Détours des Mondes

Le lieu du blanc ou croire en l'improbable

Ce petit texte est né d’un manque.
Non pas d’un vide psychanalytique, d’une angoisse métaphysique, ni d’un néant philosophique ; mais de l’existence d’une page blanche depuis un bon mois sur ce blog. Première fois délaissé depuis sa naissance, il y a plus de 15 ans ! Non pas un manque d’inspiration. Comment cela pourrait-il l’être avec un tel sujet ? Mais plutôt besoin d'une pause, d'une parenthèse !
Un grand espace blanc ! Mais, s’il le fallait, rappelons que la couleur blanche existe dans les arts traditionnels, qu'elle est souvent associée à la mort et au deuil, à l’image du masque des veuves.
C’est une couleur de passage s’il en est : elle marque le visage de l’adolescent qui va être initié selon le schéma classique de la mort et de la renaissance.
S’il nous semble difficile de dissocier le blanc comme perception du sentiment du vide, c’est peut-être parce que selon la fameuse formule d’Aristote « la Nature a horreur du vide » et que nous voyons dans une surface lisse et immaculée, le miroir de nous-mêmes et du monde, le vertige de notre liberté.
Certes, la pensée du vide anime les spiritualités de l’Extrême-Orient, mais elle nous est moins familière en Occident. Quant à l’expérience d’un trop-plein inanimé, elle ne nous est pas non plus coutumière… Ainsi, lorsque dans certaines régions d’Afrique de l’Ouest surgissent des objets saturés de matière qui sont des « dieux », ces surplus de puissance nous interrogent profondément, car ils nous portent à croire que le surnaturel se place du côté de l’inerte. C’est le même sentiment de malaise qui est à l’œuvre lorsqu’Antoine Roquentin a la « révélation » de ce qu’est l’existence : « la pâte même des choses […] Ou plutôt la racine, les grilles du jardin, le banc, le gazon rare de la pelouse, tout ça s’était évanoui : la diversité des choses, leur individualité n’était qu’une apparence, un vernis. Ce vernis avait fondu, il restait des masses monstrueuses et molles, en désordre — nues, d’une effrayante et obscène nudité […]. »
Vide ou plein, matière ou esprit ? À la recherche probable de souffles vitaux.
Mais ne dit-on pas aussi que le blanc est la couleur de l’aube, et par suite la promesse de l’aurore et du jour qui se lève…

Photos de l'auteure, 2018.

Noël 2020

 

Joyeuses Fêtes !

 

 

Photo : réalisée à partir de la tête d'une statue Ngbaka © Musée de Tervuren EO.0.0.9200, photo de l'auteure, 2019.

Pour un regard de vous

Photo de l'auteure au Sainsbury centre for visual arts, Norwich, 2019.

Noël 2018

Il pourrait ressembler à un père Noêl exotique, entre tradition et modernité !
Loin de moi l'idée de caricature, il s'agit seulement d'un homme qui, dans un léger sourire, semble exprimer interrogation ou peut-être des pensées bien plus lointaines et différentes des nôtres.
Mais aller au-delà du visage comme simple forme, s'interroger sur la vulnérabilité et le dénuement de l'individu et non pas considérer l'autre comme un être impersonnel, telles sont les bases des réflexions d'Emmanuel Lévinas (décédé un 24 décembre 1995) !
Le visage d’Autrui me convoque à la responsabilité, n'est-ce pas l'un de ses messages des plus importants et diablement d'actualité !

Photo de l'auteure au festival du Mont Hagen, août 2018.

Voeux 2018

Photo 1 : de l'auteure au musée d'ethnographie de Neuchâtel, novembre 2017.
Photo 2 : Le jardin des délices d'Emoji © Carla Gannis
(avec un léger ajout de chapeaux de père Noël)

Un mur... de l'art... des artures

Il est des murs célèbres. "La maison que j'habite, ma vie, ce que j'écris"... ces lignes d'André Breton caractérisent parfaitement ce qui se découvre à nos yeux ici, et bien sûr l'analogie devient immédiate avec "son mur" sanctuarisé au Centre G. Pompidou. Plus proche de nous, le Mur d'Antoine de Galbert, cet accrochage commandé par un programme informatique en fonction de la dimension des oeuvres, nous interpelle : l'aléatoire est à l'oeuvre dans toute sa splendeur pour des rencontres fortuites assurées !
En histoire, j'ai toujours eu de la nostalgie pour le Mur d'Hadrien mais moins pour celui d'Antonin, peut-être parce que le premier faisait mention du fameux empereur que Marguerite Yourcenar a immortalisé comme celui qui se "sentait responsable de la beauté du monde" et cela me plaisait bien... mais tout cela était bien loin de toute considération philosophique sur le mur et la séparation, le conflit, et surtout celle, vécue, sur l'exclusion et inexorablement la tragédie...

