Détours des Mondes

Figure de Nukumanu

Un vaste lagon, des îles de sable, le ciel et la mer bleus... est-ce ainsi le cadre idyllique d'une vie paradisiaque ? Rien n'est moins sûr ; la situation même d'un bout de corail situé à peine à plus d'un mètre au-dessus du niveau de la mer et son éloignement de toute grande terre (la Nouvelle-Irlande est à 700 kms !) rendent précaire la vie sur l'atoll de Nukumanu...L'actualité souligne la vulnérabilité toujours plus aigüe de tels ilots, fortement menacés d’engloutissement par l’élévation du niveau de l’océan.
Les habitants parviennent néanmoins à cultiver une sorte de taro et la banane. La nature fournit la noix de coco, le poisson, les coquillages. Des pêcheurs plongent encore pour la bêche-de-mer ; exportée vers l'Asie, elle fournit un peu de ressources.









































Et pourtant... De cette minuscule enclave polynésienne, il en était déjà question dans le célèbre ouvrage de Richard Parkinson, paru en 1907 : Thirty years in the South seas dans son chapitre VII sur les îles Nuguria, Tauu et Nukumanu, passées sous administration allemande à la fin du XIXème siècle. Queen Emma, sa belle soeur, avait du reste mis la main sur l'ensemble de l'atoll de Taku (Mortlock) moyennant quatre haches et dix livres de tabac offertes à son chef !
De sa visite sur Nukumanu, il découvrit la représentation d'un dieu nommé Pau-Pau, une grande statue en bois de 5 mètres de hauteur dont il réalisa un beau dessin.
Il n'y a pas de doute ; c'est elle que l'on découvre aujourd'hui dans l'exposition Oceania de la Royal Academy of Arts de Londres !
Prêtée actuellement par le musée d'ethnographie de Leipzig, l'énigmatique statue provient des "collectes" d'un certain capitaine allemand : Karl Nauer.
Ce dernier commandait le vapeur Sumatra de la Norddeutscher Lloyd qui naviguait régulièrement entre 1905 et 1911 dans l'archipel Bismarck, le nord des Salomon et poussait jusque dans ces îles lointaines lors de ses tournées pour charger du coprah...
En Nouvelle-Irlande, il relâchait à Kavieng, alors capitale des sculptures Malaggan qui l'ont très tôt intéressé mais il connaissait également les figures Uli du centre de l'île et dépêchait des collecteurs à la recherche de ces fameuses sculptures qui le fascinaient au plus haut point.
Il se prit au jeu de la collecte et lorsque Nauer rencontra le directeur de l'Übersee-museum de Brême, Hugo Schauinsland, et ce dès 1905/06, les deux hommes passèrent un accord pour le compte du musée.
La part du lion des collectes devait revenir au musée (artefacts et specimens d'histoire naturelle) et les doublons, quant à eux, devaient être expédiés au père de Karl Nauer à Obergünzburg. D'après la récente publication (Realm of ancestors) de Charles-Wesley Hourdé, l'histoire est probablement moins simple qu'il n'y parait et il semble qu'un certain Capitaine Häsner, un homme clé de la Norddeutscher Lloyd installé à Simpsonhaufen ait joué un rôle non négligeable dans les collectes pour le musée Brême.
L'histoire des collectes de Nauer doit être forcément complexe, ayant "joué" les demandes des musées les uns contre les autres, courant après des décorations...
Quoiqu'il en soit, notre impressionnante statue est la représentation de la divinité de Nukumanu à laquelle les habitants demandaient de l'aide pour leurs cultures et une navigation clémente.
Elle mérite d'être signalée tant sont rares les réalisations imposantes au sein des populations des enclaves polynésiennes.

Sources :
Buschmann Rainer, 2000. Karl Nauer and the Politics of Collecting Ethnographic Objects in German New Guinea, Pacific Arts 21-22, pp. 93-102.
Parkinson Richard, 1907, Thirty years in the South seas, (rééd. 1999, University of Hawai'i Press).
Télécharger le chapitre 7

Photo 1 : de l'auteure lors de l'exposition Oceania à Londres.
Photo 2 : Dessin représentant Pau-pau, Nukumanu, réalisé par Richard Parkinson in Thirty years in the South seas, (rééd. 1999, University of Hawai'i Press) p. 229.

Le Grand Océan

Comment aborder une exposition ? Etreindre son ensemble, deviser sur son intention, sa scénographie, s'arrêter sur les "chefs-d'oeuvre" ou décrire ses coups de coeur ?
La réponse n'est pas simple et il est difficile de s'improviser critique d’art au regard aigu doté de la plume d'un "Diderot", lequel, bien sûr avec brio, osait pourtant parler à la place de certaines oeuvres !
Ainsi, pour une exposition, vouloir embrasser le concept "Oceanie" constituerait une tâche impossible tant les cultures du Pacifique sont variées et les sociétés complexes dans leur histoire et leur modernité, et tant est lourd le passé colonisateur de certains territoires.

Oceania qui se tient actuellement à Londres et qui viendra à Paris au printemps prochain n'a nullement cette prétention mais essuie néanmoins les feux de la polémique quand à sa tenue : elle "n’en suscite pas moins, sinon un malaise, du moins de l’embarras" (Le Monde -Ph. Dagen) ou arbore une scénographie décevante (Blog Casoar ou dixit certains conservateurs et/ou marchands).
Mais entrons plutôt par une petite porte comme j'aime à les emprunter pour tirer quelques ficelles et ouvrir nombre de chemins : Une statue étonnante retient mon attention ; le corps complètement cambré et la tête tournée, que dit-elle ? D'où vient-elle ? Charme agricole de l'île de Kiwai, au sein du delta du fleuve Fly, spécifie la notice du collecteur : un membre de l'expédition ethnographique Cooke Daniels de 1903-1904 !
Pour mon voyage en Papouasie, cet été, j'avais pourtant "revisé" les grandes expéditions du début du XXème siècle ! Allemandes pour la plupart, mais aussi américaines avec notamment celle d'Albert B. Lewis pour le musée de Chicago (nous en reparlerons) !
Celle-là m'avait échappé, ayant omis cette région du Sud-Ouest, mais aussi la volonté d'un Américain fortuné (propriétaire à l'époque du grand magasin de Denver, The Daniels & Fisher Co.), le major William Cooke Daniels, ayant pu embarquer l'anthropologue Charles Gabriel Seligman, le Dr Walter Mersh Strong et MAH Dunning pour s'occuper de la photographie et de l'enregistrement cinématographique, dans un grand voyage en Nouvelle-Guinée britannique au début du XXème siècle et mener à bien cette aventure !
Ainsi se révèlent une importante collection d'objets et de nombreuses photographies que l'on peut interroger dans les bases de données du Pitt Rivers Museum, du British Museum et plus modestement du Horniman Museum, du MAA Cambridge et de l'Australian Museum de Sydney.
Seligman est devenu célèbre en publiant en 1910 l'ouvrage faisant état de ses recherches anthropologiques :

Les Mélanésiens de la Nouvelle-Guinée britannique.

En contre point des statues monumentales, l'exposition présente de délicats dessins, tels ceux de Ahuia Ova, un chef Koita, informateur de Seligman. Ici, il s'agit d'une estrade cérémonielle avec des ignames entassés dessous et des bananes accrochées ; des femmes s'affairent ou dansent autour.
Ahuia n'en était pas à son coup d'essai de dessinateur puisqu'il avait connu quelques années plus tôt le chef de la célèbre expédition du Détroit de Torrès en la personne d'Alfred Cort Haddon et par conséquent, Seligman qui en faisait déjà partie.
L'expédition de 98 est apparue très tôt comme pionnière dans l'anthropologie de terrain fournissant ainsi un modèle à suivre pour les futurs ethnologues. Haddon rapporta de nombreuses notes, objets mais surtout des photographies et des films (Voir les sites du British Museum et surtout du MAA Cambridge)


Passé par l'ilôt de Waier au large de l'île de Mer dans le Détroit de Torrès, Haddon avait dû remarquer une représentation de Waiet, objet d'un culte guerrier, conservée dans une grotte. Des modèles en bois étaient réalisés et Haddon a commissionné une collecte d'une de ces représentations en 1905.
C'est cette curieuse effigie que l'on découvre aussi à Londres, dans la même salle (Créer le lieu), surmontée d'une coiffe de carapace de tortue avec de la cire d'abeille pour attacher des plumes de casoar !
Étrange et énigmatique effigie... Cette exposition, si elle nous montre les oeuvres "classiques" du Pacifique Sud, nous réserve bien des surprises...

Photos de l'auteure, octobre 2018.
Photos 1 et 2 : Détails d'une figure Mimia, île de Kiwai, delta du fleuvre Fly, © The British Museum Oc1906,1013.41.
Photo 3 : Dessin de Ahuia Ova, © The British Museum Oc2006,Drg.689.
Photo 4 : Statuette représentant Waiet, © MAA Cambridge Z 9453.

Dans l'espace de leur présence

À Rodez actuellement et jusqu'au début novembre, se côtoient des sens multiples. Une petite collection délicate de statues de l'île de Pâques enveloppées dans leur énigme répond à celle de pierre, froide mais pourtant émouvante, des statues-menhirs arborant elles aussi des signes déconcertants, peut-être des tatouages par endroits...des rainures creusées où la main de l'homme est palpable.


Mais la matière n'est pas seulement faite de bois et de pierre et il ne faut pas aller loin et pousser la porte du musée Soulages pour découvrir un autre monde.
L'exposition Gutai, l'espace et le temps, explose à la figure avec sa substance de mouvement et de couleur.

D'autres, au contraire, bâtissent des tissus de paroles inconnues et déversent des symboles comme les tablettes Rongorongo se plaisent aussi à répandre dans notre vaste océan d'ignorance.


La saturation des sens s'apaisent dans l'entre-deux du clair-obscur dont quelques toiles nous permettent l'accès. Comme si cette lumière paradoxale donnait sens à ces rythmes parfois effrénés de la vie humaine et ouvrait vers un espace originel qui permet le surgissement de la Réalité.

Photos 1 et 2 de l'auteure au musée Fenaille, détail de la statue de La Verrière (Montagnol).
Photo 3, 4 et 5 de l'auteure, resp. oeuvres de Shiraga Kazuo, Shuji Mukai et Pierre Soulages au Musée Soulages

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Je suis d'ailleurs

Les figures de pouvoir Songye ont toujours intimidé !
Hiératiques, bien campées sur leurs pieds puissants, les bras le long du corps et les mains entourant une cavité abdominale chargée, les yeux mi-clos et la bouche affichant un rictus que nous nous plaisons à voir sinistre, elles s'imposent dans le champ de ces objets redoutables, capables du pire comme du meilleur.
Aussi lorsqu'on envisage l'une des leurs, pas plus haute que trois pommes, ses yeux ronds comme étonnés de découvrir un monde ; la frayeur laisse place à la stupéfaction.
Incroyable sculpture sortie de quelque imaginaire ayant côtoyé d'autres réalités, cosmonaute égaré au sein de notre humanité, elle témoigne parmi les chefs-d'oeuvre qui constituent l'exposition Pierre Dartevelle - 50 ans de collection des talents sans cesse renouvelés des artistes africains.


À découvrir absolument à la maison de vente Lempertz de Bruxelles jusqu'au 6 juillet 2018 et à l'occasion de Cultures 2018 : Télécharger le catalogue

Pigalle 1930 - Parcours des Mondes 2018

1930 : Carl Einstein écrit dans la revue Documents un article sur l'exposition de la Galerie du théâtre Pigalle qui vient de se tenir à Paris, une exposition d'art africain et d'art océanien. "Pourtant, il faut traiter cet art historiquement, et non plus seulement le considérer sous le seul point de vue du goût et de l’esthétique" : telle est la méthode d'Einstein qui suit sa logique développée quelques années plus tôt. En effet, il peut désormais évoquer l'art africain puisque cet objet "art africain" existe : il en a posé les fondements dans Negerplastik et a ainsi ouvert le champ à la possibilité d'une histoire de l'"art nègre".

Dans cette première grande exposition devenue mythique, 425 objets étaient présentés dont environ 200 d’Océanie.
Dans le catalogue que l'on peut télécharger :

Exposition d'art africain et d'art océanien - Galerie du théâtre Pigalle

on se désolera du petit nombre de photographies des oeuvres présentes dans l'ouvrage. Seuls de brèves descriptions et les noms des prêteurs, pour beaucoup célèbres maintenant, sont cités.

Dans l'article d'Einstein, il existe aussi quelques photographies des oeuvres (Ci-après, une planche de la revue Documents). Les rares clichés dont nous disposons de l'exposition proprement dite appartiennent à la Société française de Photographie.

C'est dire combien la recherche des 425 objets présents en 1930 peut s'avérer être un véritable casse-tête...pigmenté par la tournure quelque peu scandaleuse que l'évènement avait prise : « L’exposition d’art nègre et océanien au théâtre Pigalle … a irrité la pudeur de tous les gardiens de la morale » pouvait-on lire dans Cahiers d'Art...car certaines sculptures furent considérées comme obscènes...


C'est donc à une enquête passionnante qu'il faudrait se livrer pour retrouver les objets de 1930, car les pièces sont de grande qualité, prestigieuses car ayant appartenu à ... (voir liste incroyable ci-après) et aussi probablement parce que la non moindre exposition mythique African Negro Art organisée au Moma en 1935 s’inspira forcément de "Pigalle 1930"...
Les oeuvres ayant rejoint les collections publiques, nous les connaissons... mais les autres ?

Pourquoi parler de cette exposition maintenant accolée au nom du Parcours des Mondes 2018 ?
Parce que Nicolas Rolland et Charles-Wesley Hourdé se sont attelés à ce travail de recherche et sont sur le point de terminer la réalisation d'un bel ouvrage sur le sujet (Parution septembre 2018, tiré à 500 exemplaires !).
Ils sont parvenus à retrouver une sélection d’objets ayant figuré dans cette exposition historique au sein de collections privées parisiennes.

Aussi pendant le prochain Parcours des Mondes, l’Espace Tribal de la rue Visconti présentera-t-il 20 à 30 de ces oeuvres prêtées par des collectionneurs privés, des documents d’archives et des photographies. L’événement "Pigalle 1930" sera au cœur de la programmation des séances de Café Tribal.

Photos 1, 2, 3 et 6 : Exposition d'art africain et art océanien, Galerie du Théâtre Pigalle, 1930 © Société française de Photographie
Photo 4 : Extraite de la Revue Documents, article de Carl Einstein "À propos de l'Exposition de la Galerie Pigalle".
Photo 5 : Crochet à crâne Blackwater, Papouasie-Nouvelle-Guinée Hauteur : 57 cm - Provenance : Bela Hein, Paris © photo Martin Doustar.
Photo 7 : Extraite du catalogue de l'exposition.
Photo 8 : Statue janus kabedja, Luba-Hemba - République démocratique du Congo Hauteur: 36 cm - Historique: Paul Chadourne, Paris © photo Vincent Girier-Dufournier.
Photo 9 : Statue Malagan - Nord de la Nouvelle-Irlande Hauteur : 80 cm - Provenance : Ernst Ascher, Paris © photo Hughes Dubois.
Les oeuvres des photos 5, 8 et 9 seront exposées à l'Espace Tribal. .

Pierre Dartevelle - 50 ans de collection

On se souvient probablement de l'exposition Carnets de Voyages, consacrée à Edmond Dartevelle, le père de Pierre au Musée Jacques Chirac de Sarran.

Et c'est grâce à ce dernier, spécialiste en sciences naturelles envoyé plusieurs fois en Afrique par le Musée royal de l’Afrique centrale de Tervuren dans les années 30 et 40, que son fils fut très tôt initié à ces objets. Dans les années soixante, Pierre explora à son tour le continent Africain.

L'exposition qui a débuté le 24 mai dernier chez Lempertz à Bruxelles, se poursuit pendant la foire Bruneaf - Cultures 2018 et ce jusqu'au 6 juillet.

Une occasion de découvrir ou revoir une centaine de statues et masques d’exception provenant du Congo, une des régions constituant le coeur de sa collection.

Photo 1 : Pendentif Luba.
Photo 2 : Tête Lega.
Photo 3 : Sceptre Yombe.
Photo 4 : Masque Suku.
Photo 5 : Détail d'un nkisi kongo.
Courtoisy © Lempertz

Bestiaire du monde - Bourgogne 2018

Bestiaire du monde, arts des lointains est une exposition qui rassemble plus de cinquante objets sur le thème de l’animal et qui ouvrira à l'occasion du Bourgogne Tribal Show le 24 mai prochain.

Télécharger le Livret de l'exposition

Détours des Mondes se met aussi à l'heure du bestiaire... et la mascotte de notre stand cette année sera un imposant masque boeuf !

Venez nous retrouver à Besanceuil jeudi 24, vendredi 25 et samedi 26 !

 

Et inscrivez vous à Détours des Mondes :

Téléchargez Programme et Adhésion valable jusqu'au 1er septembre 2019

 

Photo : Vaca Bruto Bidjogo © Collection Claire et Pierre Ginioux.

Violences

Comment l'art peut-il dénoncer la violence ? S'ouvrent presque simultanément à Paris trois expositions différentes et dont le propos principal n'est pas de traiter nécessairement de cette question mais, toutes les trois à leur manière apportent des éléments de réponse, d'autant plus frappants que j'en faisais l'expérience hier, dans la même journée.

À la Maison Rouge, la première exposition est celle consacrée à Ceija Stojka, une artiste "rom" déportée à l’âge de dix ans avec sa mère et d’autres membres de sa famille, qui survécut à l'enfermement dans trois camps de concentration, Auschwitz-Birkenau, Ravensbrück et Bergen-Belsen. Il ne s'agit jamais ni dans sa peinture ni dans ses écrits dont nous pouvons lire quelques extraits, d'un nième récit sur l’horreur des camps, mais bien plutôt d'une presque touchante grâce qui crie, qui vomit la violence.

Tout près, à la Maison Rouge toujours, ce sont des Black Dolls, ces poupées Africaines-Américaines artisanales et des photographies d’époque des années 1850-1940 qui racontent une histoire des Noirs Américains, celle de la ségrégation raciale bien sûr...
Humilité de ces poupées de chiffons ou encore de bois ou en cuir... un objet intime, miroir de l'enfance, du câlin, de la douceur...
Pourtant lorsqu'elles ne sont pas tristes, émouvantes ou voire inexpressives, certaines d'entre elles dégagent une certaine violence. Je pense notamment aux Topsy-Turvy, ces poupées à deux têtes opposées sur un même corps : l’une noire, l’autre blanche, comme si elles ne pouvaient figurer que pour s'opposer.
Comme si la jupe soulevée ne pouvait faire songer qu'à un viol !

Une journée de colloque (Culture matérielle, représentations et résistances africaines-américaines (1840-1940)) se tiendra le 27 février au musée du Quai Branly -Jacques Chirac. Télécharger le programme
Puis j'ai poursuivi. Avec L'Un et l'Autre présentée au Palais de Tokyo par Jean-Jacques Lebel et Kader Attia, je savais que j'y trouverai un "laboratoire à penser" et, comme l'annonçait le communiqué de presse, deux installations phares : "la première consacrée à la fabrication dans et par les médias dominants de l’Autre absolu, comme une entité à craindre, violente et belliqueuse, le Satan, le Sauvage, le Terroriste – ; la seconde consacrée à la persistance transhistorique de l’humiliation, du viol et de la torture en tant que crimes de guerre impérialiste"...et puis des objets, forcément la volonté d'un dialogue (objets fabriqués dans les tranchées de la première guerre mondiale, masque de ventre makondé, fers d'esclaves, armure de chamane, sert-poteau électrique...) ; après la dénonciation des maux, "l'un et l'autre" allaient-ils se retrouver ?
Hélas je me suis heurtée à un grand bavardage !
Jean-Jacques Lebel qui, notamment pour dénoncer la violence, se complet dans une inflation de l'horrible, de l'ignoble, de la douleur qu'il nous exhorte à dévorer, à avaler... et rate bien évidemment son propos en laissant place à cette facilité de la construction univoque d'un discours anticolonialiste et antiraciste ; lui qui prétend bâtir des rhizomes !
J'ai butté contre des stéréotypes que les deux artistes combattent mais qu'ils reproduisent en négatif !
Heureusement qu'elles étaient là, leurs cases d'objets évoquant des corps partout absents mais qui, hantant l'exposition, disent plus en chuchotant et permettent la polysémie : des lieux propices à des rencontres d'objets ordinaires et moins communs, à la résonance qu'ils peuvent susciter dans notre imaginaire, notre savoir, notre vécu.
Entre eux, les masques de maladie semblent rire de cet état du monde : "âmes sensibles s'abstenir" ! Pourtant ils ont été réalisés pour résoudre les problèmes de la communauté, sculptés avec soin aussi à des fins prophylactiques pour le bien-être de la société.
Gardiens incompris, ils dansent sans le savoir dans un monde de brutes.
Et c'est tout bas, au travers de leur bouche grimaçante, qu'ils murmurent "nous", non pas seuls face à leur terrible reflet mais bien ensemble dans leur monde d'objets pour nous fournir matière, à la fois, à panser le corps et à penser l'âme.



Photo 1 : Sans Titre © Ceija Stojka Courtoisy Christophe Gaillard, photo de l'auteure, exposition Ceija Stojka, février 2018. .
Photo 2 : Poupée (anonyme), photo de l'auteure, exposition Black Dolls, février 2018.
Photo 3 : Topsy-Turvy, photo de l'auteure, exposition Black Dolls, février 2018.
Photos 4 et 5 : Masques de maladie, Afrique, photo de l'auteure, exposition L'Un et l'Autre, février 2018.
Photo 6 : Moai de Rapa Nui, photo de l'auteure, exposition L'Un et l'Autre, février 2018

Comment rester de pierre ?

Voilà une expression qu'il faudrait modifier ! (Peut-être est-ce à l'oeuvre puisqu'on emploie plus souvent la locution "rester de marbre"... tout aussi inappropriée). Comment a-t-on pu croire que ce matériau pouvait être froid et immuable... de là à le penser inexpressif ou insensible ?
C'était compter sans le génie des artistes de toute culture et de tout temps. J'en ai pris conscience dans une petite exposition découverte tardivement, presque à la veille de sa fermeture, dans ce charmant musée Zadkine. Le jardin était devenu lui-même sculptural puisque la neige et la glace le transformaient en un cadre minéral et hors du temps.

À l'intérieur se jouaient des rapprochements surréalistes et bienvenus : une tête de Sumba, une idole cycladique, un pomdo de Guinée équatoriale, des fétiches de chasse zuni, des pierres à magie kanak, tout cet ensemble côtoyait des pierres à images comme les nommait Roger Caillois telles les paesine, certains jaspes et agates qui savent ouvrir facilement les portes de l'imaginaire, des oeuvres contemporaines ou encore et bien sûr des sculptures du maître du lieu, Ossip Zadkine.
Etonnant aussi pendant dans l'espace, isolé, ce collier fossile réalisé par Katie Paterson...
Il ne s'agit pas d'une parure anodine puisque chaque perle représente une période particulière dans le passé lointain. Dans ce tourbillon chronologique qui forme pourtant une boucle, on peut trouver un petit fragment d'une espèce de tatou géant (découvert en Floride et ayant vécu au Pléistocène), une perle formée de Cooksonia, un genre fossile de plantes (Les Cooksonia les plus anciennes remontent à environ 425 millions d'années), un petite morceau de bois de séquoia pétrifié...bref 170 échantillons fossiles glanés dans tous les continents et illustrant de grandes ères de l'évolution de notre environnement ont été façonnés en forme de perles et forment ce chapelet fossile...

(Rassurante, la présence d'un précieux et salvateur mode d'emploi vient au secours de mon ignorance géologique et préhistorique !)

Mon post arrive un peu tard je l'avoue... puisque l'exposition s'est terminée hier ; mais on pourra se consoler en visionnant une courte video qui permet d'en faire un tour rapide :

Photos de l'auteure, février 2018 :
Photo 1 : Le sculpteur © Ossip Zadkine, 1922/1949 © Centre Pompidou, Musée National d'At Moderne.
Photo 2 : Galet gravé © Picasso, 1945 - Collection particulière.
Photo 3 : Le collier fossile © Katie Paterson

Voyage dans ma tête et au-delà

Le titre est emprunté à celui de l'exposition que La Maison Rouge présentait en 2010 : La collection de coiffes d’Antoine de Galbert était à l'honneur.
Depuis, elles ornent les murs de la salle de conférence de ce merveilleux et unique endroit de Paris à l'image de son fondateur, celle d'un homme passionné sachant laisser libre-cours aux démarches multiples et pratiques artistiques plurielles.
Mais la vie de ce lieu singulier aura une fin et celle-ci est programmée en octobre prochain avec L'envol, dernière exposition sur l'impossible rêve de voler... une métaphore ?
La collection de coiffes du monde entier d'Antoine de Galbert ira rejoindre en juin le fonds du musée des Confluences. Elles feront néanmoins l'objet d'une exposition spéciale en 2019 et deux d'entre elles seront à découvrir au sein de l’exposition temporaire « Hugo Pratt, lignes d’horizons » dès le mois d’avril prochain.

Photos de l'auteure à La Maison Rouge, 2017.

En 2018, élargissons nos horizons...

Voilà qui aurait pu être une belle formule de voeux générale, mais cette accroche se veut assez précise puisque c'est ainsi que le musée des Confluences de Lyon annonce sa programmation de l'année avec en exposition évènement Hugo Pratt, lignes d'horizon, du 7 avril 2018 au 24 mars 2019.
Regarder le très joli spot :

En 2018, élargissons nos horizons

Le coeur de l'exposition se déploiera sur les six grands territoires que l'on traverse en suivant l'infatigable héros qu'est Hugo Pratt : le Grand Océan (Océanie), l'Amazonie, les peuples du Soleil (Amérique précolombienne, île de Pâques), l’Afrique des masques et des guerriers, le temps des Indiens (d’Amérique) et le Grand Nord (américain).
Seront ainsi confrontés dessins et objets ethnographiques, issus principalement des collections du musée et de quelques emprunts à d’autres institutions.

Un rendez-vous printanier à ne pas manquer à Lyon !

Photo 1 : Capture d'écran de la video © Musée des Confluences
Photo 2 : « Papua New Ireland – J’avais un rendez-vous » d’Hugo Pratt (1994) © Cong SA. Suisse. Tous droits réservés.
Photo 3 : « Corto Maltese. La ballade de la mer salée » d'Hugo Pratt (1967) © Cong SA. Suisse. Tous droits réservés.

Quand chantent les aras dans les forêt natales

Une curieuse présentation ! Cela commence avec le titre quel que peu hermétique. "Forêts natales" ne nous renverrait-il pas à un certaine primitivité ? Le commissaire de l'exposition, Yves Le Fur, s'en défend, ayant cherché par là un consensus : il ne s'agit ni d'une exposition sur les arts du Gabon, ni d'une simple présentation de reliquaires mais bien plutôt la volonté d'aller dans le sens d'une histoire de l'art classique cernant les lignes maîtresses d'un corpus maintenant bien identifié. En ce sens, deux typologies d'objets lui semblaient nécessaires ... et suffisantes... pour mener à bien ce qu'on pourrait appeler une démonstration stylistique : les statues liées aux ancêtres (figures de reliquaires) et les masques liés aux sociétés de ces communautés traditionnelles (sociétés d'initiation, de justice...).

Le titre donc est tiré d'un poème d'Apollinaire "Fenêtres" (auquel j'emprunte également le vers en question) pour faire référence au Gabon, pays où il a grandi, mais aussi plus largement au type linguistique "Bantou de la forêt" qui peuple l'Afrique équatoriale atlantique et qui est celui ayant donné des sculpteurs de reliquaires et de masques que l'on peut découvrir dans l'exposition (contrairement au type linguistique "Bantou de la savane").

Pour comprendre l'exposition il faut donc se référer au catalogue contenant un précieux guide de recherches historiques sur les différents groupes et leurs déplacements. Est mis aussi en évidence l'importance du fleuve Ogooué qui constitue une véritable fracture entre les différents traits culturels des populations situées de par et d'autre de cette ligne de démarcation.
De là sont explicitées les connaissances des grands styles et de leurs mutations suite aux différents contacts que les migrations ont induits. Bref, au-delà d'une simple forêt de symbole, l'exposition nous donne à voir des "exercices de style" bien complexes mais passionnants qu'éclaire l'ouvrage Les forêts natales, livre de référence et de compréhension du sujet et non pas simple illustration esthétique.

Photos de l'auteure, exposition Forêts natales au musée du Quai Branly - Jacques Chirac, novembre 2017.

Des rites pour les ancêtres défunts

Une exposition passionnante qui embrasse les différents modes pour honorer les ancêtres et conserver les défunts dans une grande partie de l'archipel indonésien avec des oeuvres essentiellement empruntées au Musée National de Jakarta, telle est Ancestors & Rituals actuellement présentée aux Bozar de Bruxelles.

Tous les matériaux sont convoqués. La pierre omniprésente pour les grandes tombes sumbanaises, mais aussi les singa batak ou les osa osa de l'île de Nias, se retrouve pour cette étrange figure du Timor dont la coiffe est ornée de motifs de crocodile, de scorpions et de coq...

Ce sont encore des textiles, des bijoux en or, des perles qui accompagneront le défunt pour assurer le bien-être de son âme. Le bois sert à réaliser outre les statues bien connues, des poteaux funéraires ou encore des maisons d'esprit telle cette curieuse Balongsong du Nord Sulawezi.

L'exposition nous donne ainsi à voir et explique grâce à des cartels concis les différentes solutions qu'une mosaïque de peuples a trouvé pour répondre à l'angoissante question qu'est le passage de la vie à la mort, des rites correspondant à une tradition encore fortement ancrée de nos jours.

Photo 1 : Statuette de Florès, © National Museum of Indonesia, Jakarta.
Photo 2 : Statue en pierre de Timor.
Photo 3 : Balongsong Sulawezi, © National Museum of Indonesia, Jakarta.
Photos de l'auteure, novembre 2017.

Oceania vaste plaine

Voyage dans l'immensité est le sous-titre de cette exposition et je dois avouer malheureusement qu'il constitue une désignation fort à propos pour notre déambulation dans ces salles froides, que ne comble pas le vide abyssal du contenu des cartels...
Bref, passé ce premier coup de gueule, il faut tout de même rendre hommage aux institutions qui ont travaillé ensemble : le Musée du Cinquantenaire, le MIM et le Musée royal de l’Afrique centrale afin de présenter en commun et pour la première fois des objets de leurs collections océaniennes respectives.

Bien sûr mon coeur s'arrête toujours sur les objets mélanésiens, mais en ce qui concerne les recherches en Océanie, la Belgique est surtout célèbre pour ses missions vers l'île de Pâques et notamment celle de 1934 d'Henri Lavachery et Alfred Métraux.
Un article de Nicolas Cauwe, conservateur auprès des Musées royaux d'Art et d'Histoire, rapporte brièvement l'expédition du Mercator avec la collecte du grand moai que nous pouvons toujours admirer.

J'ai évoqué il y a peu l'excellente collection Les Carnets de Berose. Parmi ces ouvrages téléchargeables, l'un est consacré à la mission Métraux-Lavacherie à l'île de Pâques (1934-1935) et écrit par Christine Laurière. Il constitue un document intéressant sur le sujet, rappelant l’importance des recherches archéologiques et ethnologiques menées par les deux hommes :
à lire L'Odyssée Pascuane.

Photos 1, 2, 3 de l'auteure MRAH Bruxelles, novembre 2017.
Photo 4 : © Collection privée.

Hawaii au Linden-Museum

Plumes rouges, plumes jaunes et noires, canines de chiens, mais aussi dents de sangliers et de requins tels sont les matériaux les plus reconnaissables des artefacts traditionnels d'Hawaii.
250 objets sont ainsi à l'honneur et jusqu'au 13 mai 2018 au Linden Museum de Stuttgart.
Comme pour cette "effigie" du dieu de la guerre Kuka'ilimoku, l'exposition a beaucoup emprunté aux collections de l'université de Göttingen.

Ce sera en effet le sujet de l'une de mes prochaine notes dans la "saga" des artefacts polynésiens des voyages de Cook qui se déroule sur ce blog depuis l'été... car la petite ville allemande chantée par Barbara rayonnait de pleins feux sur l’Europe intellectuelle de la fin du siècle des Lumières.
George III, roi d'Angleterre depuis 1760, avait le titre de prince-électeur de Hanovre et était très sensible aux demandes d’acquisitions de « curiosités » de l’université de Göttingen. C'est ainsi qu'en 1781, il lui alloua une centaine de livres sterling pour l’achat d’objets naturels et artificiels nouvellement découverts dans les mers du Sud.
De plus, en 1799, ce sont 170 artefacts issus des collectes des Forster qui vont rejoindre la petite ville allemande et ce un an après la mort du père, Johan Reynold.
Bref une très belle collection des Mers du Sud dont cette incroyable et féroce figure, achetée par le marchand George Humphrey en 1782 (grâce à la dotation royale).

L'exposition ne se limite bien sûr pas aux objets du XVIIIème siècle. Le Linden-Museum possède une collection exceptionnelle d'oeuvres mélanésiennes et dans une moins grande mesure des objets hawaiiens. Ceux-ci sont issus de collectes diverses :
Augustin Krämer, premier directeur du Linden-Museum de 1911 à 1915, participa à une expédition entre 1897 et 1899 qui aborda Hawaii.
Il y a encore Henri de Prusse, le frère cadet du Kaiser Guillaume II qui, lors de sa préparation comme officier de marine, fit à l'âge de 17 ans un tour du monde de 2 ans. En avril 1879, en escale à Hawaii, il fut reçu par la famille royale qui lui fit des cadeaux.
Quant à Herman Wiedemann, ce fut un très jeune membre d'équipage sur un bateau baleinier au milieu du XIXème siècle qui se maria avec une Hawaiienne et qui établit en 1869 la première plantation de cane à sucre à Hawaii. Il donna quelques objets à sa ville natale Hildesheim et nous en retrouvons ici.
On admirera de grands tapa au sein de cette exposition. Ils sont issus des collections du Linden Museum mais aussi du musée d'Histoire de Berne (Collection John Webber), de Göttingen (Collection Cook-Forster), d'Hanovre et Munich.
Une belle exposition qui laisse aussi la place à la création contemporaine... il ne nous reste qu'à regretter l'absence de traduction en anglais de la plupart des cartels et surtout du beau catalogue !

Photos de l'auteure, Exposition Hawaii au Linden Museum, Stuttgart, octobre 2017.

Karawane

Il y a un peu plus d'un an, nous (i.e. un groupe de l'association Détours des Mondes) étions à Zürich à l’occasion du 100e anniversaire de Dada, et l'exposition Dada Afrika était alors présentée au musée Rietberg.
La voici revisitée à Paris, au musée de l'Orangerie. Pas simple de mettre "en forme" une rencontre entre les arts "extra-occidentaux" et un mouvement de révolte artistique, un chamboulement tel que fut Dada... Pourtant cette exposition est une réussite par la qualité des documents choisis et des pièces exposées.

Au-delà des volutes et de l'enchevêtrement présents sur les sculptures maories, probables reflets de "l'entrelacement des contraires et de toutes les contradictions" définissant le mouvement Dada, on distingue Hugo Ball sur une photographie en noir et blanc, certainement en train de réciter le "fameux" poème au cabaret Voltaire : KARAWANE.

Les sculptures africaines semblent ici paisibles face au tourbillon du désordre de Dada, de danses "cubistes" et de cacophonies joyeuses.
Dès 1917, avec notamment la galerie pionnière d'Han Corray à Zürich, elles étaient présentes et mises à l'honneur dans les expositions dadaïstes.
On ne manquera pas toute une série d'évènements au musée de l'Orangerie, et notamment de conférences autour de l'exposition.

 

"DADA lui ne sent rien, il n'est rien, rien, rien.
Il est comme vos espoirs : rien
comme vos paradis : rien
comme vos idoles : rien
comme vos hommes politiques : rien
comme vos héros : rien
comme vos artistes : rien
comme vos religions : rien
Sifflez, criez, cassez-moi la gueule et puis et puis ? Je vous dirai encore que vous êtes tous des poires. Dans trois mois, nous vous vendrons, mes amis et moi, nos tableaux pour quelques francs".

Extrait du Manifeste cannibale Dada de Francis Picabia, lu par André BRETON à la Troisième Soirée Dada au Théâtre de la Maison de l'Oeuvre, Paris, le 27 mars 1920.

Photo 1 : L'idole du pêcheur de man ray, 1927, © Collection privée, courtesy Galerie 1900-2000 Paris et Moai, île de Pâques © Rietberg Museum. Photo de l'auteure, octobre 2017.
Photo 2 : Vue de l'exposition. Photo de l'auteure, octobre 2017.
Photo 3 : Statuette Féminine du Maître de Gohitafla, © Rietberg Museum.
Photo 4 : Projet pour une affiche Dada pour l'évènement "Le Chant nègre" du 31 mars 1916, © Kunsthaus Zürich.

Un mur... de l'art... des artures

Il est des murs célèbres. "La maison que j'habite, ma vie, ce que j'écris"... ces lignes d'André Breton caractérisent parfaitement ce qui se découvre à nos yeux ici, et bien sûr l'analogie devient immédiate avec "son mur" sanctuarisé au Centre G. Pompidou. Plus proche de nous, le Mur d'Antoine de Galbert, cet accrochage commandé par un programme informatique en fonction de la dimension des oeuvres, nous interpelle : l'aléatoire est à l'oeuvre dans toute sa splendeur pour des rencontres fortuites assurées !
En histoire, j'ai toujours eu de la nostalgie pour le Mur d'Hadrien mais moins pour celui d'Antonin, peut-être parce que le premier faisait mention du fameux empereur que Marguerite Yourcenar a immortalisé comme celui qui se "sentait responsable de la beauté du monde" et cela me plaisait bien... mais tout cela était bien loin de toute considération philosophique sur le mur et la séparation, le conflit, et surtout celle, vécue, sur l'exclusion et inexorablement la tragédie...

Cette fois-ci, au LAM, la rencontre fut révélatrice et heureuse, quoique trop tardive.
Révélatrice d'un artiste qui m'était inconnu, Yüksel Arslan, non pas venu en prolongement de l’exposition André Breton et l’art magique comme l'indique le communiqué de presse mais bien plutôt comme la figure centrale d'une exposition dont il aurait dû être le chef d'orchestre.

Si on en juge simplement par ce portrait, il fut probablement un de ceux qui ont dû aimer les hommes à la folie. Ou leur folie. Il créa ainsi ses "artures" entre l'art et la peinture disait-il ; des "quelques choses" débordant des cadres : des images foisonnantes, de folles écritures, des montages divers et impossibles...
Arslan s'est éteint ce printemps au coeur de son mur-univers.

Photo 1 : de l'auteur, LAM, octobre 2017.
Photo 2 : Yürksel Arslan dans son bureau parisien, photo © Éric Mérour.
Photo 3 : Arture 466
Photo 4 : Détail. Arture 813 (inachevé)

Ecrivain du Monde

Marseille. J'évoquais il y a peu la nouvelle exposition à la Vieille Charité : Jack London dans les mers du sud.
Une occasion pour les amateurs d'arts classiques océaniens de découvrir de beaux objets, collectés pour certains par Jack London, méconnus car conservés depuis des décennies dans le museum California State Parks ; mais aussi prêtés par de nombreux musées : le MAAOA de Marseille bien sûr, la Fondation Barbier-Mueller, le musée des 5 continents de Münich, les museums d'histoire naturelle de Lille, de Rochefort, de La Rochelle, le musée d'Aquitaine de Bordeaux, le musée de la Castre de Cannes, le musée du Quai Branly-Jacques Chirac...et d'autres encore collections publiques et privées...
C'est dire l'ampleur des pièces exposées pour cette manifestation...
Et pourtant, ce n'est ni la quantité ni la qualité des oeuvres qui éblouit lorsqu'on visite l'exposition, c'est l'ampleur du "Tout" :
les photographies, les livres, les documents manuscrits s'y mêlent pour rendre compte de l'épaisseur des mille vies que vécut Jack London et du regard porté et sur lui et sur les Autres.
Les objets sont tout de même là, témoins.
Dans The Cruise of the Snark on peut lire au sujet de ce poteau des Salomon :
"Cette vieille idole continuera à ricaner quelque part chez moi jusqu'à ma mort. De nous deux, c'est elle qui gagnera la partie, car elle rira la dernière."

Phrase prémonitoire puisque quelque temps après l'escale aux Salomon à l'été et automne 1908, Jack est de plus en plus malade et le San Francisco Examiner titrera le 5 janvier 1909 l'obligation pour Jack de renoncer à poursuivre son voyage.
Curieux retournement de destin pour celui qui, au fait de sa célébrité en 1905, décida de tourner le dos à cette Amérique qui le portait alors aux nues, et entamer un voyage de sept ans à bord du voilier qu'il construisit, le Snark, afin de se remettre en question, de se réinventer, de devenir ce que devait être à ses yeux un "écrivain du monde."
Une vie d'engagement bien sûr, le mot n'est pas trop fort.
La réussite que sera celle de cette exposition, je n'en doute pas, tient probablement à notre profond désir de ce type de témoignage. Témoignage de la force qui anime un homme pour faire ce qu'il dit, jusqu'au bout.
Les objets exposés ne se contentent plus alors de résonner dans le vide de leur esthétique propre mais dans notre volonté suscitée pour en savoir plus sur le parcours d'un homme auquel on voudrait s'identifier, oser partir ainsi, oser risquer... et par suite s'embarquer, faire le chemin, rencontrer ces cultures lointaines, les hommes de ces sociétés qui ont réalisé ces objets... en savoir plus.
Les photographies sont ici bien précieuses !
Ce que démontre une telle exposition, c'est qu'une "visite au musée" ce n'est pas seulement une expérience intellectuelle. C'est bien sûr la nécessité de déclencher l’émotion chez le visiteur.
Mais, lorsqu'on peut suivre comme ici le parcours d'une vie (et quelle vie "de météore" !), c'est donner du souffle, du courage, faire croire aux paroles prononcées par Martin Eden (et donc Jack) jusqu'à les faire nôtres : "J'y arriverai, même si je dois marcher sur les genoux."

Photos de l'auteure dans l'exposition Jack London dans les mers du sud, La Vieille Charité, Marseille, septembre 2017.

Un automne Pacifique

Sans malheureusement préjuger des états d'âme de nos sociétés, c'est un automne "pacifique" qui nous attend dans deux grands musées européens : Océania, au Musée du Cinquantenaire faisant appel aux collections océaniennes des Musées royaux d’Art et d’Histoire mais aussi du Musée royal de l’Afrique centrale, à partir du 26 octobre
Deux cents objets seront ainsi exposés, provenant de Papouasie, de Nouvelle-Calédonie, de Micronésie, des Fidji, de Tahiti, des Marquises, de la Nouvelle-Zélande, d’Hawaii ou encore de l’île de Pâques et, de manière plus contemporaine, l’œuvre de l’artiste-plasticien tahitien Jean Paul Forest.

Plus resserré géographiquement, le Linden-Museum de Stuttgart proposera à partir du 14 octobre une grande exposition sur les arts d'Hawaii. Là aussi deux cents oeuvres classiques seront exposées ainsi que quelques réalisations contemporaines.
Deux grands évènements à ne pas manquer !

Photo 1 : Vitrine de l'exposition Oceanie. Île de Pâques. Photo de l'auteure au MRAH, Bruxelles, 2008.
Photo 2 : Détail d'une vitrine consacrée à Hawaii. Photo de l'auteure au musée ethnographique de Berlin, 2015

Jack London dans les mers du sud

Le premier voyage proposé à nos membres pour la saison 2017/2018 : Marseille fin septembre avec notamment la nouvelle exposition sur Jack London au programme à La Vieille Charité !
De 1907 à 1909, Jack London parcourt le Pacifique Sud avec son épouse à bord de leur voilier, le Snark : Après Hawaii, ils mettent le cap vers les Marquises, les îles de la Société, les Fidji, le Vanuatu et enfin les îles Salomon. Jack est néanmoins gravement malade et il doit mettre fin à ce périple.
Des objets ont été collectés lors de ce voyage mais ils ne sont pas très connus, conservés en Californie. L'exposition Jack London et les Mers du Sud du 8 septembre au 7 janvier 2018, sera l'occasion de les découvrir accompagnés de photographies et d'autres artefacts océaniens prêtés pour l'occasion par de nombreux musées.

En outre du 8 au 10 septembre, diverses manifestations se dérouleront à Marseille autour de cette exposition.

Pour en savoir plus, télécharger le dossier de presse
et consulter
le site Jack London Aventure.

Photos © T.D.R.

Folie circulaire

Cuba. Au coeur du Palo Monte, les nganga, ces chaudrons "agissant" qu'ont fabriqués les paleros, sont de véritables "corps" conducteurs, semblables à des piles prêtes à fournir une énergie aux maîtres de leur nfumbi, cet esprit du mort dont le crâne réside en leur intérieur.
Au centre de l'espace rituel, la nganga tient la place du poteau mitan que l'on trouve dans le vaudou haïtien, c'est-à-dire celle d'un axis mundi, et avec elle, les firmas, des dessins tracés sur le sol vont être au coeur de l'action.
Véritables "signatures des dieux", elles sont des aides pour les intercesseurs ; ce sont elles qui vont diriger l'action, vont indiquer la mission assignée au nfumbi, ce sont elles qui « rendent manifeste l’action des agents non humains mobilisés dans le rituel »(J. Bonhomme & K. Kerestetzi, 2015).


Paris. La Maison Rouge.Exposition Inextricabilia. Se déroule sur le sol d'une des grandes salles, une série de signes blancs : des bandes de tissu déchiré, ordonnées d'une certaine façon, en forme d'étoiles, de flèches. La matière questionne et émeut, deux petites et vieilles photos rendent compte de cette oeuvre en situation, il y a un moment déjà.
Une oeuvre de Marie Lieb.

Allemagne. 1894. Des photographies sont prises de la chambre de Marie Lieb, une chambre d'asile où elle est internée et où elle ne cesse de construire ces arrangements éphémères. Bandes de tissus inexorablement liées à sa vie.

Heidelberg. Collection Prinzhorn. 2011. Charlotte McGowan-Griffin retrouve ces deux photographies. Artiste inconnu. Date 1894. Le dossier médical de la patiente Marie Lieb n'existe plus.
Charlotte mène des recherches et en 2016, elle retrouve le dossier de Marie.
Folie circulaire est le titre du court-métrage qu'elle vient de réaliser sur ce sujet.

Photo 1 : in Les signatures des dieux. Graphismes et action rituelle dans les religions afro-cubaines‪ par Julien Bonhomme et Katerina Kerestetzi in Gradhiva 2015/2 (n° 22).
Photo 2 : Détail du travail de Marie Lieb reconstitué, La Maison Rouge, photo de l'auteure juin 2017.
Photo 3 : Extraite du site Folie circulaire.

Inextricabilia

Une exposition que j'attends, bientôt à la Maison Rouge... parce qu'elle doit mêler, entremêler même, des objets échos des préoccupations universelles rencontrées dans toute les civilisations géographiquement et/ou temporellement éloignées.
Une nécessité que j'évoquais sur ce blog l'année dernière au travers des travaux de Judith Scott qui seront naturellement présents dans cette exposition.

Le titre qu'on a du mal à prononcer parce la langue peine à terminer le mot, reflète à l'avance la complexité des enchevêtrements auxquels nous allons nous heurter car ce qu'il cache sous ses syllabes relève de l'incompréhensible parce que de l'enfoui.
Nous qui sommes amateurs d'art lointain, avons déjà rencontré dans son champ ces "choses" bien souvent "dieux-objets" (cf. Marc Augé) où la divinité choisit de se "représenter" au creux de la matière brute ou simplement de l'inanimé. Ainsi en est-il de ces to'o.
Avec eux, il ne s’agit pas d’un trop plein de matières accumulées comme il en est avec les objets vaudou, un « je ne sais quoi » de « pâte du monde » malaxée, fourrée d’ingrédients multiples ; mais un travail précis, d’entortillement, de ficelage, d’éléments enchevêtrés. Là, les mots ont été liés dans l’objet, la parole choséïfiée. Existe-t-il une fin à ce processus ? Si tel est le cas, il aura fallu une forme limitée pour faire advenir une présence. Je préfère penser qu’elle n’a pu finir que lorsque la parole a été liée et par conséquent ne pouvait connaître les limites de son enveloppe.

Mais qu'ils soient contemporains ou issus d'arts traditionnels, ces objets sont agissants parce qu'ils soignent, protègent, exorcisent... Et si l'on semble ne discerner au premier regard qu'un simple fatras, un chaos insensé ; ne doutez jamais qu'il ne s'agit là que d'une apparente confusion dans laquelle la structure cachée permet à "ceux qui savent", les chamanes, les poètes ou les fous, de tenter de réparer les désordres du monde.

Photo 1 : Détail de l'escargot, oeuvre de Judith Scott, fin années 90.
Photo 2 : Détail d'un to'o © The Metropolitan Museum, photo de l'auteure 2011.
Photo 3 : Sans titre, Nedjar, Michel - v. 1981. Sculpture de chiffons et ficelles enduits de terre séchée haut. 50 cm © crédit photographique Collection de l’Art Brut, Lausanne.

Le sensible et la force

J'emprunte ce titre à l'ouvrage de photographies de Hugues Dubois paru en 2004 sur la sculpture Songye. Ce sont les mots qui me sont venus à l'esprit en découvrant l'exposition qui se tient à La Nonciature actuellement à Bruxelles à l'occasion de CULTURES, The World Arts Fair

Un choix forcément subjectif opéré par Serge Schoffel en fonction des contraintes de prêts et de temps mais qui fonctionne entre Afrique et Océanie donnant à voir la puissance d'oeuvres réalisées ici pour servir à légitimer une généalogie, là pour servir telle ou telle fonction rituelle en direction des défunts ou des jeunes initiés.

L'exposition est accompagnée d'un catalogue remarquable dont les articles écrits par Viviane Baeke (Figures de pouvoir, figures de mémoire (Sud-Est de la RDC) ; La mort n'est pas une fin (Le rôle de la statuaire Songye dans le cycle de la vie) et Du savoir thérapeutique au pouvoir politique (La statuaire rituelle des Yaka et des Suku de la RDC) apportent des contributions nouvelles et éclairantes sur une partie de la statuaire de RDC dont on on peut admirer ici de superbes représentants. Je n'oublie pas non plus Frédéric Cloth, connu dernièrement par ses études pointues sur les Kota, qui interroge ici les statues du byeri Fang.

Ne manquez pas leur conférence : Vivane Baeke samedi 9 juin et Frédéric Cloth, dimanche 10 juin.

Photos de l'auteure, juin 2017 à Bruxelles
Photo 1 : Figures Bete et Songye.
Photo 2 : Buste Tabwa.
Photo 3 : Figure Kopar, Bas-Sepik.
Photo 4 : Porteuse de coupe Luba

Naître et Être en Afrique - Conférences

Annoncée il y a un moment déjà, la prochaine exposition de l'association MUVACAN débutera le 2 juin à l'Espace Cosmopolis de Nantes et traitera de "Être et Naître en Afrique".
De nombreuses conférences sont prévues autour de l'évènement :

Consulter le programme
Parmi elles, je ferai une présentation intitulée Des initiés hors normes en Afrique Centrale le lundi 12 juin à 18h.
Le point de vue que j'adopterai est de considérer la construction d’hommes particuliers (grands initiés, devins guérisseurs, chamanes) comme une vaste et complexe variation sur le thème du franchissement des limites.

Quels sont ces individus hors normes ? Peut-on, et si oui, comment fabriquer ces personnes singulières ?
Cette recherche nous conduira de l’homme-léopard chez les Bembé du Congo, à l’homme-compliqué du Centre Gabon qui nait des pratiques du Bwete ou encore à l’homme-rusé que constitue le Nganga Kongo.

Photo 1 : Détail d'une Pfemba Yombé, © MQB-JC 73.1994.1.1
Photo 2 : Statuette Tsogho © Collection particulière in Tsogho. Les icônes du Bwiti de Bertrand Goy, Bernard Dulon (Ed.)

L'effet Boomerang

Titre question... de quoi s'agit-il ? Je crois que la réponse réside dès la toute première oeuvre de l'exposition consacrée aux arts d'Australie qui ouvre ce jour au Musée d'Ethnographie de Genève.
En effet, dans Undiscovered #4 , Michael Cook semble inverser l'histoire... et si les Européens avaient considéré les peuples qu’ils rencontraient comme « civilisés », tel cet aborigène vêtu d'un beau costume selon les goûts occidentaux. Si James Cook n’avait pas déclaré l’Australie Terra Nullius ; la première colonie pénitentiaire britannique se serait-elle installée à Botany Bay en 1788 ?
Réécrire les rencontres, s'insurger contre un discours dominant... c'est ce que font les artistes contemporains invités à prendre ici la parole. Le dialogue, à l'image du mouvement du boomerang, force ce retour.
Les mots "L'EFFET BOOMERANG" sont placés tels, qu'ils se reflètent judicieusement dans ce tableau, à l'envers bien sûr ; mais n'est-ce pas là une oeuvre qui se forme dans l'autre y ajoutant des symboles : incompréhension des cultures, mépris des uns qui ne voient que du vide, du blanc (à l'image des murs de l'entrée de l'exposition) là où il y a de la vie, du plein (les murs suivants sont emplis d'objets de la culture matérielle aborigène)...


En retour, l'artiste Brooke Andrew, né Wiradjuri par sa mère, ouvre des fenêtres désordonnées dans son univers empli de graffitis afin de porter son regard vers les objets des collections, ou nous fait encore tourner la tête dans sa boîte saturée de lignes blanches et noires, fascinantes comme les rarrk des peintures aborigènes qui permettent de faire advenir l'ancestralité ; mais ici c'est pour mieux nous perdre, nous questionner.


Contre cette relation à sens unique où les objets allaient autrefois se "sanctuariser" dans les musées occidentaux, Roberta Colombo-Dougoud, commissaire de l'exposition, questionne aussi le rôle d'un musée ethnographique au XXIème siècle. Au travers de cette présentation, si elle milite pour des échanges avec les communautés sources, c'est parce qu'elle voit dans le musée la possibilité de devenir un véritable espace de médiation, de négociation ; une "zone de contact".
Un objet très émouvant est exposé : il s'agit d'une main humaine de la fin du XIXème siècle. On perçoit mal la possibilité de sa présence par rapport à la question si sensible et légitime de présentation de restes humains.

À ce sujet Roberta Colombo-Dougoud écrit :

"Une autre forme de collaboration entre le MEG et les communautés sources est symbolisée par la main bret, donnée par le collectionneur genevois Maurice Bastian en 1960 (MEG Inv. ETHOC 028279). Autrefois, chez les Kurnai du Gippsland (Victoria), après un décès, l’une ou les deux mains du défunt étaient prélevées, fumées, puis équipées d’un cordon en peau d’opossum. Le bret était porté par un proche (parent, enfant, frère ou sœur) directement sous le bras gauche. À l’approche d’un danger ou d’un ennemi, la main se mettait à pincer ou pousser le porteur. Ainsi averti, celui-ci plaçait la main devant son visage et lui demandait de lui indiquer la direction d’où venait le péril. La réponse était donnée par des vibrations. Déjà en 1878 Robert Brough Smyth avait mentionné que de telles mains étaient gardées en souvenir de la personne aimée décédée.
Sur le conseil de Brook Andrew, j’ai contacté la Boon Wurrung Foundation qui représente les peuples Kulin (les Boonwurrung et les Woiwurrung), propriétaires traditionnels et gardiens des terres concernées. Après plusieurs échanges d’informations et courriels, le MEG a obtenu de la part de Carolyn Briggs, leader (arweet) de la Boon Wurrung Fondation, l’autorisation d’exposer ce reste humain et de montrer la main bret dans le catalogue. Nous lui sommes très reconnaissant-e-s pour sa compréhension et pour nous avoir démontré que la négociation avec les communautés sources représente des ouvertures plus que des fermetures".

L'exposition est dense. Dans les quatre parties qui la composent, on trouvera encore des installations sur les thèmes visible/invisible ; absence/présence comme ces deux arbres gravés qui ont été coupés (symboles de l'éradication des peuples autochtones) ; mais aussi l'historique des acquisitions des objets australiens qui se trouvent dans les collections du MEG, témoins de l'évolution du regard des Occidentaux puisqu'elles nous conduisent aux peintures acryliques mais aussi à une grande diversité d'oeuvres aux multiples supports et techniques : bronze tel le monumental Dugong d'Alick Tipoti qui trône dans la 3ème partie, filets de pêches du Centre d'Art d'Erub (déjà évoqués) et bien sûr les écorces et la toile...


On l'aura compris, cette exposition foisonnante révèle mille et une facettes de l'art aborigène traditionnel et contemporain, et pose des questions actuelles et universelles quant aux relations de l'art et du politique (cet art qui fut dès les années 60 outil de revendications aborigènes), de la place et du rôle d'un musée ethnographique au XXIème siècle et surtout de l'espace pour la parole de l'Autre.


Photos de l'auteure, MEG mai 2017.
Photo 1 : Undiscovered #, © Michael Cook
Photo 3 : Installation de Brooke Andrew.
Photo 4 : Main bret, © MEG ETHOC 028279

Le grand Bleu

C'est d'Indigo dont il s'agit : Indigo quand tu nous tiens est une exposition présentée jusqu'au 24 mai à la Maison de l'Artisanat et des Métiers d'Art de Marseille.

Liliane et Armel Chichery ont patiemment collecté vêtements et tissus aux cours de leurs nombreux voyages de par le monde et nous offrent ici un étourdissant plongeon dans le bleu...

L'artiste Ysabel de Maisonneuve apporte aussi une belle contribution avec ses oeuvres dont le bleu tente d'accrocher le vent qui semble les parcourir.

"Homme libre, toujours tu chériras la mer !" écrit le poète... peut-être parce que nous sommes des hommes du rivage dont le regard sait se perdre entre terre et ciel, parce que nous sommes capables de rester immobiles, à scruter des heures entières, comme hypnotisés par les différents bleus qui s'ingénuent à nous faire croire en l'infini.
Ils nous manipulent comme nous l'avons fait avec eux, les associant à la Vierge, la royauté, l'aristocratie ou au peuple (par exemple le jean).
Mais le bleu ne se laisse pas attraper, il n'est pas une couleur comme les autres. Qu'il soit profond ou léger, il est une invitation au rêve, à l'ivresse de l'évasion.
À consommer donc sans modération.

Photo de l'auteure, Marseille, mai 2017.

Une vie suffit parfois...

Préparation du programme de l'association Détours des Mondes pour la rentrée de septembre prochain...
Un premier voyage sera proposé à nos membres, deux jours à Marseille sur les traces des aventuriers des mers (MUCEM) et surtout celles de Jack London dans les Mers du Sud, thème de l'exposition qui débutera à la Vieille Charité le 7 septembre prochain.
Une vie suffit parfois ... pour vivre mille vies... celle d'un homme en tout cas qui "veut brûler tout son temps".
Jack London, on sait de lui qu'il était écrivain, auteur de Croc-blanc et de L'Appel de la forêt... parfois on en sait un peu plus : il fut marin, pilleur d'huîtres, vagabond aux Etats-Unis, chasseur de phoques en mer de Béring, reporter à Londres, correspondant de guerre au Mexique ou encore en Corée et au Japon...un météore superbe qui mourut à 40 ans !
Que sait-on de son voyage dans les mers du Sud ?

Début d'année 1906. Le Snark, ce qui devait être un fringant deux-mâts, est en construction dans les chantiers navals de San Francisco. Le départ est prévu pour octobre emmenant Jack London et son épouse Charmian vers le Sud. C'est sans compter sans le terrible tremblement de terre du 18 avril qui ravage la ville. Le voilier partira néanmoins un an plus tard, pas vraiment prêt et flanqué d'un équipage inexpérimenté. À Hawaii, les London font effectuer de nombreuses réparations et débarquent l'équipage incompétent. James Warren Langhorne sera le nouveau capitaine et il mènera le Snark à travers le Pacifique pour une première escale aux Marquises qu'ils atteindront le 6 décembre 1907.

Le couple collecte pour la première fois des objets et des vêtements qu'ils expédieront en Californie. Puis ils découvrent Tahiti, Raiatea, l'archipel des Samoa. Le Snark quitte la Polynésie en mai 1908 et met cap vers les Nouvelles-Hébrides puis les îles Salomon. Aux yeux des London, tout est devenu inhospitalier, le climat, le paysage, les gens... leur santé même s'est fortement dégradée. Leur périple s'achèvera pour ces raisons médicales, Jack sera un moment hospitalisé à Sydney et le voilier vendu.
La moisson littéraire est riche puisque c'est à bord que Jack London écrira Martin Eden et ses expériences polynésiennes et mélanésiennes nourriront bien des nouvelles et romans qu'il écrira par la suite.
Quant à l'exposition à découvrir à La Vieille Charité cet automne, on nous promet une sélection d'oeuvres issues des collections du MAAOA et autres musées d'"art premier" présentées aux côtés des objets rapportés par Jack London lui-même... et encore "des documents rares ou inédits, des tirages photographiques issus de clichés des collections de la Huntington Library de San Marino et des Parcs de Californie, des objets historiques (objets de marine, appareil photographique, caméra, gramophone)"... à suivre donc avec beaucoup d'intérêt.

Photo 1 : © Huntington Library.
Photo 2 : Le Snark au port © Huntington Library.
Photo 3 : Jack et Charmian à bord du Snark entre 1907 et 1908 © Huntington Library.
Photo 4 : Marquisiens posant à côté du gramophone des London, île de Nuku Hiva, Marquises, décembre 1907 - photographie de Jack London.

La Parisienne et les figures exotiques

Dessin prémonitoire ? 110 ans après sa visite au musée "affreux" du Trocadéro, lui qui affirmait en boutade "L'art nègre, connais pas !"... me voilà parisienne à m'extasier au Quai Branly devant ses dessins et bien sûr des "Nègres", comme il aurait dit !
Une occasion de tordre le cou aux idées reçues : "Picasso" ce n'est pas une représentation occidentale de tel ou tel objet d'art lointain qu'il aurait pu découvrir, ce n’est pas la copie de tel ou tel masque, ni le portrait de "primitifs", mais, au-delà de la volonté de rejeter les conventions (ce qui est commun à de nombreux artistes du XXème siècle), c'est avoir su tirer parti de la marge de manœuvre que ces artefacts inspiraient, avoir su arracher l'oeuvre à toute limitation esthétique et l'avoir par dessus tout considérée comme une force agissante et magique !

« On parle toujours de l’influence des Nègres sur moi. Comment faire ? Tous nous aimions les fétiches. Van Gogh dit : « L’art japonais, on avait tous ça en commun. » Nous c’est les Nègres. Leurs formes n’ont pas eu plus d’influence sur moi que sur Matisse. Ou sur Derain. Mais pour eux, les masques étaient des sculptures comme les autres »…

Ce qu'il a senti plus que tout autre, c'est que :

« les masques, ils n’étaient pas des sculptures comme les autres. Pas du tout. Ils étaient des choses magiques. Et pourquoi pas les Egyptiens, les Chaldéens ? Nous ne nous en étions pas aperçus. Des primitifs, pas des magiques ! Les Nègres, ils étaient des intercesseurs, je sais le mot en français depuis ce temps là. Contre tout ; contre des esprits inconnus, menaçants...
Si nous donnons une forme aux esprits, nous devenons indépendants... J’ai compris pourquoi j’étais peintre..... Les Demoiselles d’Avignon ont dû arriver ce jour-là mais pas du tout à cause des formes : parce que c’était ma première toile d’exorcisme, oui ! »
La tête d’obsidienne, Malraux,1974, entretiens de 1937

La magie de l'exposition Picasso Primitif qu'Yves Le Fur sait si bien distiller, c'est justement de nous montrer qu'au-delà des correspondances les plus convenues comme celle d'un masque Grebo et d'une guitare (Impossible de rejouer "Primitivism" in 20th Century Art de 1984), au-delà des rapprochements de formes picassiennes avec d'autres africaines, il y a toute la force et la pertinence des oeuvres du Pacifique pourtant "accolées" à nos références surréalistes qui surgit dans cet univers.
Et cela n'est pas si surprenant.

Le corps, le visage... il fallait oser les bousculer pour aller jusqu'à la défiguration. Le corps pour nous c'est un point de départ mais Picasso se devait de ne pas penser ainsi.
Or, le corps pour des Mélanésiens, c'est le fruit d'un processus de fabrication sociale. Les représentations de la procréation, de la croissance et de la mort sont éminemment éloignées des nôtres ; ainsi par exemple, les os viennent de la substance masculine alors que le sang, la chair, la peau viennent de la femme. On peut dire que c'est véritablement de "l'intérieur" que l'individu fait l'expérience physiologique de la différence des sexes.
La personne se construira au fil des évènements qui ponctuent sa vie : Initiations, échanges, mariages, funérailles.

Une personne mélanésienne qui est donc disloquée, puis composée, travaillée, fabriquée, presque malaxée aurait-on envie de dire.
On a l'impression que Picasso aurait pu penser de cette manière, voyant les formes sous des sens multiples... et puis peut-être aussi avec une bonne dose de provocation et d'humour....

pour imaginer les figures (souvent féminines) sous leur jour grotesque, dévoreur, monstrueux !
"O Beauté! monstre énorme, effrayant, ingénu!" ... il n'était pas le seul à voir ainsi, semble-t-il !


Photos de l'auteure, musée du Quai Branly- mars 2017
Le titre est inspiré de celui du dessin de Picasso (photo 1) "La Parisienne et figures exotiques" daté de l'automne 1906, © Musée national Picasso-Paris, Dation Picasso 1979 - inv. MP490.

Sillages - Silences - Soulèvements

L'année dernière, l'artiste Joana Choumali exposait sa série de photographies Hââbré, montrant ce qu'elle appelle une "dernière génération" de personnes africaines scarifiées car de nos jours cette pratique est souvent considérée comme barbare ou rétrograde.

J'ai pensé à ces visages aujourd'hui en visitant l'exposition de Stéphane Thidet à l'Abbaye de Maubuisson.
Le déplacement de ces lourdes pierres qui a produit les scarifications de la terre a modelé cet espace. Placés pourtant à l'horizontale, on ressent la pesanteur de ces rochers. J'ai vu dans ces sillons des larmes dont les extrémités se seraient pétrifiées dans leur course silencieuse contre la douleur.

Il n'y a pas de larmes sur ces beaux visages, plutôt de la fierté. Pourtant, certains ressentent leurs cicatrices comme de la pesanteur parce qu'ils sont parfois ou peut-être souvent, exclus. Mis à l'écart d'une uniformité urbaine, écartés d'un monde...
On imagine les moines sur ces lits de l'abbaye eux aussi à l'écart d'un monde, pour le choix d'une vie austère mais voulue.
Et si l'on peut croire que l'espoir réside dans ces arbrisseaux bourgeonnant, images d'une nature nourricière, d'un printemps fertile, d'une jeunesse renaissante ; ceci n'est qu'un leurre.

Si les branches tendent vers le ciel et n'ont pas la pesanteur des pierres comme pouvait le ressentir Sisyphe, celles-ci portent les germes d'un fruit, à l’arôme poivré et légèrement amer mais surtout anaphrodisiaque.
Insomnies est le titre de cette installation qui entre dans le cadre de cette exposition intitulée Désert.
Alors à l'espace de paix, de méditation, de sérénité qu'on imagine en ces lieux, se substitue le vide, la solitude, la stérilité.
Mais quittant ces pensées sombres, je me souviens des lignes d'Albert Camus :

"Je laisse Sisyphe au bas de la montagne! On retrouve toujours son fardeau. Mais Sisyphe enseigne la fidélité supérieure qui nie les dieux et soulève les rochers. Lui aussi juge que tout est bien. Cet univers désormais sans maître ne lui paraît ni stérile ni futile. Chacun des grains de cette pierre, chaque éclat minéral de cette montagne pleine de nuit, à lui seul, forme un monde. La lutte elle-même vers les sommets suffit à remplir un coeur d'homme. Il faut imaginer Sisyphe heureux".

Photo 1 © Joana Choumali.
Autres photos de l'auteure, abbaye de Maubuisson, mars 2017.

Jouer les jeux les plus beaux

La fameuse et impérieuse sentence de Schiller : "L’homme ne joue que là où dans la pleine acception de ce mot, il est homme, et il n’est tout à fait homme que là où il joue" peut donner libre cours à des interprétations diverses voire contradictoires ; en tout cas classiques ou romantiques. Et si encore "la beauté est le chemin qui mène à la liberté", on sait que ces chemins sont tortueux car la beauté est "étrange"...
Alors jouons donc, mais cartes sur table, avec l'ivoire, l'écaille de tortue ou du simple carton... en prenant plutôt ce qui pourrait être des chemins de traverse qui nous mèneront cette fois-ci en Inde.
Car les ganjifas indiens, plus qu'un invitation au voyage, sont à eux seuls des mondes, des univers clos dans le cercle parfait de leur forme pourtant ouverts sur un imaginaire foisonnant.
Il y a des ganjifas moghols qui donnent à voir au travers de leurs huit couleurs de douze cartes, la cour, le roi et ses ministres, des musiciens et des danseurs... toutes les scènes classiques du répertoire des peintres de miniatures indiennes...

Il y a aussi et surtout les cartes inspirées des incarnations de Vishnou, les ganjifas des dix avatars ; ceux à douze couleurs suggérant les signes du zodiaque, ceux inspirés du Ramayana...

Un château de cartes à découvrir, que dis-je un palais des merveilles... au musée français de la carte à jouer d'Issy-les-Moulineaux jusqu'au 23 avril.

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Photo 1 : Ganjifa moghol de fantaisie. Nava-Graha Chhad - Mysore (Karnataka), 19ème siècle. © Coll. Deutsches Spielkartenmuseum Leinfelden-Echterdingen. Würrtemberg (ancienne collection Rudolf von Leyden).
Photo 2 : Roi de Matsya d'un jeu de ganjifas des avatars. Murshidabad, début 19ème siècle - Ivoire peint © Coll. Jeff Hopewell
Photo 3 : Pile de ganjifas
Photos de l'auteure, musée Français de la carte à jouer d'Issy-les-Moulineaux. Janvier 2017.