art qui fut dès les années 60 outil de revendications aborigènes), de la place et du rôle d'un musée ethnographique au XXIème siècle et surtout de l'espace pour la parole de l'Autre.


Photos de l'auteure, MEG mai 2017.
Photo 1 : Undiscovered #, © Michael Cook
Photo 3 : Installation de Brooke Andrew.
Photo 4 : Main bret, © MEG ETHOC 028279

Dans les filets fantômes

Dans le cadre de l'exposition Récifs coralliens qui se tient jusqu'au 15 août 2017, d'étranges sculptures en ghostnet habillent les murs de l'Aquarium de Paris. Une idée intéressante dont se sont emparé des artistes en récupérant les filets fantômes que les pêcheurs laissent ou perdent dans l'océan, et qui, emportés par les courants marins, piègent et tuent la faune marine.

L'exposition Australie : La défense des océans - Sculptures en ghostnet voulant s'inscrire dans la lutte contre la pollution des océans et la préservation des espèces marines présente ainsi 28 sculptures illustrant les principales espèces menacées (barramundi, poissons-cie, tortue, crocodile, poisson-pierre, requin, etc.). Celles-ci ont été réalisées par des Aborigènes de la péninsule du Cap d'York, à la pointe nord du Queensland, et plus précisément par les artistes du Pormpuraaw Art & Culture Centre sous la direction de Paul Jakubowski.
Cette exposition sera présentée à l'ONU à Genève du 1er au 30 septembre 2017, puis à l'université de Genève jusqu'à la fin de l'année, faisant écho à la prochaine exposition du musée ethnographique (MEG) : L'effet Boomerang - Les arts aborigènes d'Australie qui aura lieu du 19 mai au 7 janvier 2018.

Photos de l'auteure, avril 2017 Aquarium de Paris.

De la Nouvelle-Hollande à l'Australie

Il était un navire bravant les flots... en l'occurence l'histoire que raconte la belle exposition, Mapping Australia, du Museum of contemporary Aboriginal Art d'Utrecht est celle du De Eendracht commandé par le capitaine Dirk Hartog, lequel il y a 400 ans, fut le premier Européen a débarquer sur la côte Ouest de l'Australie.

Ce sont différentes façons de "voir" l'Australie que Mapping Australia met en scène. Celle des explorateurs des XVIIe et XVIIIe siècles qui vont la cartographier et celles d'artistes aborigènes qui ont commencé à "chanter" les êtres du Temps du Rêve depuis près de 20000 ans sur les parois rocheuses, puis le sable, le corps des initiés, les écorces, l'acrylique... une peinture de l'empreinte !

De bien curieux objets sont aussi exposés, telle la réplique d'un plat en étain où un message commence ainsi « Le 25 octobre 1616, le bateau Eendracht d'Amsterdam est arrivé ici"...
En effet, comme preuve de sa présence là-bas, Hartog avait cloué ce plat à un poteau au sommet d'une falaise. Il constitue ainsi le plus ancien objet européen jamais trouvé sur le sol australien. En 1696, un autre capitaine hollandais, Willem de Vlamingh, débarque au même endroit, ramène le plat. L'original est conservé de nos jours au Rijksmuseum

Parmi les cartes incroyables de cette exposition, il en est une à l'usage des pirates ! Etablie par un inconnu (mais signé par Abel Tasman) en 1644, celle-ci condense la route d'Acapulco à Manille afin d'afficher les meilleurs endroits et époques de l'année pour accoster et dévaliser les bateaux de trésor espagnol ! Les corsaires néerlandais avaient ainsi tous les atouts en mains pour passer à l'action !

Les œuvres de l'artiste aborigène australienne Judy Watson occupent une place importante dans Mapping Australia. Elle joue avec les cartes et le paysage : Rouge sang sur de vieilles cartes du golfe de Carpentrie, s'intéressant à l'expédition de Matthew Flinders, un grand explorateur de l'Australie ou encore des lignes topographiques presque oppressantes, comme si on s'approchait d'un coeur qui bat fort.

On attend bien sûr le catalogue de cette riche exposition.
Un grand merci à Georges Petitjean qui nous a conduits dans cette exposition et nous a fait partager sa passion. (Détours des Mondes Association)
Feuilleter le portfolio Duyfken réalisé pour l'occasion.

Photos de l'auteure, octobre 2016
Photo 1 : © Stephen Eastaough, 2016, Lost Emergency Craft Series.
Photos 6 : © Judy Watson, red float, flinders chart, 2014
Photos 7 : © Judy Watson, mt riddel, 2016
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Women of the desert - L'art de Balgo

Balgo est une communauté aborigène située à 850 kms d'Alice Spring. Après Papunya, c'est vers la fin des années 70 que les premières peintures apparurent à Balgo. Il faudra attendre 1986, la première exposition Art of the great sandy desert qui se tint à Perth, pour voir révéler au grand public des toiles incroyables.
Il existe en effet depuis les années 80 deux courants dans l'art de Balgo : l'un que l'on peut qualifier de traditionnel ; l'autre avec des couleurs vives et variées.
C'est ce dernier style, toujours étonnant dans cet art novateur qui permet une grande liberté aux artistes, que j'apprécie vraiment.
Une nouvelle exposition de Bertrand Estrangin, consacrée précisément à Balgo se tiendra à la Galerie Aboriginal Signature : du 6 avril au 6 mai 2016, 101 rue Jules Besme, 1081 Bruxelles.
Vernissage demain à partir de 20h.

"La place des femmes Aborigènes : pas gagnée d’avance en anthroplogie !
Dans l’histoire du peuple Aborigène, la place des femmes fut également un peu négligée, sans doute en raison de la vision orientée des anthropologues majoritairement masculins et d’une culture occidentale à prédominance patriarcale.
Il en sera de même dans la peinture Aborigène, où la place des hommes est prédominante avant les années 1980. Puis le cours des choses va progressivement s’inverser dés 1983, avec la réalisation de quelques toiles acryliques par des femmes de la communauté de Yuendumu, dont le succès fut immédiat, à tel point qu’elles purent à leur tour acheter un 4x4 pour gagner leur indépendance et rejoindre à nouveau leurs lieux sacrés.
Les succès des peintures féminines susciteront à d'autres endroits des jalousies des hommes. certains chercheront à s'approprier les histoires, signes et rituels féminins pour pouvoir les apposer sur leurs œuvres. Les conflits furent nombreux, la société Aborigène étant solidement contrastée entre femmes et hommes, avec chacun leurs traditions, rituels et complémentarités comme autorités dans les mythes du Temps du Rêve".

"Les femmes Aborigènes gagnent leur indépendance grâce à la peinture
Depuis la place des femmes ne va cesser de gagner en importance dans les années 1990, jusqu’à dépasser en pourcentage les créations des hommes. Aux confins de trois déserts Australiens, parmi les plus arides, cela sera assez rapidement le cas au sein du centre d’art de Balgo qui prend son essor à la même période.
Selon Judith Ryan, célèbre anthropologue et curatrice Australienne « l’émergence des femmes a changé le cours de l’art Aborigène » et la vision que nous avions des femmes dans la culture Aborigène.
Les hommes à leur tour vont partager certains symboles comme les points avec les femmes. Principalement orientée sur des peintres corporelles, les peintures féminines étaient exemptes de points comme à Utopia. En permettant aux femmes de faire usage du pointillisme, les hommes vont donner aux femmes la possibilité d'étoffer leurs palettes et compositions, mais également de cacher ou atténuer certains signes sacrés derrière un effet de "paysages enneigé"".

Lire la suite sur le site de la galerie ...

Photo 1 : Kunawarritji (ancestral stories) © Nora Wompi © with the courtesy of the artist & the Aboriginal art centre. Photo © Aboriginal Signature.
Photo 2 : Parwalla © Elisabeth Nyumi © with the courtesy of the artist & the Aboriginal art centre. Photo : Aboriginal Signature
Photo 3 : Tjurnu © Teresa Nowee © with the courtesy of the artist & the Aboriginal art centre. Photo : Aboriginal Signature

Générations volées, objets volés... sujets sensibles au British

Le British Museum vient d'ouvrir ses portes à une exposition présentant des objets et des oeuvres d'art d'Australie et du Détroit de Torrès. Les toiles aborigènes racontent l'histoire des êtres ancestraux, les droits aux terres ; les objets du Détroit de Torrès reflètent les croyances insulaires des peuples côtiers.
Il s'agit de la première exposition de cette importance en Grande-Bretagne consacrée aux cultures autochtones sur une terre occupée par la couronne britannique dès 1788. Une exposition avec des objets anciens dont beaucoup non jamais été montrés (accompagnés de prêts de musées australiens et d'oeuvres d'art spécialement commandées) mais une exposition aussi très politique (des militants réclament le retour de quelques 6000 objets appartenant aux populations autochtones, un processus de réconciliation pour un passé douloureux est certes en route mais avec encore tellement de chemin à parcourir... ) !



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Photo 1 : © The British Museum.
Photo 2 : © Kunmanara Hogan, Tjaruwa Woods, Yarangka Thomas, Estelle Hogan, Ngalpingka Simms and Mirtle Pennington, Kungkarangkalpa, courtesy Spinifex Arts Project

Vous avez dit "Paysage" ?

Peut-on parler de paysages et de peintures de paysages chez les Aborigènes d’Australie ? telle est la question que posera Chantal Diot lors de la prochaine conférence de l'association Détours des Mondes le 31 mars prochain.
Pour nous aider à répondre à cette question, Philippe Descola propose une approche anthropologique de cette notion de paysages et de peintures de paysages, en les montrant comme un phénomène d’« artialisation », de mise en art littéraire ou picturale d’un environnement, pour la Chine en premier lieu et pour l’Europe à partir de la Renaissance.
Mais ces images des Aborigènes de la terre d’Arnhem et du Désert Central, bien différentes des nôtres, sont-elles uniquement des représentations paysagères ?

Photo : Peinture © Rover Thomas Kalumpiwarra 1984

Le sacré à la source de l'abstraction

À l’occasion du Parcours des Mondes 2013, Stéphane Jacob présentera une nouvelle exposition intitulée Art aborigène : le sacré à la source de l’abstraction. Il exposera des œuvres de Abie Loy Kemarre, Wentja Morgan Napaltjarri, Joseph Jurra Tjapaltjarri, Dennis Nona, Kathleen Petyarre...



À noter deux rencontres avec Alick Tipoti, artiste insulaire du détroit de Torres les samedi 14 et dimanche 15 septembre 2013 à 15h00.



Photo 1 : Abie Loy Kemarre, « Bush Leaf – Optic », Utopia, 2013 - Acrylique sur toile. 122 x 122 cm - Photo : Clayton Glen © Arts d’Australie • Stéphane Jacob.
Avec cette oeuvre, Abie Loy Kemarre évoque une plante qui pousse dans les zones marécageuses, au pied des dunes, dans le territoire de son grand-père.
Photo 2 : Ningura Nappurula.
Photo 3 : Alick Tipoti, "Zugubal", linogravure, éd.17/35, 101 x 220 cm, 2006 (détail)

Photos : Courtoisy Galerie Arts d'Australie.

Vivant et vibrant

La peinture d'Abie Loy Kemarre n'est qu'une immense vibration. À la fois macrocosmique tel ce premier détail du Rêve de la poule du Bush où l'on se plait à imaginer un tourbillon de galaxies au sein de l'univers interstellaire, et à la fois microcosmique dans le bruissement des feuilles de ces plantes que le vent soulève.


Son art fascine tel le tourbillon de la vie lorsque les sensitives se replient à l'approche des intempéries ou de quelque prédateur ; ou encore lorsque les corps dansent, marqués de ces peintures corporelles qui disent le Rêve et rendent présents les Êtres ancestraux.





À l'occasion du prochain Art Paris, Stéphane Jacob publie un ouvrage sur Abie Loy Kemarre dont on peut télécharger une version pdf : Abstraction lyrique.
Tout aussi passionnant et dans un autre registre, paraît également un autre ouvrage monographique consacré cette fois à Wentja Morgan Napatjarri : La puissance de la Tradition.

Photos : Détails de Peintures © Abie Loy Kemarre, photos Courtoisy Stephane Jacob.

Sur les pistes chantées

L'association Détours des Mondes propose la semaine du 8 janvier une conférence sur l'art du désert central australien.
Nous mettrons cette fois-ci l'accent sur la peinture acrylique du désert central en s'appuyant à la fois sur l'exposition du musée du Quai Branly qui démontre l'importance du mouvement de Papunya et à la fois sur les divers questionnements du marché de l'art que peut soulever ce mouvement contemporain qu'est l'art aborigène.


Nous avions déjà abordé ce sujet par une introduction il y a deux ans, qui avait notamment présenté les peintures sur écorces de la Terre d'Arhneim. L'année dernière, nous nous étions également intéressés aux churinga. La prochaine séance ne sera consacrée qu'aux peintures acryliques des Aborigènes d'Australie centrale.

Photo 1 : Rêve d'eau, © J.P. Tjupurrula, photo prise au musée du Quai Branly, octobre 2012.
Photo 2 : Salt on Mina Mina, © Dorothy Napangardi, © musée des Confluences, Lyon.

Au commencement était le Rêve

Parmi les toiles aborigènes présentées à la Galerie Stéphane Jacob, figurent quelques étonnants personnages en céramique : les Bagu.
Elles ont été réalisées par des artistes du centre d'art de Girringun, localité située à 200 kms au sud de Cairns dans le Queensland.
Quelques explications sont fournies par la notice dans l'exposition :
"Les Bagu étaient à l'origine des planchettes à feu. Elles étaient traditionnellement composées de deux parties, le Bagu (corps) et le Jiman (bâtonnet). Ces objets avaient une valeur sacrée en raison des pluies diluviennes qui s'abattent régulièrement dans cette région tropicale. Ils étaient transportés au gré des déplacements par ce peuple nomade. Les femmes n'avaient pas le droit de les manipuler, seul un homme désigné par le groupe avait la charge exclusive du feu et devait faire en sorte que celui-ci ne s'éteigne jamais, car le bois environnant était la plupart du temps humide...
Les Aborigènes du Queenland donnèrent à ces planchettes une forme anthropomorphe en hommage à l'esprit du feu - Chikka-bunnah - qui, selon la légende, lançait des bâtons (jiman) en flamme à travers le ciel. Si autrefois on utilisait exclusivement le bois pour les réaliser, les artistes de ce centre d'art... ont récemment choisi d'utiliser la glaise pour s'exprimer. C'est ainsi que les femmes ont eu le droit d'en fabriquer à leur tour.
Photographies de l'exposition
Galerie Arts d'Australie sur le Parcours des Mondes.

Photo : de l'auteure, 11 septembre 2012, Courtoisy Stéphane Jacob
Bagu réalisé par Daniel Beeron, 2012.

Rêve avec la Lune

"Entre ciel, terre et mer ou le mythe revisité"... Dennis Nona, actuellement exposé à l'ambassade d'Australie, nous invite à entrer dans son univers où les hommes demandent aux esprits d'arrêter de manger la Lune, où les grandes oies volent dans le ciel et les dugongs se cachent à l'ombre des nuages portée sur la mer.



Où l'on peut encore être transporté sur des arcs-en-ciel, croire aux jardins prolifiques ; et voir dans les queues de poisson surgissant de l'eau, autant de voiles de bateaux prêts à vous emmener au-delà des mers.

Photo : Oeuvres de Dennis Nona exposées à l'ambassade d'Australie.

Grand Nord Grand Sud : Arts inuit et aborigène

Une prochaine exposition à l'abbaye de Daoulas réunira des œuvres inuit et aborigènes, confrontant des communautés aux antipodes, questionnant ainsi des cultures de peuples autochtones.
Le communiqué de presse est très bien documenté et illustré, et fournit toutes les explications sur cette exposition qui se tiendra du 11 mai au 29 novembre 2010.

J'ai pensé que c'était aussi l'occasion de rappeler l'existence de ICRA International.

Photos: L’esprit du caribou, Manasie Akpaliapik, Mittimatalik, Bois de caribou, 2001
et Le rêve du paramèle Ewooda, Dave Ross Pwerle, Utopia, Acrylique sur toile, Coll. Musée des Confluences, Lyon

Secret / Sacré

Ce billet est écrit dans l'esprit d'une contribution aux commentaires émis à la suite de Arts d'Australie : Les chemins du rêve.
J'ai déjà eu l'occasion de le dire; les notes sur ce blog concernant l'art aborigène ont été écrites avec une logique de "découverte".
Après avoir évoqué les churingas, les toas du Lac Eyre, les tutini des Tiwi, les wandjina... autant d'expressions artistiques différentes, j'ai tenté d'approcher la peinture aborigène en regardant des peintures sur écorce, avec leurs variantes et les différents centres du Nord de la Terre d'Arnhem jusqu'à l'est, Yirrkala.
Le dernier billet, quant à lui, esquissait les débuts de la peinture acrylique à partir de l'expérience de Papunya.
Approximativement, à partir des années 70-80, cela "explose"; des communautés artistiques se forment, Yuendumu, Lajamanu, Utopia, Balgo... toujours en relation avec des revendications politiques (se faire reconnaître, reconnaître le droit aux terres) mêlées à ce qui fait l'essence même de la culture aborigène, l'existence du Dreaming, du temps des Ancêtres, des rêves dont certains individus sont propriétaires...(cf. toutes les différentes notes du blog sur le sujet).
Au début des années 70, s'ouvrent deux grands centres d'Aboriginal Art & Crafts, à Sydney et à Alice Springs. Ils organisent le marché. A la fin des années 70, des "Art advisers" arrivent au sein des communautés, organisent la production... A partir des années 80, une reconnaissance des artistes du Désert Central est enfin acquise.


Depuis ce dernier billet, je suis restée muette quant à la peinture aborigène contemporaine... tout simplement parce que je ne sais pas l'approcher.
Yvan parle à son sujet d'ambiguïté "mercantile" et pointe du doigt le fait qu'on les présente comme des oeuvres contemporaines tout en les accompagnant d'un discours valorisant la tradition.
Je ne pense pas sur ce dernier point qu'il y ait encore une contradiction si ce n'est le fait de savoir ce que nous allons dire des jeunes générations, de la transmission (transmission du savoir i.e "copyright" du rêve et non pas de la technique ?) et du statut de l'artiste.
Je me suis plutôt posé la question de savoir, devant ces peintures, si je pouvais ressentir une émotion esthétique sans pour autant en rechercher un sens.
Ma réponse fut que j'en étais incapable, car malgré l'absence d'une figuration évidente, je pénétrais dans la toile suivant tel ou tel méandre et je cherchais à comprendre.
Peut-être était-ce parce que je savais qu'il y avait là, sous mes yeux, une partie d'un mythe ? Ambiguïté ? Certes, il s'agissait d'une histoire sacrée, propre à l'artiste ou au clan auquel il appartient, qu'il veut garder secrète mais qu'il peint tout de même parce qu'il y a un marché en la masquant par des combinaisons de points ou autres, puisqu'il ne peut la divulguer dans son intégralité ou tout au moins n'en laisser transparaître qu'un niveau de lecture. (D'autres niveaux étant probablement accessibles aux initiés).
Alors que penser des explications que l'on nous donne d'une oeuvre ? Sont-elles pertinentes, utiles ?
La question plus générale est : Quels problèmes soulève une lecture iconographique d'une oeuvre aborigène ? Cette question a-t-elle même un sens ?
Dans ce billet, est présentée une oeuvre de Clifford Possum Tjapaltjarri.
Le paragraphe du livre dont sont issues les photographies de cette oeuvre, précise en effet quelques points du mythe évoqué.
Il s'agit d'un drame rappelant les interdits de l'amour entre un homme et une femme de clans entre lesquels le mariage est interdit. Dans la partie gauche, une femme trouve la substance "lurrka" qui indique la présence de fourmis à miel qu'elle était venue chercher.
Afin de nous donner des clefs, des schémas nous aident :


Il s'agirait donc de lire ? de déchiffrer ? Peut-on donc parler de language visuel à identifier, à s'approprier ?
Sur la partie droite, il s'agirait des activités d'un homme d'un autre clan (Tjungurrayi) dans un site voisin, qui seraient représentées. Dans cette oeuvre, Clifford Possum crée un motif "hair string spindle" (sorte de broche de bouts de cheveux ?). Surpris par une femme Napangati qui fut attirée par son chant, l'homme Tjungurrrayi laisse s'envoler cette "pelote" de cheveux (probable métaphore de vies brisées par ces tabous entre clans) comme le souligne le schéma ci-dessous.
Quatre autres femmes Nungurrayi avec leur bâton à fouir vont s'asseoir près du camp dans la pénombre, ce sont les 4 formes en U tracées à l'extérieur de la grande spirale, accompagnées d'un trait. Les longues lignes droites horizontales seraient des mirages (? pas d'explication...), des empreintes de pas sont encore celles d'un être du temps du rêve, d'autres encore... tout s'entremêle et il est bien difficile d'embrasser l'ensemble.


Des détails nous marquent, la composition est complexe... et je n'ai pas choisi la plus simple pour un oeil peu averti.
Des oeuvres sont bien détaillées dans le chap. 3 de l'excellent livre d'introduction que constitue L'art des aborigènes d'Australie de Wally Caruana (Thames & Hudson, 1994).

Cependant, malgré la complexité, je souhaitais, par cette note, poser les questions des conditions de possibilités de lecture, de l'iconographie, du besoin de "clefs" devant une peinture aborigène contemporaine; relever l'ambiguïté de la cohabitation contemporain/tradition, secret/marché de l'art...
Je suis bien consciente qu'il y a des erreurs, des naïvetés dans mes propos mais j'ai écrit ces lignes en ce sens car je souhaiterai sincèrement que les lecteurs plus "avertis" nous éclairent.

Peut-être ces questions deviennent-elles plus simples lorsqu'on évoque l'art des Aborigènes "urbains"... mais c'est un tout autre volet encore peu développé en France.

Photo 1 : Man's Love Story, Clifford Possum, 1978 ...et suivantes in Johnson Vivien, 1994, The art of Clifford Possum Tjapaltjarri, Gordon and Breach arts international. Courtesy Tandyana and The South Australian Museum.

Art aborigène d'Australie - Bibliographie

Deux petits livres très bien faits pour une approche générale :
CARUANA Wally, 1994, L’Art des Aborigènes d’Australie, Paris, Thames&Hudson.
MORPHY, Howard, 2003, L’art aborigène, Paris, Phaïdon.

BARDON, Geoffrey&James, 2004, Papunya : A place made after the story. The beginnings of the Western Desert painting Movement. Carlton, Vic., Melbourne University Publishing.
DUSSART, Françoise, 1993, La Peinture des Aborigènes d’Australie, Marseille, Ed. Parenthèses.
GLOWCZEWSKI, Barbara, 1989, Les rêveurs du désert, Paris, Ed. Plon.
KUPKA, Karel, 1972, Peintres aborigènes d’Australie, Paris, Musée de l’Homme.
MOIESSEEF, Marika, 1995, Un long chemin semé d’objets cultuels : Le cycle initiatique Aranda. Paris, Ed. de l’Ecole des Hautes Etudes en Sciences Sociales.
MORPHY, Howard, 1992, « From Dull to Brilliant. The Aesthetics of Spiritual Power among the Yolngu » in Coote, J. & Shelton, A., Anthropology, Art and Aesthetics, Oxford, Clarendon Press.
MUNN, Nancy D., 1973, Walibiri Iconography : Graphic representation and cultural symbolism in a Central Australian Society. Chicago & London : University of Chicago Press.
PERKINS, Hetti & FINK, Hannah. 2000. Papunya Tula: Genesis and Genius. Sydney : Art Gallery of New South Wales.
PERKINS, Hetti & WEST Margie & WILLSTEED Theresa 2007. One sun one moon : Aboriginal art in Australia, Sydney : Art Gallery of New South Wales.
SUTTON, Peter. 1989. Dreaming. The Art of Aboriginal Australia. New York : Viking.
VIVIEN, J. 1994, The Art of Clifford Possum Tjapaltjarri, Gordon&Breach Arts International.

Saltwater : Yirrkala Bark paintings of sea country, 1999, Buku-Larrngay Mulka centre, Yirrkala, Australie

On trouvera une bibliographie complète et raisonnée sur le site de la Galerie Arts d'Australie.

n.b : Toutes les bibliographies données ne sont pas exhaustives, elles consistent simplement dans le compte-rendu de mes sources «imprimées», des ouvrages, utilisés pour écrire les billets du blog. Elles vont donc évoluer avec le temps et je l'espère, avec vos suggestions.

Photo : Warlugulon @ Clifford Possum Tjapaltjarri, 1991 in Vivien Johnson, 1994, The Art of Clifford Possum Tjapaltjarri, Gordon&Breach Arts International.

Papunya, Geoffrey Bardon

Papunya était dans les années 50 un centre de regroupement des Aborigènes, en fait un véritable centre de déportation. Son nom est maintenant associé au lieu de naissance de l'un des mouvements importants de l'art contemporain. Pour comprendre ce qui s'est passé, il faut savoir qu'alors étaient rassemblés à Papunya plusieurs clans dont les Arrernte, les Warlpiri du sud, les Pinturi.
Tous ces groupes avaient un lien avec le mythe de la Fourmi à miel. Lorsque Geoffrey Bardon, jeune professeur de dessin, arriva à Papunya en 1971 ; il eut l'idée de faire venir à l'école des Anciens afin de reprendre contact avec les jeunes, leur raconter des histoires.
Il avait de fait remarqué que les enfants exécutaient des dessins sur le sable qu'ils ne réalisaient pas à l'école, plus occupés à reproduire des cow-boys ! C'est ainsi que Bardon encouragea les Anciens à peindre sur les murs de l'école.
Old Tom Onion Tjapangati, propriétaire du rêve de la Fourmi à miel autorisa d'autres Anciens (Billy Stockman Tjapaljarri, Long Jack Phillipus Tjakamarra, Kaapa Tjampitinpa) à peindre.
Ce que Geoffrey Bardon avait initié n'était que le germe. Il trouva des hangars afin d'y installer les Anciens.
Avec ces artistes il fonda une première coopérative et put mettre sur pied des relations avec des galeries.
Mais en 1972, Geoffrey Bardon dût quitter Papunya, l'activité qu'il avait ainsi générée était perçue par les autorités comme "source de désordre".
Néanmoins, le mouvement était lancé.
Sur le modèle de Papunya, d'autres communautés artistiques se constituèrent : Yuendumu et Lajamanu, Utopia, Balgo...

Photo 1 : in 2004, Geoffrey Bardon & James Bardon, Papunya. A place made after the story. The beginnings of the Western Desert Painting Movement, Ed. The Miegunyah Press.
Photo 2 : idem, @ Allan Scott.
Photo 3 : Old Mick Tjakamara (Anmatjira Aranda), Rain Ceremony, 1971.

1963, la pétition de Yirrkala

Yirrkala, situé à l'est de la Terre d'Arnhem, sur la péninsule de Gove, fut très tôt un centre de peinture sur écorce.
Toutefois Yirrkala est notamment célèbre pour la pétition que les Yolngu adressèrent à la Chambre des députés en 1963.
Pour comprendre ce qui s'est passé, il faut se souvenir que l'Australie avait été déclarée Terra nullus à l'arrivée des Européens, fin du XVIIIème siècle.
Par conséquent, les Aborigènes n'existaient pas en tant que peuple ayant des droits et surtout droit de propriété sur des terres.
Les premiers changements de mentalité se sont probablement opérés dans l'île d'Elcho (au nord de Maningrinda) en 1957, lorsque les Anciens sortirent les objets sacrés et les déposèrent près de l'église.
L'acte était alors lourd de conséquences vis-à-vis des Européens (“As good as you”) mais aussi auprès de la communauté aborigène puisque les objets étaient alors livrés au regard de tous.
Ce mémorial de l'île d'Elcho eut un réel impact tant sur les Européens que sur les clans.
28 août 1963, suite à l'exploitation d'une mine de bauxite sur leurs terres, les Yolngu protestèrent et peignirent une pétition.

Le texte de la pétition de Yirrkala revendiquait les droits aux terres mais le plus important résidait dans les bordures peintes de motifs d'animaux en relation avec le site où la mine s'était installée.
La peinture devenait aussi importante que le texte. Elle correspondait pour une partie, aux motifs de la moitié Dua, et pour l'autre, à ceux de la moitié Yirritja.
Il s'agissait là, pour le première fois, d'une véritable déclaration de possession, d'une valeur “cadastrale”.
En ce sens, ce document est devenu mythique, symbole du mouvement de revendication aborigène.

Cf. Buku-Larrngay Mulka centre Yirrkala, 1999, Saltwater : Yirrkala Bark paintings of sea country et les reproductions des panneaux de l'église de Yirrkala.

Photos : National Archives of Australia, Canberra. (cliquer sur les photos pour une meilleure lisibilité)

John Mawurndjul

John Mawurndjul est un artiste de Maningrinda, groupe Gunwinggu.
Dans cette peinture de serpent arc-en-ciel à cornes, il développe un impressionnant jeu de de hachures polychromes, les rarrk, qui manifestent la présence ancestrale dans la peinture. Des cercles, des lignes et des pointillés structurent le corps du serpent dont la tête présente la forme d'un mufle.
Ce serpent représente un être du Temps du Rêve, Ngalyod, à l'origine des groupes Gunwinggu (ou Kunwinjku). La tête de Ngalyod est en fait celle d'un buffle, animal introduit par les Anglais à la fin du XIXème siècle.

Ci-dessus est reproduit un détail d'une peinture, Mardayin Ceremony, 2000, conservée à la Art Gallery of New South Wales.
L'on remarquera effectivement la finesse du travail qui produit les rarrk.
John Mawurndjul est aussi célèbre ici, à Paris, parce qu'il a peint le plafond et une colonne de la librairie du Musée du Quai Branly.

Photo 1 : Musée du Quai Branly.
Photo 2 : Mardayin Ceremony, détail, in One sun One moon, Aboriginal Art in Australia, Art Gallery of New South Wales, 2007.
Photo 3 : Plafond de la librairie du Musée du Quai Branly, photo de l'auteur.

Loi du Rêve

J'ai tenté, dans ces débuts de pérégrinations australiennes, d'expliquer ce qu'était le temps du rêve, les esprits-enfants... avec mes mots forcément incomplets, avec une démarche toujours cartésienne tant bien même je “prenais une autre paire de lunettes”, posture maintes fois évoquée ! Et puis lisant Barbara Glowczewski, le prélude de son livre Les rêveurs du désert m'est apparu comme une révélation. Tout ce que je souhaitais dire était si bien écrit, si limpide dans ces deux pages. Aussi je ne résiste pas à la tentation de vous les livrer ici.

Hommage aux travaux de Barbara Glowczewski.
Hommage aux artistes du groupe Warlpiri, Yuendumu, Désert central.


“Au coeur de l'Australie, sur les terres rouges et craquelées, parsemées d'herbes sauvages et piquantes, de buissons décharnés et de cours d'eau à sec, des centaines de pistes invisibles s'entremêlent. L'une d'elle parcourt plus de mille kilomètres, balisée du nord au sud par quelques collines, rochers et arbres isolés, les sites sacrés de cet itinéraire que les Aborigènes du Centre appellent Rêve Homme Initié ou Rêve Etoiles. Toutes ces formes du paysage surgirent au passage d'un peuple ancestral qui, dans l'espace-temps du Rêve, traversa le désert avant de se transformer en étoiles.
Lorsque la terre était encore plate, un immense auvent flottait dans le ciel. Il se posa au sol et devint une longue colline de roches rouges qu'on appelle depuis Kulungalinpa. Au même moment, un corps sidéral qui n'était pas une étoile filante mais quelque chose de plus grand, plus lumineux et plus long, pareil à une comète, tomba du firmament. Sa chute en plein jour provoqua une nuit qui recouvrit toute la terre. De cette nuit émergea le peuple Homme Initié
Le soleil se leva de nouveau et les enfants des étoiles se mirent à danser, agitant leurs bras et frappant leurs cuisses. Alors des branches poussèrent à leurs pieds, formant des perches de plusieurs mètres qui bruissaient au-dessus de leurs têtes. Ils virent dans le ciel Orion et ses filles les Pléiades. Eux aussi avaient parcouru la terre, imprimant un itinéraire balisé de marques topographiques : le Rêve Invincible, nom d'Orion qui su terre épousait ses filles à l'infini, leur ordonnant de tuer les fils qu'elles enfantaient de lui.
Les hommes-arbres du Rêve Etoiles n'avaient ni filles ni épouses. Ils marchaient en chantant, et les mots qui racontaient leur épopée passée et à venir ensemençaient la terre. Ils semaient ainsi des Images qui se transformaient en eucalyptus ou en esprits-enfants.
Ils campèrent au pied d'une colline tombée du ciel et rêvèrent au voyage qu'ils allaient entreprendre vers les lointaines contrées du Sud. En songe, ils rencontrèrent les femmes du Rêve Bâton à Fouir, le peuple célibataire de danseuses. Elles sillonnaient aussi la terre, semant des Images à esprits-enfants et faisant pousser des acacias partout où elles plantaient leurs bâtons.
Un jour, ayant laissé les hommes du Rêve Etoiles pour aller chasser, elles trouvèrent en rentrant une corde et un bandeau faits de cheveux filés. Un héros du Rêve Varan les avait fabriqués en coupant les cheveux des hommes. Les femmes Bâton à Fouir, séduites par ces nouveaux objets, acceptèrent pour les posséder de dévoiler leur savoir. Elles firent l'amour avec eux, leur abandonnèrent les prérogatives de la chasse à la lance et des initiations.
Il n'y avait pas de règles de mariage à l'époque, aussi se disputèrent-elles sur la manière dont elles se répartiraient les hommes. Certaines voulaient les mettre en commun, d'autres réussirent à imposer l'idée que chacune aurait le sien. Par couples donc, hommes et femmes firent un bout de chemin jusqu'à Janyingki, où elles accouchèrent de garçons et de filles. Alors dansant et tournant elles formèrent la grotte qui s'y trouve.
Les enfants grandirent. Coiffées des bandeaux reçus de Varan, les mères dansèrent la cérémonie Bouclier pour que leurs fils deviennent des hommes et reçoivent des épouses. Puis elles tendirent les bras et en sautillant s'éloignèrent vers les contrées de l'Est. Ayant traversé de grandes plaines désertes, elles disparurent sous terre en chantant : “Le pouvoir de la Voix des Nuits, l'Ocre jaune, le Bâton à fouir a cessé de respirer, il s'est éteint à bout de souffle...”

Sous terre ou au ciel, les êtres de l'espace-temps du Rêve continuent à rêver. Ils rêvent l'existence des hommes et des femmes à la peau noire qui depuis des millénaires parcourent le désert. En nommant les sites sacrés qu'ils avaient modelés, les ancêtres fabuleux léguèrent aux hommes une Loi faite de danses, de chants et de peintures. Depuis ce temps, les Aborigènes dansent, chantent et se peignent le corps avec les Images sacrées.
Les esprits-enfants semés par le Rêve Homme Initié, le Rêve Bâton à Fouir, le Rêve Varan, le Rêve Invincible et tous les autres Rêves, résident encore près des trous d'eau, des rochers ou des arbres. Ils attrapent les femmes qui s'approchent d'eux et, génération après génération, les pénètrent pour donner naissance aux filles et aux garçons gardiens de cette terre. Ainsi, chaque Aborigène du désert incarne-t-il un nom et un chant de Rêve qui lui donnent la mémoire de la terre.”

Barbara Glowczewski, 1989, Les rêveurs du désert. Peuple Warlpiri d'Australie. Ed. Actes Sud 1996.

Photos : @ Musée du Quai Branly.
Photo 1 : Rêve de l'émeu, Darby Jampijinpa Ross.
Photo 2 : Rêve de la liane-serpent, Maggie Napangardi Watson.
Photo 3 : Rêve du poteau cérémoniel, Paddy Japaljarri Sims.
Photo 4 : Rêve de la fourmi volante, Clarisse Nampijinpa Poulson.

Terre d'Arnhem

Sur le blog et notamment pour les arts d'Afrique, j'ai souvent cheminé le long des cartes géographiques.
Si cette manière de procéder n'a aucun fondement ethnologique valide, ni ne permet des identifications ou rapprochements de styles entre les oeuvres puisqu'il n'existe généralement pas de correspondance style/peuple; elle me permet néanmoins de dérouler une logique qui tient plus de celle du défricheur que de l'amateur d'art (au sens du “connaisseur”).
Toutefois en Terre d'Arnhem, ce cheminement peut révéler des significations dans la mesure où la diffusion des styles s'est opérée au sein de familles, de communautés.
Certains artistes ont acquis le droit de peindre tel ou tel thème propre à la moitié Dua ou Yirritja à laquelle ils appartiennent. Mais aussi, par le jeu des alliances, des individus ont été habilités à peindre des thèmes appartenant à l'autre moitié.


Ainsi, dans ce périple, partis du large de la Terre d'Arnhem, au Nord Ouest, où se situent les îles Melville et Bathurst (les Tiwi), nous avons découvert le parc national de Kakadu et évoqué les peintures pariétales, puis l'île Croker et Oenpelli, avons noté l'importance du groupe Gunwinggu (Kunwinjku) avec Yirrawala, mais aussi Midjau-Midjawu; le début des peintures sur écorce.
Les sujets des peintures reprennent des thèmes récurrents : les mimi, le serpent arc-en-ciel, Namarwon, les peintures de cérémonies... et l'histoire des soeurs Wawilak.
Dans la région centrale du Nord de la Terre d'Arnheim, les centres importants de la peinture sur écorce sont l'île de Milingimbi, Ramingining et Maningrinda. Plus à l'Est, nous arriverons à Yirrkala.

Ici, c'est à Ramingining que nous nous arrêtons avec ces deux peintures. Elles ont été réalisées par David Malangi qui fut, dès les années 60, une personnalité importante de cette communauté, appartenant lui-même au groupe Manarrngu, moitié Dua.
L'une des scènes célèbres qu'il peignit pour la première fois en 1963, fut Cérémonie funéraire qui est figurée ci-dessus. En partie inférieure, un mokoy représente un individu décédé du clan.
Il est entouré d'un serpent, d'un joueur de didjeridoo (en rouge, en partie supérieure) et de deux personnages cliquant des bâtons. Un autre personnage découpe un kangourou.
La notice du Musée du Quai Branly précise en outre : “Le quatrième écartèle un kangourou rôti, nourriture destinée aux invités. L'autre nourriture, végétale, est destinée au mokoy. Elle est représentée par des formes diverses, ayant l'aspect de feuilles ou de sorte de paquets aux points multicolores. En son centre deux formes ovoïdes, une hachurée et l'autre avec des points, représentent les bâtons sonores rituels, crées par Djanggawu. C'est dire que ce rite est associé au mythe de ce génie, le plus important pour la moitié dua de la région d'où provient le groupe Manarrngu”.

Photo 1 : David Malangi, Sacred Places at Milmindjarr', 1982 in Sutton P., Dreamings, The art of Aboriginal Australia. @ South Australian Museum.
Photo 2 : David Malangi, 1963, Musée du Quai Branly.

Les soeurs Wawilak

Pour les groupes de la Terre d'Arnhem, les soeurs Wawilak (Wagilag) sont les filles de l'aîné des Djanggawul, esprits créateurs qui peuplèrent le monde et divisèrent les hommes en deux moitiés: les Dua et les Yirritja.
Le mythe raconte comment elles entreprirent un grand voyage. Celui-ci débuta en Terre d’Arnhem méridionale et s’acheva près de Milingimbi.
Là, elles perdirent un peu de sang placentaire qui tomba dans le trou d’eau près duquel elles avaient fait leur campement. Elles étaient en effet toutes les deux enceintes suite à des amours incestueuses. Le sang réveilla le grand serpent Yurlunggur qui sortit du trou et les avala. Il les recracha car elles appartenaient au même clan que lui.
Le serpent arc-en-ciel provoqua alors la pluie et elles dansèrent afin d’arrêter ce déluge.
Ce mythe est important à la fois parce qu'en parcourant une grande partie du territoire, les soeurs ont mis en relation les clans mais aussi par la place accordée aux danses des soeurs, il est au coeur des cérémonies de la moitié Dua.


Dawidi peint, ci-dessus, un paysage animé par la faune Dua. Il s'agit de manière sous-jacente de l'histoire des soeurs Wawilak; le serpent Yurlunggur est figuré par deux pythons. Il y a encore deux palmiers, deux mantes religieuses et une petit kangourou, un wallaby. Ceci est décrit dans les différentes versions du mythe. Ainsi, ses interprétations et approches diverses ont donné lieu à des peintures de styles variés.

Le mythe des soeurs Wawilak fut probablement peint pour la première fois en 1937 par Kitani.
Depuis, de nombreuses peintures ont été réalisées sur ce thème et un ensemble entier illustrant cette histoire ancestrale a fait l'objet d'une grande exposition en 1997 à la National Gallery of Australia de Canberra.
On pourra lire à ce sujet : Caruana WallyLendon Nigel, 1997, The painters of the Wagilag Sisters story 1937-1997, Canberra : National Gallery of Australia, Thames & Hudson.

Photo 1 : Dawarangulili (Daurangulili), groupe Gupapuyngu, moitié Yirritya, Musée du Quai Branly.
Photo 2 : Djulwarak (Dawidi), Musée du Quai Branly
Photo 3 : Joe Djembangu, Wawilag Creative Story.