Cette fois-ci, au LAM, la rencontre fut révélatrice et heureuse, quoique trop tardive.
Révélatrice d'un artiste qui m'était inconnu, Yüksel Arslan, non pas venu en prolongement de l’exposition André Breton et l’art magique comme l'indique le communiqué de presse mais bien plutôt comme la figure centrale d'une exposition dont il aurait dû être le chef d'orchestre.

Si on en juge simplement par ce portrait, il fut probablement un de ceux qui ont dû aimer les hommes à la folie. Ou leur folie. Il créa ainsi ses "artures" entre l'art et la peinture disait-il ; des "quelques choses" débordant des cadres : des images foisonnantes, de folles écritures, des montages divers et impossibles...
Arslan s'est éteint ce printemps au coeur de son mur-univers.

Photo 1 : de l'auteur, LAM, octobre 2017.
Photo 2 : Yürksel Arslan dans son bureau parisien, photo © Éric Mérour.
Photo 3 : Arture 466
Photo 4 : Détail. Arture 813 (inachevé)

Pensées Echevelées

«Je suis né à l'Hôpital
Saint-Louis proche du Canal
Saint-Martin en trente-huit
Aussitôt j'ai pris la fuite
Avec tous les flics aux fesses
Allemands nazis SS
Les Français cousins germains
Leur donnaient un coup de main
En l'honneur du Maréchal
Pour la Solution Finale
Bref je me suis retrouvé
En Savoie chez les Suavet
Caché près de Saint-Offenge
En attendant que ça change
Je n'avais qu'un seul souci
Celui de rester en vie
Après la Libération
J'avais encor l'obsession
D'arriver jusqu'à dix ans
Ensuite il serait bien temps
De réclamer un peu plus
Si j'échappais aux virus
Cette période historique
M'a insufflé la Panique
J'ai conservé le dégoût
De la foule et des gourous
De l'ennui et du sacré
De la poésie sucrée
Des moisis des pisse-froid
Des univers à l'étroit
Des staliniens des bouddhistes
Des musulmans intégristes
Et de ceux dont l'idéal
Nie ma nature animale
À se nourrir de sornettes
On devient pire que bête
Je veux que mon existence
Soit une suprême offense
Aux vautours qui s'impatientent
Depuis les années quarante
En illustrant sans complexe
Le sang la merde et le sexe.»

Topor.

Contre la médiocrité, les torrents de haine qui se déversent en ces jours, le chacun-pour-soi et l'ignorance... jetez un coup d'oeil au Monde selon Topor actuellement à la BNF.
Une belle leçon de vigilance à retenir (à l'image peut-être de celle que ces figurines Lega voulaient susciter (mais dans un tout autre contexte !!))... pour que son célèbre dessin devenu une icône d'Amnesty International (La liberté d'opinion est-elle mortelle ?) ne devienne jamais ici une réalité.

Photo 1 : Dessin de Topo pour l'illustration de Pensées échevelées de Stanislaw Jerzy Lec, 1991.
Photo 2 : Dessin de Topor publié dans Hara Kiri, 1961.
Photo 3: Figurine Lega, ex. coll. Alexiq Bonew, vente Sotheby's 2014.
Photo 4 : Figurine Lega, ex. col. Emile-Alexandre Georges, Christie's 2009.
Photo 5 : Dessin de Topor (a servi pour entre autres pour l'affiche de la campagne 1976 d'Amnesty International)
Photos des dessins de Topor prises lors de la visite de l'exposition, avril 2017.

Socrate avait tort

Il fait froid ce matin dans la cour de l'hotel de Mongelas à Paris. Bien sûr, les températures sont loin de celles du terrible hiver 54 dont on parle encore maintenant et, même si on ne l'a pas connu, celui-ci nous évoque forcément l'Abbé Pierre, les Sans-abri, les laissés-pour-compte.
Il est loin aussi le fossé qui sépare l'idée qu'on a des choses et celles-là mêmes lorsqu'elles sont vécues car, si l'on peut penser la pauvreté, que dire d'en faire l'expérience dans sa chair !
Dans le Parménide de Platon, Socrate a encore beaucoup de chemin à faire pour comprendre ce monde concret, trivial... et lorsque Parménide lui demande si toutes les choses comme "la chevelure, la boue et la crasse ou quelque autre encore plus dépourvue de valeur et vulgaire" sont dotées d'une "idée", d'une forme en soi (eidos), notre jeune philosophe peine à lui répondre et élude la question :

« Es-tu dans l'impasse [sur la question de savoir] s'il faut déclarer aussi que de chacune d'elles, il est un eidos distinct, qui est autre une fois encore que ceux que nous, nous touchons de nos mains, ou bien pas ? »
« Nullement », déclara Socrate.... Déjà pourtant dans le passé cela m'a aussi troublé : quelque chose ne serait-il pas pour toutes [choses] le même ? Et puis, chaque fois que je m'y arrête, je pars en fuyant, craignant qu'un de ces jours, en tombant dans quelque abîme de niaiserie, je ne me perde....
Parménide 130d

Mais l'artiste, lui, n'esquive pas, ne se perd pas !
Lionel Sabbaté installe son oeuvre, "La sélection de la parentèle", dans la cour du musée de la chasse. Un titre donné en référence à la théorie développée par le biologiste anglais William Donald Hamilton.

C'est au cours de cet hiver 54 que l'arbre, cet olivier, est mort. Mais des fleurs renaissent, des fleurs constituées des peaux mortes et des ongles de centaines d'hommes.
Vois-tu, Socrate, c'est là toute la grandeur de ces choses ridicules et la puissance de l'art que d'y faire émerger en leur sein les "grandes" idées qui te sont chères. Ici c'est d'"Altruisme" dont veut parler Lionel Sabatté en mettant en scène dans cette cour parisienne, une relation spatiale harmonieuse entre l'animal, l'homme et l'arbre.
L'art contemporain s'est largement emparé de ces matériaux "vulgaires" ou dérangeants car avec eux, on est sûr que la "Beauté" n'y réside pas de manière intrinsèque ; il faut vouloir les bousculer, mettre "quelque chose'" en action...

Les objets des sociétés traditionnelles d'Afrique et d'Océanie utilisent bien sûr tous les matériaux possibles, des matériaux pas forcément "nobles". Ainsi en est-il de ces masques, coiffes et mannequins funéraires du Vanuatu, pour qui la présence de la toile d'araignée soigneusement tissée intervenant dans leur composition, est là pour rappeler l'importance du secret et la valeur inestimable de sa divulgation aux seules personnes qui en sont dignes.

Là encore, le soin apporté par les devins-guérisseurs d'Afrique à la composition de la charge des figures de pouvoir, un mélange de rognures d’ongles, de cheveux, d'éléments végétaux, animaux, minéraux... atteste encore de l'efficacité de ces "choses ridicules" dans la réalisation du bilongo, ce mélange "magique" qui permet à l'esprit de se matérialiser dans ces minkisi, et d'apporter guérison ou protection.
De minimes voire dérisoires eidos pour de grandes et sérieuses affaires !

Photos de l'auteure.
Photos 1 et 2 : Oeuvres de Lionel Sabatté, musée de la chasse Paris avril 2017.
Photo 3 : Vanuatu, Plateau des collections du musée du Quai Branly-J. Chrica, avril 2017,
Photo 4 : Minkisi Yombe, exposition Mayombe à Louvain , décembre 2010.

La Parisienne et les figures exotiques

Dessin prémonitoire ? 110 ans après sa visite au musée "affreux" du Trocadéro, lui qui affirmait en boutade "L'art nègre, connais pas !"... me voilà parisienne à m'extasier au Quai Branly devant ses dessins et bien sûr des "Nègres", comme il aurait dit !
Une occasion de tordre le cou aux idées reçues : "Picasso" ce n'est pas une représentation occidentale de tel ou tel objet d'art lointain qu'il aurait pu découvrir, ce n’est pas la copie de tel ou tel masque, ni le portrait de "primitifs", mais, au-delà de la volonté de rejeter les conventions (ce qui est commun à de nombreux artistes du XXème siècle), c'est avoir su tirer parti de la marge de manœuvre que ces artefacts inspiraient, avoir su arracher l'oeuvre à toute limitation esthétique et l'avoir par dessus tout considérée comme une force agissante et magique !

« On parle toujours de l’influence des Nègres sur moi. Comment faire ? Tous nous aimions les fétiches. Van Gogh dit : « L’art japonais, on avait tous ça en commun. » Nous c’est les Nègres. Leurs formes n’ont pas eu plus d’influence sur moi que sur Matisse. Ou sur Derain. Mais pour eux, les masques étaient des sculptures comme les autres »…

Ce qu'il a senti plus que tout autre, c'est que :

« les masques, ils n’étaient pas des sculptures comme les autres. Pas du tout. Ils étaient des choses magiques. Et pourquoi pas les Egyptiens, les Chaldéens ? Nous ne nous en étions pas aperçus. Des primitifs, pas des magiques ! Les Nègres, ils étaient des intercesseurs, je sais le mot en français depuis ce temps là. Contre tout ; contre des esprits inconnus, menaçants...
Si nous donnons une forme aux esprits, nous devenons indépendants... J’ai compris pourquoi j’étais peintre..... Les Demoiselles d’Avignon ont dû arriver ce jour-là mais pas du tout à cause des formes : parce que c’était ma première toile d’exorcisme, oui ! »
La tête d’obsidienne, Malraux,1974, entretiens de 1937

La magie de l'exposition Picasso Primitif qu'Yves Le Fur sait si bien distiller, c'est justement de nous montrer qu'au-delà des correspondances les plus convenues comme celle d'un masque Grebo et d'une guitare (Impossible de rejouer "Primitivism" in 20th Century Art de 1984), au-delà des rapprochements de formes picassiennes avec d'autres africaines, il y a toute la force et la pertinence des oeuvres du Pacifique pourtant "accolées" à nos références surréalistes qui surgit dans cet univers.
Et cela n'est pas si surprenant.

Le corps, le visage... il fallait oser les bousculer pour aller jusqu'à la défiguration. Le corps pour nous c'est un point de départ mais Picasso se devait de ne pas penser ainsi.
Or, le corps pour des Mélanésiens, c'est le fruit d'un processus de fabrication sociale. Les représentations de la procréation, de la croissance et de la mort sont éminemment éloignées des nôtres ; ainsi par exemple, les os viennent de la substance masculine alors que le sang, la chair, la peau viennent de la femme. On peut dire que c'est véritablement de "l'intérieur" que l'individu fait l'expérience physiologique de la différence des sexes.
La personne se construira au fil des évènements qui ponctuent sa vie : Initiations, échanges, mariages, funérailles.

Une personne mélanésienne qui est donc disloquée, puis composée, travaillée, fabriquée, presque malaxée aurait-on envie de dire.
On a l'impression que Picasso aurait pu penser de cette manière, voyant les formes sous des sens multiples... et puis peut-être aussi avec une bonne dose de provocation et d'humour....

pour imaginer les figures (souvent féminines) sous leur jour grotesque, dévoreur, monstrueux !
"O Beauté! monstre énorme, effrayant, ingénu!" ... il n'était pas le seul à voir ainsi, semble-t-il !


Photos de l'auteure, musée du Quai Branly- mars 2017
Le titre est inspiré de celui du dessin de Picasso (photo 1) "La Parisienne et figures exotiques" daté de l'automne 1906, © Musée national Picasso-Paris, Dation Picasso 1979 - inv. MP490.

Vide et plein

Le blog est bien silencieux ces temps-ci... J'ai déserté ces pages depuis un moment. Un passage à blanc, non pas à vide dans le réservoir d'idées toujours plein, mais plutôt dans l'envie d'écrire ici.
Il faut dire que j'écris beaucoup ces temps-ci mais sur le "vrai" papier, là où l'on entend la plume courir.
Je me suis laissée entraînée dans les mers du Sud de la fin du XVIIIème siècle et j'ai plongé dans une littérature trop abondante des Lumières où je me suis laissée submergée. Voilà ce qui arrive lorsqu'on veut tutoyer l'Histoire en entrant par une petite porte, en l'occurence celle de l'histoire des premières collections occidentales d’objets du Pacifique à la suite des voyages de Cook... Mettre notamment ses pas à la suite de ceux d'Adrienne L. Kaeppler et de ses formidables travaux d'inventaires, poursuivis encore de nos jours par d'autres conservateurs et chercheurs tout aussi passionnés. C'est assez grisant mais il faut tenir fermement le cap afin de ne pas se laisser détourner par les sirènes des chemins de traverses.
"Artificial Curiosities" ou Paradis artificiels ?


Mais avec la sueur, se dégagent heureusement des figures plus précises, plus approfondies que celles rencontrées une première fois. Par exemple, Joseph Banks, évoqué en 2014 ; Tupaia dont notre connaissance est assez limitée, longtemps faussée par le journal de Cook lui-même qui a toujours minimisé son rôle durant le premier voyage alors qu’on le sait primordial dans les premiers contacts avec les Maori. (Un ouvrage passionnant et bien documenté lui a été consacré il y a peu : Tupaia, Captain Cook’s polynésien navigator de Joan Druett paru en 2011 et récemment traduit en français).
Johann Reinhold Forster, un « sale » caractère, mais indubitablement un sacré bonhomme, à la fois naturaliste, anthropologue, théologien, philologue oriental, linguiste, géographe, géologue... et son fils Georg qu'il entraîna dans le second voyage, un homme jeune et brillant de l'étoffe de « citoyen du Monde », un Jacobin qui demandera à Paris en 1793 le rattachement de Mayence à la jeune république française, mais qui mourra dans l’oubli et la pauvreté à l'âge de 39 ans.
La galerie de portraits qui compte pour la connaissance des collections, est composée d'artistes, de savants, de chirurgiens, de marins, de charpentiers de marine... qui écrivirent ou dessinèrent, mais plus sûrement collectèrent et jouèrent tous un rôle dans la dispersion des « curiosités artificielles ».

Il y a encore les protagonistes collectionneurs et/ou marchands...la liste est longue, Ashton Lever et la vente du Leverian Museum en 1806, le marchand George Humphrey, William Bullock et la vente du Bullock Museum en 1819... les héritiers, des équipages internationaux, des ventes aux enchères éparpillant les objets qui s'égrènent à la fin du XVIIIème et début du XIXème siècle...
Il n'est donc pas étonnant pour moi de faire un long voyage (bien souvent virtuel, parfois réel) en Europe : Oxford, Cambridge bien sûr mais aussi Göttingen, Berne, Vienne, Herrnhut, Saint-Petersbourg, Stockholm, Dublin, Edimbourg, Glasgow... et d'égarer mon clavier dans ce bien sérieux détours !

Photo 1 : Photo de l'auteure, Massif de la Tadrart, Algérie, mars 2002.
Photo 2 : Photo de l'auteure, Pitt Rivers Museum, Oxford, octobre 2016.
Photo 3 : Dessin de l'intérieur du Leverian Museum par Sarah Stone, 1786 © State Library of New South Wales.
Photo 4 : Photo de l'auteure, Dunes de l'Arakao, février 2005.

Voeux 2017

Figures Kulap, Nouvelle-Irlande © Pitt Rivers Museum n°1896.60.1 et 1911.1.79 et 1907.60.22 - Photo de l'auteure , octobre 2016.

Nécessité

Travail actuel sur les questions de l'informe en vue d'une présentation au sein de l'association Détours des Mondes cet automne avec Aurore Soarès, et déjà évoquées en janvier 2012 sous un certain angle.
Rencontre avec les travaux de Judith Scott ! Terriblement émouvante dans son étreinte avec son corps jumeau, ce corps fabriqué par elle, à la fois inaccessible et pourtant si proche.
Objets transitionnels ici au coeur d'enchevêtrements complexes qui illustrent la notion d'attachement : un attachement affectif certes mais pour de nombreux objets, un attachement utilitaire, rituel, intellectuel qui nous renvoie plus généralement à l'étude des objets dans leur relation avec les hommes et dans leur influence sur les relations entre les hommes (Thierry Bonnot).

Analogie bien sûr avec les to'o de Tahiti au sujet desquels on sait (A. Babadzan), combien les rites d'emmaillotage pouvaient revêtir de l'importance.
Analogie encore avec les objets vaudou, ligotés, enveloppés, "bricolés" comme l'a très bien montré l'exposition Recettes des Dieux il y a quelques années au musée du Quai Branly.
D'où la bonne idée de Jean de Loisy de réunir Nanette Snoep, commissaire de cette exposition avec Sandra Adam-Couralet, commissaire quant à elle de l'exposition Objets secrets consacrée à Judith Scott en 2011 au Collège des Bernardins, Annette Messager et encore Bruno Decharme autour de L'escargot de Judith Scott.
Cette rencontre a donné lieu à une émission passionnante que je vous invite à écouter :

Photo 1 : Judith and her work, 1999 © Leon A. Borensztein
Photo 2 : To'o © MNHN Lille.
Photo 3 : © