Détours des Mondes

Calligraphies, chimères et sortilèges : un voyage brut au Grand Palais

Beaucoup d'oeuvres d’art brut me bouleversent profondément. Bien sûr, pas toutes – et il reste difficile d'analyser pourquoi certaines me touchent davantage que d’autres. N'est-ce pas le mystère même de la création en général !
Dans l'"art brut", il est frappant cependant de constater que nombre de ses réalisations révèlent une véritable peur du vide, comme si l’expression devait absolument s’imposer, envahir l’espace. Cette parole intérieure, si impérieuse, semble ne pouvoir émerger qu’à travers une graphie serrée, étouffante, quasi illisible ; puisqu'elle traduit l'in-advenu.

J’ai déjà exprimé – notamment à travers Inextricabilia – mon attachement profond à ces corps noués, enchevêtrés, comme mus par la nécessité de contenir, dans une étreinte compacte, un excès d’énergie et de puissance. Ils semblent emprisonner des objets pour toujours soustraits au regard.
La parenté formelle avec certaines figures de l’art rituel africain – en particulier vaudou – saute aux yeux, tout comme le trouble que provoquent les célèbres photographies d’Elie Lotar, saisies aux abattoirs de la Villette, (in Article Abattoir in Documents 6, 1929), où la mise en scène bouscule notre perception du réel.


Le Grand Palais accueille actuellement, et ce jusqu’au 21 septembre 2025, une sélection de la collection de Bruno Decharme donnée au Centre Pompidou en 2021. L’un des atouts de cette exposition réside dans la diversité géographique des oeuvres présentées, offrant une ouverture sur les expressions artistiques du monde entier. J’ai été particulièrement fascinée par certaines créations japonaises : elles vont de calligraphies aux accents presque classiques à des figures à la fois féeriques et inquiétantes au corps hérissé d’épines...



C’était aussi l’occasion de renouer avec les visages tourmentés d’Unica Zürn, un ensemble d’identités fragmentées qui nous entraînent vers le gouffre de ses personnalités. À l’opposé le visage de Georgiana Houghton nous engage dans un ailleurs impalpable : des formes fluides surgissent de la main médiumnique de l'artiste.
L'exposition toute entière réside dans une tension entre excès et évanescence, entre la pesanteur du dedans et la légèreté d’un monde invisible ou lointain.


Elle offre au visiteur une expérience sensible, un face-à-face avec ce qui ne se dit pas.



Photos de l'autrice lors de l'exposition Art Brut, Grand Palais, juin 2025 :
Photo 1 : Sans titre, 2006, pastel sur carton de Takashi Shuji.
Photo 2 : Sans titre, 2005-2012, feutres noir et rose sur papier d'Harald Stoffers
Photo 3 : Sans titre, assemblage d'éléments de récupération, branches de bois, cônes en carton, rubans bolduc, fils de laine, oeuvre de Judith Scott vers 1990.
Photo 4 : Sans titre, encre sur papier de Yuichi Saito, vers 2005.
Photo 5 : Sans titre, céramique de Shinichi Sawada, vers 2000.
Photo 6 : Sans titre, gouache et encre sur papier d'Unica Zürn, 1958.
Photo 7 : Sans titre, gouache, crayon de couleur, feutre et encre sur papier de Georgiana Houghton, 1967.

L’amoncellement déroutant...

L'exposition "Enormément bizarre" qui se tient actuellement au Centre Pompidou a déjà fait l'objet de nombreux articles et il serait difficile d'y ajouter quelque chose pour décrire ce trop-plein, cette profusion bien souvent inquiétante, qui transforme l’accumulation en une expérience déroutante


Les amateurs d'arts "premiers" (et pas qu'eux) se délecteront de ce cabinet de curiosités "primitif" et contemporain, dérangeant et provocateur, qui recréé par endroits des pièces de l'appartement parisien de Jean Chatelus. Ce dernier avait fait don de sa collection à la Fondation Antoine de Galbert, laquelle l'a récemment offerte au Centre Pompidou.


La vidéo projetée dans l'exposition, "L'oeil qui accumule" réalisée par Alyssa Verbizh et co-produite par la Fondation Antoine de Galbert et Mirage Illimité est passionnante :
Antoine de Galbert écrivait à l'époque du décès de Jean Chatelus en 2021 :

"Il y a 20 ans, j’ai fait la connaissance d’un étrange personnage, le collectionneur Jean Chatelus. Depuis plusieurs décennies, il vivait en solitaire dans le même appartement, volets fermés, entouré d’une collection d’œuvres toutes plus impressionnantes les unes que les autres, mêlant arts premiers, art brut et art contemporain. J’ai commencé à le filmer. Il était difficile de se frayer un chemin dans cet espace saturé d’objets, de savoir où poser son regard. La collection, telle une créature devenue autonome, a fini par l’engloutir comme un pharaon dans son tombeau. Depuis la disparition du collectionneur, l’appartement est resté "en l’état", avec son mobilier et sa moquette un peu décrépie, sa petite cuisine en Formica, le veston et le parapluie accrochés à la patère de l’entrée, et bien sûr les objets d’art, abandonnés par celui qui les avait patiemment choisis et amassés."

Photos de l'autrice, Centre Pompidou, juin 2025.

Paysages sonores au MEG : une écoute qui résonne

L’exposition Afrosonica-Paysages sonores, conçue par Madeleine Leclerc et Ntshepe Tsekere Bopape, présentée au MEG Genève jusqu’au 4 janvier 2026, offre une approche innovante de la mise en scène du son. Plutôt qu’un parcours historique, géographique ou encyclopédique, l’exposition se concentre sur une idée forte : révéler "le pouvoir vital et relationnel du son".


Dans un espace circulaire baptisé Imbizo, terme zulu désignant historiquement l’assemblée convoquée par les Anciens pour régler les différends, le visiteur est invité à une expérience immersive. Ce lieu devient ici un espace de rencontre, d’échange et même de danse, où chacun se laisse porter vers quatre univers sonores distincts :

• Musique de l’intime
• Connexion Espace-Temps
• L’appel des Ancêtres
• Vibrer dans un paysage sonore

Ces espaces mettent en lumière des objets souvent modestes, qui n'ont que rarement l'occasion de connaître les feux de la rampe, avec l’ambition de souligner l’importance des collections et archives sonores comme lieux de transmission et d’échange.
Un défi majeur réside aussi dans la réactivation des ces instruments, tout en préservant leur intégrité. Qui doit les rejouer ? Une question délicate qui mérite une réponse urgente pour éviter des débats interminables. Ainsi, une belle illustration de cette approche est la création sonore Mémoire d’arbres de Midori Takada, enregistrée avec le xylophone sénoufo des collections du MEG.


Cette exposition invite à une découverte à un rythme lent, pour éviter une succession de sons dépourvue de sens. Toutefois, chacun peut choisir son propre parcours, guidé par les dispositifs audiovisuels et les créations contemporaines qui occupent une place centrale.


Lors d’une visite – trop brève, hélas –, l’une des installations m’a profondément marquée : dans une alcôve circulaire, un rhombe tournoyant produisait de subtiles variations lumineuses à 360°, tandis qu’un son à la fois humain et non humain se déployait dans l’espace.
La voix des ancêtres était, pour moi, présente.


Pour en savoir plus, on pourra consulter le dossier de presse très bien documenté.

Photographies de l'autrice, Genève, mai 2025.
Photo 1 : Ensemble de lamellophones. Collections du MEG
Photo 2 : Détail de la photographie de Miriam Makeba, 1955 par Jürgen Schadeberg © BonneEspérance gallery
Photo 3 : Ensemble de grelots et sonnailles. Collections du MEG
Photo 4 : Détail d'une harpe Zandé, RDC
Photo 5 : Hamadoun Kassogué maniant un rhombe (Enregistrement immersif effectué par Renaud Millet-Lacombe et Elsa Desjardins, Lausanne RTS, studio 15, 2024, Production MEG 2025)
Photo 6 : Relevé de peintures pariétales (Tassili n’Ajjer ou massif de l’Ennedi ?) inséré dans un montage vidéo réalisé par Gérard Baillou et son équipe en 1956-57 et par Henri Lhote et son équipe entre 1956 et 1962. Photographies de Jean-Christophe Domenech 2011-2012

L'espion amateur d'art

Bien sûr, on retrouve les incontournables !
Poupée chairdâme de Michel Nedjar, maître de cérémonie de Jean Dubuffet, Graffitis de Brassaï...témoins d’une époque et d’un regard singulier sur l’art.


Le titre de l'exposition "Daniel Cordier (1920-2020) - L'espion amateur d'art" était prometteur...
Actuellement présentée au Musée de la Libération de Paris – Musée du général Leclerc – Musée Jean Moulin, elle se tient jusqu'au 13 juillet 2025.
Ancien secrétaire de Jean Moulin durant la Seconde Guerre mondiale, Daniel Cordier (1920-2020) est à l’origine de l’une des plus grandes donations d’œuvres d’art à l’État français. La majorité de ces œuvres est aujourd’hui conservée à Toulouse, aux Abattoirs, grâce à un dépôt opéré par le Centre Pompidou, suite à sa donation en 1989.
Une exposition qui rappelle l’importance de l’engagement, qu’il soit politique, artistique ou mémoriel.


Mais, bien que précieuse, elle offre une représentation décevante de l’univers artistique de Daniel Cordier. Une seule salle, trop modeste, est en effet consacrée à son ancienne collection, ne reflétant pas l’extraordinaire éclectisme de ce collectionneur passionné.


Néanmoins, je tenais aussi à souligner l'existence de cette petite exposition pour sa place au sein d'un musée remarquable, inauguré à Denfert-Rochereau en 2019. Ce lieu, probablement méconnu de nombreux Parisiens, propose un parcours particulièrement didactique. Sa mission : "Porter les voix et les récits de celles et ceux qui ont résisté, et poser la question centrale de l’engagement, au coeur d’un monde en guerre."
Un questionnement qui, malheureusement, reste d’une brûlante actualité.

Photo 1 : Poupée Chairdâme de Michel Nedjar, 1980 © MNAM/Centre G. Pompidou, Dépôt aux Abattoirs de Toulouse
Photo 2 : Le maître de cérémonie de Jean Dubuffet, 1955 © MNAM/Centre G. Pompidou, Dépôt aux Abattoirs de Toulouse.
Photo 3 : Graffiti (série IV, masques et visages) de Brassaï © MNAM/Centre G. Pompidou, Dépôt aux Abattoirs de Toulouse.
Photo 4 : Vitrine d'objets extra-occidentaux dans l'exposition.

Le Humboldt Forum, entre héritage et controverses

Après l’accent mis par l’exposition parisienne du musée Picasso sur l’art dit "dégénéré" relaté dans ma note précédente, on peut regarder certaines oeuvres des Avant-Gardes sous un autre angle.


Prenez par exemple, cette délicate gravure sur bois de Franz Marc, Schlofende Hirtin, réalisée en 1912. Je me suis arrêtée devant elle, peut-être un peu plus longtemps que d’ordinaire parce que j’avais noté qu’elle avait été confisquée en 1937 au Staatliches Museum Saarbrücken, puis acquise en 1940 par Bernhard A. Böhmer. Elle est réapparue successivement en 1949 et 1958 dans deux lieux différents d’Allemagne de l’Est.
C’était à Berlin, il y a 3 jours, au Kupferstickkabinett.
Mais soyons honnêtes, ce qui m’a vraiment motivée à venir à Berlin, c’était la visite du Humboldt Forum avec l’association Détours des Mondes.
D’emblée, il me faut reconnaître un préjugé qui s’était installé en moi, nourri par mes précédentes visites au musée d’ethnologie de Dahlem. Je redoutais de constater l’absence de nombreuses oeuvres dans ce nouvel espace, non pas en raison d’une censure liée à leur "dégénérescence", mais parce qu’elles avaient été jugées "mal acquises".


La première impression fut cependant spectaculaire, notamment devant la salle dédiée aux bateaux, où je retrouvais l’extraordinaire pirogue à balancier de Luf, et celle dédiée aux maisons Abelam et la bai de Palau, miraculeusement préservées malgré le déménagement. Pourtant, cette pirogue de Luf n'a-t-elle pas fait couler beaucoup d’encre quant aux conditions de son acquisition par Max Thiel suite à une expédition punitive ?


Dans la section Océanie, quelques vitrines mettent en valeur des oeuvres majeures de Papouasie-Nouvelle-Guinée, notamment des sculptures Malaggan et Uli. Dans une autre salle, c’est la Polynésie qui est à l’honneur.


Pour le reste, on se trouve face à des vitrines "pêle-mêle", sans cartel explicatif, certes classées géographiquement, et qui témoignent, selon notre guide d’une "présentation ancienne", certainement prête à être revisitée comme il se doit.


Cela ressemble à une présentation "façon réserves", étant donné que l’ensemble est resté à Dahlem. Pour obtenir des informations, il faut se plonger dans les notices de la base de données accessible sur place… Autant dire que peu de visiteurs s’y risqueront !


Ainsi, au sein du bric-à-brac des vitrines "réserves visibles" de la section africaine (il n’en est pas ainsi du Cameroun ou du Bénin), j’ai eu le plaisir de redécouvrir le siège à double caryatides de l’atelier du maître de Buli, placé presque à ras du sol, sans la moindre mention de sa provenance. Un sort bien injuste pour cet atelier qui, au tournant du XIXᵉ siècle, a rassemblé d’éminents sculpteurs congolais. Il fut d’ailleurs l’un des premiers à être identifié en 1929 par Franz Olbrechts, à une époque où l’on ne parlait pas encore de signature des œuvres africaines.


Quant à la statue du même atelier (III C 16999), un chef d’oeuvre….elle m’a échappé… Peut-être n’était-elle simplement pas mise en avant.


Parmi les pièces iconiques, il fallait par contre lever les yeux pour distinguer la petite mais formidablement dynamique statue d’une reine mère ou d’une épouse d’un chef Tshokwe (III C 2969).
Il est indéniable que ces vitrines regorgent d’œuvres fascinantes, mais elles semblent reléguées sans reconnaissance, comme des objets "orphelins" d’identification et de provenance, bien que celles-ci soient connues ! D’ailleurs, il ne s’agit pas « d’objets », m’a-t-on corrigé, mais de "Biens ou héritages culturels". Respect.
Pourtant, croire que je pourrais manquer de respect serait une erreur : ces pièces sont, à mes yeux, les meilleurs ambassadeurs des richesses culturelles de sociétés souvent méconnues de nous, Occidentaux. J’ai cependant la crainte que bon nombre de ces oeuvres finissent par être reléguées en réserve, vestiges trop embarrassants de notre passé colonial.


En ce sens, la salle consacrée aux Bronzes du Bénin semble désormais bien pâle… Peut-être à l’image du visage des conservateurs, qui ont encore du mal à accepter que leurs restitutions soient passées des mains du gouvernement nigérian à celles de l’Oba, Ewurare II, lequel refuse qu’elles soient exposées au musée d’Edo City. À ce jour, je (ou on?) ignore leur emplacement.
Mais, après tout, ne dit-on pas que "donner, c’est donner" ?

J'ai passé sous silence, entre autres, les salles Amériques, asiatiques (fermées temporairement), l'exposition temporaire sur la Tanzanie et les controverses sur l'architecture même du bâtiment !
De fait le Humboldt Forum fait beaucoup parler de lui !



les photographies de cette note ont été prises à Berlin la semaine du 1er avril 2025 par l'autrice
Photo 1 : Détail du siège "Splendeur de perles","Mandu Yenu", du sultan Njoya, Bamun, III C 33341 a,b.
Photo 2 : Franz Marc, Schlofende Hirtin,1912.
Photo 3 : Pirogue à balancier, Luf (îles Hermit, Micronésie), VI 23116 a.
Photo 4 : Maison des hommes Abelam, PNG, VI 47057 a
Photo 5 : Vitrines de sculptures malaggan , Nouvelle-Irlande.
Photo 5 : Détails de vitrines Marquises, Hawaii
Photo 6 : Vitrines de minkisi et minkondi, RDC, Congo.
Photo 7 : Détail du siège à double caryatides, atelier du (des) maître(s) de Buli, III C 14966.
Photo 8 : Statue d’une reine mère ou d’une épouse d’un chef Tshokwe, III C 2969.
Photo 9 : Détail de la statue "Princesse Edeleyo", Nigeria, royaume du Bénin, III C 10864.
Photo 10 : Tête d'un roi ou d'un dignitaire, Nigeria, III C 27526.

Je peux encore t’envoyer un adieu avant le départ du train

Vers quel horizon s'ouvrent ces regards ébahis ?
Certains mots évoquent immédiatement des associations, parfois lourdes de sens.
Le terme "dégénérescence" n'est-il pas de ceux étroitement liés au "nazisme".
Pourtant, cette notion remonte bien plus loin dans le temps. Elle apparaît d'abord en histoire naturelle, où elle suggère une privation, un éloignement, une déchéance.
Au XIXe siècle, l'histoire naturelle évolue en science naturelle, et la biologie s'impose comme une discipline reine. Cela suffit à légitimer ses conclusions sur la nature du règne humain.
En 1892, fort de ces avancées, Max Nordau, médecin hongrois, s'engage dans une rhétorique antisémite. Dans son ouvrage Dégénérescence, il applique un réductionnisme à l'art, affirmant que l'oeuvre d'art reflète une biologie. Selon lui, un passé malade ou un délabrement interne ne peuvent engendrer que des horreurs... celles par exemple que nous voyons dans ces tableaux de Nolde, de Kokoscka et de bien d'autres...


"Le jeu était terminé. (…) On m’appelait « artiste dégénéré », « l’effroi du citoyen »,« corrupteur de la jeunesse », « fleur de pénitencier »" écrit Oskar Kokoschka, in Ma vie, 1971.
Le Musée national Picasso-Paris présente du 18 février au 25 mai 2025, sa nouvelle exposition L’art « dégénéré » : Le procès de l’art moderne sous le nazisme. C'était l'occasion pour organiser un colloque qui s'est tenu les 27 et 28 mars derniers au musée d'art et d'histoire du Judaïsme et au musée Picasso en partenariat avec le Centre allemand d’histoire de l’art et l’Institut national d’histoire de l’art.
Le programme était fort dense et passionnant.


Au centre de cette présentation et des réflexions portées dans le colloque se trouve l'exposition de 1937. En juin de cette année, le peintre Adolf Ziegler est chargé de confisquer les oeuvres dites « dégénérées » des musées allemands. Près de 20 000 œuvres seront ainsi retirées ! Cependant, ce processus avait déjà débuté : dès 1933, une première exposition intitulée « Entartete Kunst » avait été organisée à Dresde, et en 1936, le département d'art moderne de la Nationalgalerie avait été fermé.
Tandis que le 18 juillet, à Munich, s'ouvre la grande exposition d'art allemand incarnant la nouvelle esthétique, une autre exposition, « Entartete Kunst » (Art dégénéré), voit le jour le 19 juillet. Cette exposition de propagande, également à Munich, réunit plus de 700 oeuvres réalisées par une centaine d'artistes.


Pour ces oeuvres, l'infamie ne s'arrêtera pas à leur simple exposition, mais se prolongera dans leur exploitation commerciale. En 1939, une vente majeure de tableaux et sculptures modernes, issus de la purge des musées allemands, se tient à Lucerne. Ce commerce profitera particulièrement à quatre marchands : Karl Buchholz, Ferdinand Möller, Bernhard Aloysius Böhmer et surtout, Hildebrand Gurlitt, à qui sont confiées pas moins de 3 879 œuvres !
Je vous recommande vivement de lire un article fascinant sur ce personnage intrigant ainsi que l'ouvrage La collection inavouable par Dimitri Delmas !



Le titre est emprunté à Otto Freundlich dans une lettre à Jeannne Kosnick-Kloss, écrite le 4 mars 1943, jour de sa déportation au camp d'extermination de Sobibor.

Photo 1 : Emil Nolde, Paradis perdu, 1921 © Le musée Nolde et le Fonds d'Ada et Emil Nolde, Neukirchen.
Photo 2 : Oskar Kokoschka, Vieil homme (père Hirsch), 1909. Photo de l'autrice dans l'exposition
Photo 3 : Ernst Ludwig Kirchner, Rue à Berlin, 1913 © MoMa New-York. Photo de l'autrice dans l'exposition
Photo 4 : Marc Chagall, La prise (Rabbin), 1923-26 © Kunstmuseum, Bâle. Photo de l'autrice dans l'exposition

Objets en question

Les cabinets de curiosités ont toujours exercé une fascination sur moi, ces lieux où l'improbable côtoie l'inattendu, rappelant le mur de Breton, et où chaque objet pose une question en soi.
C'est avec cet esprit que j'ai découvert la revue Documents, qui se distingue des surréalistes par son approche : pour elle, un objet est intéressant par son témoignage, et non par son mystère. Cette revue, éphémère mais marquante (1929-1931), portait en sous-titre « Doctrines, archéologie, beaux-arts, ethnographie » et était dirigée par trois figures désormais incontournables : Georges Henri Rivière, Georges Bataille et Carl Einstein.
Dans l'entre-deux-guerres, Documents n'était pas la seule à explorer les interrogations autour de l'oeuvre d'art et du statut des objets. Les célèbres revues Cahiers d'art et Minotaure partageaient également cette quête.


L'exposition qui se tient actuellement au musée du Quai Branly et jusqu'au 22 juin prochain, intitulée "Objets en question", et interrogeant les croisements entre surréalisme, ethnologie et archéologie dans la période de l'entre-deux-guerres est à ce titre, passionnante.
Les commissaires ont choisi pour parti pris de découper la présentation en quatre parties qu'ils nomment constellations, car qu'est-ce qu'une constellation dans le ciel, si ce n'est le rapprochement arbitraire d'étoiles situées à différentes distances et qui semblent former sous nos yeux une objet, un animal, un personnage...
Celles-ci sont intitulés respectivement : Terrain - Fouilles - Cadavre exquis - Double musée.


Les trois premières "constellations" font écho aux catégories mentionnées sur l'affiche : Archéologie, Ethnologie et Avant-Garde. Quant au concept de double musée, il soulève des questions fondamentales : « Qu'est-ce que l'art ? » et, si une grande majorité d'objets peuvent être considérés comme de l'art, comment les valoriser ?


Cette notion a vu le jour en 1934, lors de la Conférence de Madrid sur la muséographie moderne, qui proposa une solution : exposer au public les objets les plus "spectaculaires" (par exemple, dans une salle du trésor) et réserver les objets à vocation documentaire pour les galeries d'études.
Une recommandation qui n'apporte pas vraiment de solutions et laisse ouvertes les grandes interrogations sur la nature des oeuvres d'art et les modalités de leur présentation muséale.

Photo 1 : L'objet invisible, 19314-35, Alberto Giacometti - Fondation Maeght.
Photo 2 : Le labyrinthe, 1938, André Masson - Centre Pompidou Paris.
Photo 3 : Brassaï « Du mur des cavernes au mur d’usine » in Minotaure, Paris, 1933, n° 3-4, p.6-7
Photo 4 : Femme tenant l'Objet désagréable, 1931, Man Ray - Centre Pompidou Paris.

Nias : Les photographies de Ho Teng Lin

J'ai découvert ces photographies de Nias des années 1925-27 au musée de Gunung Sitoli, étonnée que les oeuvres d'un photographe chinois se soient retrouvées au Danemark !
C'était oublier un article de Jesper Kurt-Nielsen paru dans l'excellent site Art of the Ancestors daté de mai 2021 : "L'homme qui ne voulait pas être poli" repris et étoffé dans Art Tribal 101 de l'automne 2021.
Le comble de l'horreur fut de découvrir que j'avais même écrit une petite note à ce sujet en 2021 : Agner Møller assorti d'une vidéo passionnante réalisée par Tribal Art Fair Amsterdam.


Bref, j'aurai du me souvenir de ce médecin militaire, Agner Møller, qui arrive à Nias en 1923, se met à collecter des objets dont 850 d'entre eux se trouvent maintenant à Copenhague, et embauche un mystérieux Chinois appelé Ho Teng Lin dont on ne sait rien, dont on a aucun portrait et qui fit des merveilles avec un appareil photographique des plus basiques !


Pour cause de pluies torrentielles et par la suite, de manque de temps, je n'ai pu me rendre à HiliMondregeraja qui est tant représenté sur les photographies de Ho Teng Lin ! Restons donc sur le noir et blanc envoûtant de ces images anciennes.



Photo 1 : Hoenodanomo à Bawao Dobara, 1925, photo Ho Teng Lin
Photo 2 : L'ancien chef chasseur du village de Kampong Lagoedi avec son héritier, photo Ho Teng Lin
Photo 3 : Guerriers à HiliMondregeraja 1927, photo Ho Teng Lin
Photo 4 : Intérieur d'une Omo Sebua à HiliMondregeraja 1927, photo Ho Teng Lin
Photo 5 : Guerriers en tenue traditionnelle à HiliMondregeraja 1927, photo Ho Teng Lin

Quelques expositions estivales

Au hasard des routes, des expositions assez confidentielles autour du Pacifique.
Celle de Nevers nous entraîne dans un voyage autour du monde à bord de La Zélée, la corvette qui accompagnait L'Astrolabe dans l’expédition de Dumont d’Urville 1837-1840. Charles-Hector Jacquinot et son demi-frère Honoré Jacquinot étaient nivernais et avaient pour fonction respectivement, celle de capitaine de la corvette, et celle de chirurgien de marine, à la base un botaniste et zoologiste de formation !
Direction l’Antarctique !

À Rochefort, c'est l'histoire de Narcisse Pelletier qui est mise à l'honneur puisque 2024 constitue les 180 ans de sa naissance et les 130 ans de sa mort. Celle-ci est illustrée des dessins et aquarelles de l’historien Thomas Duranteau.


Enfin, une brève exposition initiée par Nicolas Py, (30 août - 11 septembre 2024) à Herbignac, présente une quinzaine d'objets provenant du continent océanien autour de la thématique du voyage.

Photos 1 à 3 : Affiches des expositions

Tainos et Kaliganos

Une passionnante exposition vient d'ouvrir à l’Atelier Martine Aublet (Musée du Quai Branly-Jacques Chirac) et ce jusqu'au 13 octobre prochain. Elle rend compte de populations méconnues car occultées par "l'épopée" de Christophe Colomb que sont les Taïnos, dans les Grandes Antilles, et les Kalinagos, dans les Petites Antilles, deux sociétés autochtones qui peuplaient les Caraïbes.
Son commissaire André Delpuech, avait déjà eu la gentillesse de nous présenter au sein de l'association Détours des Mondes ces sociétés amérindiennes de la mer des Caraïbes qui furent en première ligne à subir la conquête européenne.


Elle veut aussi commémorer la première exposition « L’art des sculpteurs taïnos » présentée au Petit Palais il y a 30 ans, à l’initiative de Jacques Chirac, alors maire de Paris, et avec le collectionneur et marchand d’art Jacques Kerchache comme commissaire.


Parmi les objets étonnants des Taïnos, on connaît ces pierres à trois pointes ou trigonolithes sur lesquels nous n'avons que quelques interprétations essentiellement liées à la fertilité. De fait, très peu de témoignages nous sont parvenus et on cherche toujours l'original du manuscrit de Ramon Pané, un "pauvre ermite de l'ordre de Saint Jérôme" castillan qui a participé au deuxième voyage de Christophe Colomb, et a débarqué sur l'île d'Hispaniola au tout début de l'année 1494.
Il existe bien une version italienne du texte de Pané, publiée en 1571 à Venise, donc près d'un siècle plus tard et qui a donné lieu à de multiples spéculations.


Parmi les rites encore mystérieux, il y a bien sûr les jeux de balle chez les Taïnos qui nous laissent pour témoignages ces imposants jougs ou colliers et pierre, mais aussi le rituel de la cohoba durant lequel les hauts dignitaires (les caciques) et les chamans participaient. Après un jeûne prolongé et des vomissemnets volontaires (d'où la présence de ces spatules vomitives ouvragées), ils inhalaient une poudre à partir d'une plante aux propriétés hallucinatoires. Grâce à elle, ils obtenaient la marche à suivre sur les récoltes, la guerre ou encore des conseils thérapeutiques.

Photo 1 : Vitrine Taïno, photo de l'autrice, juin 2024.
Photo 2 : Vitrine Kalinago, photo de l'autrice, juin 2024.
Photo 3 : Trigonolithe Taïno (Zemi), île de la Dominique © MQB 71.1893.60.1
Photo 4 : Détail Vitrine Taïno, photo de l'autrice, juin 2024.

Art et commerce chez les Kongo

Une passionnante exposition vient de s'ouvrir au musée du Nouveau Monde de La Rochelle et ce jusqu'au 28 novembre.
60 œuvres y sont présentées, issues principalement des collections du Musée royal de l’Afrique centrale, et de prêts publics et privés. Julien Volper, conservateur en charge des collections ethnographiques au MRAC de Tervuren, est le commissaire de cette exposition.


Les populations Kongo vivant sur un territoire largement ouvert sur l'Atlantique ont très tôt connu le commerce avec les Européens (et plus tragiquement aussi le commerce des esclaves). Des "factoreries" se sont rapidement implantées et des objets manufacturés européens ont donc circulé.
Les thématiques de l'exposition souhaitent ainsi montrer les différentes influences de ces commerces (hommes et objets) sur l'artisanat et l'art des Kongos.

Qui sont les Kongo ?
"Les Kongo forment un ensemble de peuples vivant dans les actuels pays que sont la République Démocratique du Congo (ancienne colonie belge et ancienne propriété étatique du souverain Léopold II), la République du Congo et le Gabon (anciennes colonies françaises), ainsi que l’Angola (ancienne colonie portugaise).
Il existe une unité linguistique et culturelle kongo qui n’empêche pas des particularismes propres à chaque peuple relevant de cet ensemble. L’ancien royaume Kongo, qui était situé à cheval entre l’Angola et la République Démocratique du Congo et dont la capitale était Mbanza-Kongo (São Salvador), fut en contact avec les Portugais dès la fin du 15e siècle. Par la suite, d’autres entités politiques kongo d’importance situées au Cabinda et en République du Congo entrèrent en contact avec les Européens : il s’agit ici des royaumes de Loango, de Kakongo et de Ngoyo".
Extrait sur le site du musée du Nouveau Monde

Photos © Musée du Nouveau Monde / M. Van Es & J. Volper.

Préhistomania

Il ne reste plus que quelques jours pour découvrir la magnifique exposition du Musée de l'Homme : Préhistomania.
Dès l'entrée, nous plongeons dans la beauté et le mystère des relevés opérés dans des grottes du monde entier.
Ce sont d'abord les peintures de San, dans le sud de l'Afrique, qui nous donnent à contempler des personnages longilignes, souvent occupés à des actions dont nous peinons à comprendre le sens. Telle est, ci-après, cette scène énigmatique intitulée Cérémonie de la pluie avec éclair.


La figuration humaine a la primauté en ce début de parcours. Du Tassili N'Ajjer du sud de l'Algérie, nous retrouvons les relevés d'Henri Lothe, connus par leurs personnages aux têtes rondes et parmi eux, le célèbre grand dieu aux orantes.


Ou encore dans l'Ennedi, des personnages richement vêtus et parés, comme des dames sortant d'une salle de bal, qui ornent les relevés de Gérard Bailloud, réalisés plus tard, dans les années 1956-57.


Mais les études sur l'art rupestre sont loin de se limiter à l'Afrique et nous retrouvons de magnifiques relevés provenant de Papouasie occidentale dans un enchevêtrement de mains et de pieds mais aussi de formes anthropozoomorphes qui stimulent notre imaginaire.


La partie suivante de l'exposition met en scènes les réalisations des relevés sur les sites en suivant les missions de Frobenius, de l'Abbé Breuil, ou encore de Lhote et Bailloud.
Puis on s'achemine vers la reconstitution des premières expositions qui mêlent historique et art moderne et qui ont propulsé la vision artistique de ces relevés vers le grand public. C'est d'abord le tandem Paul Rivet - Georges Henri Rivière qui ont mené une active politique d'expositions temporaires au Musée d’ethnographie pendant ce qu'on a appelé "le moment du Trocadéro".
En 1933, ils font découvrir les relevés d'art préhistorique. Puis en 1937, c'est Alfred Barr, directeur du MoMA, qui choisit de les présenter accompagnés d’oeuvres modernes.
L'art rupestre dialogue alors avec l'art des avant-gardistes !
On pourra en juger avec le rapprochement du relevé du Gisant avec masques à cornes (Zimbabwe 1929) avec Canaïma, oeuvre de Wilfredo Lam (1947).



L'exposition, très riche visuellement, expose de nombreux documents soulevant des questionnements scientifiques et historiques. On trouvera des informations complémentaires dans le dossier de presse.

Photo 1 : Grands éléphants, autres animaux et hommes peints sur plusieurs couches, relevé de Joachim Lutz, 1929, Ruchera, Malopos, Zimbabwe © Institut Frobenius. FBA-D4-01619.
Photo 2 : Procession, peinture rouge, relevé d'Elisabeth Mannsfeld, 1929, Chikupo, Chinamora, Zimbabwe © Institut Frobenius. FBA-D1 02324.
Photo 3 : Cérémonie de la pluie avec éclair, relevé de Joachim Lutz, 1929, Rusawi, Mashonaland, Zimbabwe © Institut Frobenius. FBA-D3-01639.
Photo 4 : Le Grand dieu aux orantes, rlevé d'henri Lhote, 1957, Séfar, Tassili N'Ajjer, Algérie © Musée de l'Homme.
Photo 5 : Sans titre, relevé de Gérard Gailloud, Gaora Hallagana VII, Ennedi, Tchad © Musée de l'Homme 995.5.84.
Photo 6 : Silhouettes de mains et de pieds, relevé d'Albert Hahn, 1937, Abba, Papouasie occidentale © Institut Frobenius. FBA-D4-03237b
Photo 7 : Gisant avec masques à cornes, relevé d’Agnes Schulz, 1929, Zimbabwe.
Photo 8 : Canaïma (tête), 1947, Wifredo lam © Collection privée.

Un légendaire poteau de hangar à pirogues - Santa Ana

On se souvient probablement de la belle exposition L'éclat des ombres présentée au musée du Quai Branly fin 2014 ou, plus éloignée encore, celle du Musée Dapper intitulée L'art d'être un homme qui s'est tenue entre octobre 2009 et juillet 2010.


Elles ont eu en commun de nous faire découvrir cette sculpture en provenance de l'île de Santa Ana (Owa Raha) dans l'archipel des Salomon.
Cet objet était encore bien connu de très anciens Parisiens puisqu'il avait été présenté par Charles Ratton lors de L'exposition surréaliste d'objets de 1936, une photo attestant de sa présence dans le jardin de la galerie :


Il s'agit d'un poteau de hangar à pirogues de Santa Ana. Celui-ci, ainsi que le très célèbre figurant un couple exposé au Pavillon des Sessions, a très probablement été acheté sur place par Hugo Adolf Bernatzik durant son séjour de 1932 chez Heinrich Küper. Les deux poteaux furent du reste raccourcis à Paris par Ratton.


Heinrich Küper était un ancien militaire déserteur allemand qui vécut entre 1910 et 1950 à Gupuna sur Santa Ana. Il faut lire l'excellent article de Sandra Revolon : Heinrich Küper : le Blanc dont on parle à mi-voix, pour se faire une idée sur ce personnage qui a réussi à prendre un terrible ascendant sur les populations locales ! La photographie ci-dessus, prise par Eugen Paravicini, ethnologue devenu conservateur au musée de Bâle, entre 1927 et 1928, atteste de la présence du poteau dans le jardin de Küper.


Quant à l'emplacement initial du poteau, on en sait encore plus grâce à une photographie de Martin Johnson (ci-dessus) qui a accompagné Jack London dans son périple dans les mers du sud et qui date de 1908.
On pourrait encore en dire davantage sur cet extraordinaire objet, probable représentation d'un Ataro, être divin maître des éléments marins. Il faudrait pour cela analyser ses riches parures et sa place dans une maison cérémonielle, lieu tabou par excellence où se mêlaient la conservation des pirogues pour la pêche à la bonite et celle des reliquaires aux crânes de défunts, mais aussi hangar sacré pour les initiations des jeunes garçons.
Tout cela nous a été raconté avec passion par Isabelle Tassignon, conservatrice des collections d'archéologie et d'ethnologie à la Fondation Gandur pour l'Art, qui est intervenue jeudi dernier à la Galerie Meyer Oceanic & Eskimo Art.
On retrouvera dans l'article d'Isabelle Tassignon : Le géant des terribles Salomon de nombreuses précisions sur le poteau et on découvrira à l'occasion les autres oeuvres de cette collection genevoise.
La conférence est maintenant en ligne sur le site de la Galerie Meyer :


Photos 1 et 2 : de l'autrice à l'occasion de l'exposition L'éclat des Ombres, 2014.
Photo 3 : Jardin de la galerie Charles Ratton, "Exposition surréaliste d'objets", 1936, collection particulière in L'éclats des ombres, 2014, p.170.
Photo 4 : Poteau de maison des hommes, photo d'Eugen Paravicini, Santa Ana, 1927-1928, © museum der kulturen Bâle. in Charles Ratton. L'invention des arts "primitifs", catalogue d'exposition 2013, p.62.
Photo 5 : Aofa de Gupuna © The Jack London Papers. The Huntington Library, San Marino, California sur le site de la Fondation Gandur pour l'art.

Cachez ces statues que nous ne saurions voir

Cette photographie est la seule illustration de l'exposition temporaire que l'on trouve sur le site de l'AfricaMuseum de Tervuren où elle se tient jusqu'au 29 septembre prochain.
La note d'intention de l'exposition est claire et dictée par le directeur du musée : « Nous voulons savoir beaucoup mieux quelle est l’origine des objets et si l’on peut établir qu’ils ont été obtenus par un vol, par de la violence, par de la manipulation » en résonance avec une loi promulguée en 2022 en Belgique visant à la restitutions des biens spoliés entre 1885 et 1960.
Une recherche de provenance légitime, mais dont la systématisation actuelle et son utilisation s'effectuent dans un contexte unique de contrition saturant de nombreux débats sociaux et politiques :


En exposant ces oeuvres, les originaux ou leurs copies (pourquoi pas), et en les donnant à contempler sans les noyer dans un discours de repentance sans fin, on met en avant la créativité et le génie de certains artistes (dont il faut naturellement rechercher les noms et les ateliers), et on les érige en ambassadeurs de cultures africaines plus ou moins connues.
Il n'est nul besoin de se vautrer dans une culpabilité stérile dont le curseur, à géométrie variable, est fixé selon l'intensité de la repentance coloniale qu'émet l’opinion publique du moment.
Le souhait d’un retour d’œuvres africaines vers l’Afrique est naturellement légitime bien qu’il pose des questions de fond et de forme.
Suivons en ce sens une idée évoquée par Julien Volper : « Plutôt qu’une politique de restitution qui suit simplement la mode du moment, la Belgique ne devrait-elle pas créer une antenne de l’AfricaMusem, un « Tervuren-Kinshasa » sur le modèle du Louvre-Abou Dhabi, en formant un personnel congolais (gardiens, conservateurs, restaurateurs,…) rémunéré aux mêmes salaires que ceux qui prévalent chez nous? Cela garantirait un transfert aller-retour régulier et sécurisé des collections, une visibilité des œuvres dans les deux pays et un partenariat de long terme ».
Les musées d'ethnographie vont mal à notre époque concernée par le contexte "anthropocène" et les processus "décoloniaux". Certes, il faut tout repenser, de l’accrochage ordinaire aux expositions afin de constituer de véritables musées de restitution des connaissances et de débats publics.
Certains musées réussissent mieux que d'autres. Pour ces derniers, leurs expositions temporaires semblent se borner à ne questionner que les faces "terribles" de notre société et paradoxalement elles ne donnent à voir qu'un grand vide parsemé de quelques œuvres perdues au milieu de panneaux de textes qui, eux, nous gavent de prêt-à-penser.
Entre autres, un petit bol d'air à méditer : Ouvrez, ouvrez la cage aux oiseaux !

Sous l'emprise de l'ayahuasca à Branly

Le musée du Quai Branly souhaite, dans sa dernière exposition, rendre compte des relations entre images hallucinatoires et productions iconographiques, à partir du cas de l’ayahuasca, une préparation hallucinogène à base de lianes, originaire d'Amérique du Sud. Un défi que de "donner à voir" des visions chamaniques à partir d'objets, de peintures, de vidéos ! Et c'est assez bien réussi.


L'exposition est ainsi truffée de nombreuses projections qui nous entraînent dans "d'autres" mondes, dont la brève expérience de réalité virtuelle proposée, une intéressante invitation au voyage à ne pas rater.


De la même manière, on notera les différents supports que nous permet d'appréhender le réalisateur Jan Kounen dans cette exposition. Ainsi, ce bel extrait de Blueberry, l’expérience secrète (2004) :

Photo 1 : Détail d'une jarre Shipibo-Konibo, Pérou.
Photo 2 : Aquarelle de Jan Kounen © Galerie Cinéma.

Amedeo et le Novo Pilota

Pas étonnant de retrouver ces deux là unis dans une même exposition actuellement au musée de l'Orangerie et jusqu'au 15 janvier. De prime abord, sont des légendes, ainsi que le Paris du début du 20è siècle, véritable creuset pour les avant-gardes artistiques qu'ils incarnent, d'une certaine manière. Mais aussi parce qu'ils ont été étroitement liés. La rencontre date de 1914, grâce au poète Max Jacob, dit-on. Paul Guillaume deviendra le marchand d’Amedeo Modigliani, partageant avec lui des affinités artistiques, littéraires, et notamment un intérêt commun pour l'art africain.



On notera une Journée d’étude le Vendredi 1er décembre 2023 qui s'annonce passionnante à l'auditorium du musée d’Orsay : Modigliani et le marché de l’art parisien (1900-1939), dont une intervention de Maureen Murphy, historienne de l’art, professeure d’art contemporain, université Paris 10 Nanterre à 14h30 : De l’inclusion des arts d’Afrique au marché de l’art des années 1910.



Photo 1 : Anonyme, Modigliani dans son atelier, rue Ravignan 1915, Paris, musée de l’Orangerie © RMN-Grand Palais © Dominique Couto
Photo 2 : Anonyme, Paul Guillaume dans l'atelier de Modigliani, non daté, Paris, musée de l’Orangerie © RMN-Grand Palais © Franck Raux
Photo 3 : Détail d'un masque Ngon Ntang, artiste Fang, Gabon © Musée du Quai Branly - Jacques Chirac, dépôt au Musée de l'Orangerie, photo de l'autrice.
Photo 4 : Fille rousse, Amedeo Modigliani, 1915, © Musée de l'Orangerie, collection Walter-Guillaume, photo de l'autrice.

Chamanes

En ce début d'année, le musée des explorations du monde, anciennement musée de la Castre de Cannes, nous a proposé Les merveilles du Toit du Monde, présentant des oeuvres de la collection François Pannier (Directeur de la galerie Le Toit du Monde à Paris et fondateur de l’Association pour le Rayonnement des Cultures Himalayennes (ARCH)) reçues en donation.


Dans une suite somme toute logique, c'est à "un dialogue avec l'invisible" que nous sommes conviés à travers la nouvelle exposition intitulée Chamanes. Cette très belle présentation propose 150 objets ethnographiques et œuvres d’art provenant des cinq continents. La plupart des objets ont été utilisés ou créés par des chamanes, dans un contexte traditionnel ; d'autres oeuvres, contemporaines et inuit pour la plupart ont été créées par des artistes autochtones.


Ainsi se côtoyent masque Tsimshian, chaussons ayant appartenu à Djandull Khan, dernier chamane des Kalash,ou encore de merveilleuses petites figurines d'Alaska.


Le parcours se termine par une invitation à pénétrer dans la tente sombre ; "La tente sombre fait en effet expérimenter sur un mode public une relation aux personnes non humaines marquée par la socialité, la confiance et la coopération, qui est reproduite en privé par chaque chasseur dans ses expériences oniriques. En ce sens, on pourrait dire que la tente représente une sorte d’antichambre du rêve, un lieu où les chasseurs apprennent ensemble à rêver."Charles Stépanoff.
Il faut prendre le temps de s'y installer.


Signalons parmi les manifestations autour de l'exposition, une conférence de Jean-Yves Loude (qui nous avait fait l'honneur de venir nous entretenir des Kalash en janvier dernier à l'association) « Les Kalash du Pakistan : un voyage en terre chamanique », le Lundi 6 novembre 2023 à 15h à la Salle Stanislas (Cannes).
Pour en savoir plus Télécharger le dossier de presse
Photos de l'autrice, exposition Chamanes, Musée des explorations du Monde, août 2023

Afrique, mille vies d’objets

Après Désir d’art, la collection africaine Ewa et Yves Develon, une magnifique exposition présentée en 2019 par le musée des Confluences de Lyon, ce dernier récidive avec Afrique, mille vie d'objets. Celle-ci nous donne à voir, dans une autre muséographie et avec plus d'envergure (230 objets), les pièces des donations Develon, en insistant sur les masques et les statues du Nigeria, choisis pour certaines avec beaucoup d'originalité.





Photo 1 : Vue de l'exposition Afrique, mille vie d'objets, musée des Confluences, photo de l'autrice, juin 2023.
Photo 2 : Cimier Igala ou Bassa Nge, Nigeria, basse vallée de la Benue, photo de l'autrice, juin 2023.
Photo 3 : Masque heaume Epa ou Elefon, Yoruba, Nigeria, photo de l'autrice, juin 2023.
Photo 4 : Statuette de Guinée équatoriale (?), photo de l'autrice, juin 2023.

Fourmillement chaotique

J’aime ces intérieurs dérangés qui reflètent l’intérieur de l’âme de leur propriétaire, non pas celle d’une personne qui aurait perdu la raison, loin de là, mais d’un passionné éclectique pour qui "l’art ne vient pas coucher dans les lits qu’on a faits pour lui". Jean Chatelus était agrégé d’histoire et maitre de conférences à la Sorbonne.
Aujourd'hui, c'est la Fondation Antoine de Galbert qui donne l'ensemble de sa collection au Centre Pompidou, soit près de 400 œuvres qui avaient été léguées au décès du collectionneur à la Fondation.

Photo : © Jean-Marie del Moral

Les sept soeurs

Les sept sœurs de la mythologie grecque étaient Maïa, Alcyone, Astérope, Céléno, Taygète, Électre et Mérope, enfants d’Atlas et de Pléioné, la divinité protectrice des marins. Pourchassées par le chasseur Orion, tombé sous leur charme, les sept soeurs furent délivrées de sa traque incessante par Zeus, qui les changea en colombes et elles prirent leur envol. Chaque soir, on peut les revoir sous la forme de l'amas des Pleiades, si reconnaissable près de la constellation d'Orion.
De tous temps, les Pléiades ont servi de point de repère, aux marins pour naviguer, aux agriculteurs pour déterminer le moment des semailles et des moissons... et ont suscité des légendes, des sagas que les générations se transmettent.


En Australie, les sept soeurs sont victimes de la poursuite sans relâche d'un sorcier, une saga qui se décline tout au long des territoires aborigènes du centre et de l’ouest du pays, laissant ses traces dans le paysage.
Au musée du Quai Branly et jusqu'au 2 juillet on peut voir "Songlines. Chant des pistes du désert australien", une exposition itinérante produite par le National Museum of Australia avec le soutien des gardiens traditionnels de la Loi et des savoirs aborigènes sur l’histoire des Sept Sœurs.
Une multitude de peintures représente ces récits de création et nous invite à partager ces parcours. Une très belle exposition !

Carnets Kanak

L'exposition Carnets Kanak voit enfin le jour au musée du Quai Branly - Jacques Chirac en dévoilant les dessins aquarellés de Roger Boulay qui accompagnent l'histoire de la mission d'inventaire du patrimoine kanak dispersé (IPKD) réalisée entre 2011 et 2015.
Je l'avais évoqué il y a un an dans cette note.
La vidéo ci-dessous rend compte de cette belle présentation et du travail d'inventaire réalisé :



Photo de l'autrice, octobre 2022.

Résonance

Il est tentant d'associer formellement des oeuvres de Jean-Michel Basquiat et des statues Nkisi Nkonde de la République démocratique du Congo, celles que l'on a appelé longtemps "Fétiches à clous", tant l'agressivité marque les deux univers au travers de figures percées de pointes.
Le rapprochement s'arrête là. Les origines haïtienne et portoricaine de Basquiat l'ont certainement conduit à s'intéresser à l'histoire et aux traditions de la diaspora africaine, puis à approfondir cet intérêt avec l'anthropologue Robert Farris Thompson.


Il en résulte, dans la somptueuse Galerie Gradiva, une exposition superbe qui réunit une vingtaine de statues provenant pour la plupart du MRAC Tervuren, selon les choix de Julien Volper, conservateur en charge des collections ethnographiques au musée, et de Bernard Dulon, expert en arts anciens d’Afrique.



Photos de l'auteure à la Galerie Gradhiva.
Photo 1 : Nkisi, Kongo/Vili. Collection du MRAC Tervuren EO.1967.63.224.
Photo 2 : Détail de "Sans-titre" C.1984, collection Garibaldi. Courtesy Galerie Enrico Navarra.
Photo 3 : Vue de la petite pièce.
Photo 4 : Détail de "Sans titre (Figure JMB#1), 1982. collection particulière. Courtesy Galerie Enrico Navarra
Photo 5 : Nkisi nkonde © Collection privée, anc. collection William Oldman.

Visages de l'exploration au XIXème siècle

L'été est passé et je m'aperçois avoir omis de parler de cette belle exposition, maintenant terminée : Visages de l'exploration au XIXème siècle, du mythe à l'histoire qui s'est tenue sur le site François-Mitterrand de la BnF.
Montée à l'occasion du bicentenaire de la Société de géographie, l'exposition a présenté divers objets : carnets de notes, cartes et photographies, instruments de mesure, objets collectés sur le terrain... qui ont appartenu à différents explorateurs connus ou méconnus du XIXème siècle.


La pluralité des genres et des continents visités a donné naissance à un parcours plaisant et érudit, une scénographie originale adaptée à petits et grands pour pouvoir découvrir "un géographe parisien dans son cabinet de travail, se retrouver au cœur d’un campement d’explorateur au milieu du Sahara, retrouver l’atmosphère d’une exposition ethnographique d’objets sibériens, ou même assister à une conférence-projection comme un membre de la Société de géographie".
Un beau catalogue permet de garder trace de cette intéressante présentation.

Photo 1 : Capture d'écran site BNF.
Photo 2 : de l'auteur dans l'exposition.

Si Tahiti m'était conté...

Une invitation au voyage vers la Polynésie nous est proposée par l'exposition du musée de la Castre à Cannes (rebaptisé Musée des explorations du monde). Elle s'appuie sur le personnage d'Edmond Ginoux de la Coche, un journaliste qui débarque en Polynésie dans les années 1840. Du Petit-Thouars a annexé les îles Marquises en 1842, et c'est dans ce contexte mouvementé qu'arrive Edmond. D'abord missionné pour faire des études de géologie, de zoologie et de botanique, il voyage en 1843 avec le nouveau gouverneur de l’Océanie française, Armand Joseph Bruat, qui va lui confier la création du premier journal de l’Océanie française. Il partage son temps entre Marquises et Tahiti et rentre en France en 1845.


Il reviendra en 1847 accompagné de l'illustratrice Adèle de Dombasle. En 1850 il est à Paris ayant rapporté environ 500 objets océaniens et américains, et fonde le "Musée Ginoux".
Il passera les années suivantes, jusqu'à sa mort en 1866, à rédiger son Catalogue raisonné des objets ethnographiques composant ma collection.

1874 : Adèle de Dombasle, qui a recueilli la collection au décès d'Edmond, ne peut poursuivre le projet de musée et vend la collection au baron Lycklama.
Ce Tinco Martinus Lycklama est un aristocrate hollandais, voyageur et archéologue. En 1872, il s'installera à Cannes et fera don de sa collection à la ville en 1877.

Le musée ne présente pas uniquement une collection océanienne. En 1973, il a acquis 29 objets Inuit de la collection Gontran de Poncins. Ce dernier était un écrivain qui a voyagé dans les années 1938/39 pendant 13 mois dans le Grand Nord canadien en compagnie des Inuit Netsilik. Cette collection s'est enrichie depuis.
Notons encore une collection Himalaya-Tibet comportant plus de 200 objets, une collection d'objets précolombiens, africains, une belle collection d'instruments de musiques et enfin des objets mélanésiens qui complètent la collection océanienne.

Photos de l'auteure au musée des explorations du monde de Cannes, juillet 2022.
Photo 1 : Couronne Pae Kaha, ayant appartenu au chef Iotete.
Photo 2 : Vékétou. Grand-prêtre de Nuku-Hiva. © Adèle de Dombasle
Photo 3 : Peigne (illaigutik), anc. collection G. de Poncins

Monnaies et Merveilles

Une belle exposition se tient actuellement à la Monnaie de Paris, et ce jusqu'au 25 septembre 2022. Elle donne à voir la multitude de formes de monnaies, que ce soit de l'or, des perles, des coquillages, des plumes, des textiles... inventées de par le monde.


Une visite virtuelle est disponible sur le site ainsi qu'un livret pédagogique fort bien réalisé.

Photos de l'auteure, avril 2022 :
Photo 1 : Oban,Japon © Coll. historique de la Monnaie de Paris.
Photo 2 : Monnaies africaines.

Pouvoir et Prestige

Pouvoir et Prestige. Art des massues du Pacifique est une exposition au musée du quai Branly – Jacques Chirac visible jusqu'au 25 septembre 2022.
Massues, casse-têtes et armes traditionnelles sont exposés comme des sculptures à part entière et nous rappelle que certaines d'entre elles étaient des objets cérémoniels, des symboles d’autorité, des objets d'échange voire des réceptacles du divin au-delà de leur fonction d’armes.
Spécialiste des Fidji, le commissaire de l'exposition, Steven Hooper, fait une place belle aux arts de la Polynésie. Ainsi cette massue à deux mains qui est exposée à l'entrée de l'exposition est considérée comme la plus imposante massue fidjienne répertoriée. Elle devait remplir uniquement une fonction cérémonielle, et être brandie au moment de son investiture par le nouveau chef.


Ci-après à écouter une interview de Stéphanie Leclerc-Caffarel,commissaire associée de l’exposition et responsable de collections Océanie au musée.

Photos de l'auteure au musée du Quai-Branly - J. Chirac, juin 2022.
Photo 1 :Siriti, massue à 2 mains, Fidji © British Museum Oc. 7612.
Photo 2 : Hache massue "Tomahawk", Salomon © Coll. particulière.

Le langage de la beauté dans l'art africain

Une belle exposition d'art classique africain se tient actuellement au Kimbell Art Museum de Fort Worth (Texas) jusqu'au 31 juillet prochain et se poursuivra au Art Institute de Chicago à partir du 30 novembre 2022.
À défaut de s'y rendre, une visite virtuelle de l'exposition est proposée sur le site du Kimbell Art Museum.
Et un article très complet de Adenike Cosgrove est à lire sur le site ÌMỌ̀ DÁRA

Photo sur le site.

Mondes sensibles. Une collection textile

Je connais Colette et Jean-Pierre Ghysels essentiellement pour leur collection de bijoux ethniques (par leurs ouvrages Splendor of Ethnic Jewelry et Orfèvres lointains), mais ce qu'ils nous offrent actuellement au musée Bargoin de Clermont-Ferrand concerne leur collection de textiles extra-occidentaux. : 300 pièces qu'ils ont données au musée en 2019.
L’exposition « Mondes Sensibles, nouvelle collection textile » est la première présentation au public de cette collection textile, à découvrir jusqu'au 31 juillet 2022.
Photo © O. Bianchi

Maro'ura - Un trésor polynésien

J'évoquais avec enthousiasme la nouvelle exposition La part de l'ombre au musée du Quai Branly-Jacques Chirac.
Il en est de même pour Maro'ura - Un trésor polynésien.
De sujet et de style différent, celle-ci fait aussi la part belle à la recherche historique afin de mieux saisir cet objet en particulier. Un parcours intelligent !
Nul besoin de commentaire supplémentaire ; il suffit de regarder la vidéo ci dessous et de lire l'article de Camille Graindorge de Casoar.


Photo : Maro'Ura, photo de l'auteure au musée du Quai Branly-Jacques Chirac, exposition Maro'Ura. Un trésor polynésien.

La part de l'ombre

Le musée du Quai Branly renoue avec les "petites" expositions fines, belles, intelligentes, en présentant jusqu'au 10 avril 2022 La part de l'ombre conçue par Julien Volper, conservateur au Musée royal de l'Afrique centrale de Tervuren.
Le titre fait référence aux oeuvres de peuples minoritaires du Sud-Ouest congolais, souvent occultées par masques et statuaires mieux connus, plus étudiés dans la région, majoritairement en lien avec les rites d'initiation de la Mukanda.



Photo 1 : Couple de statues Hungaan © Museum am Rothenbaum, Hambourg.
Photo 2 : Sifflet Hungaan ou Mbuun © Felix Collection.
Photos de l'auteure au musée du Quai Branly-Jacques Chirac, décembre 2021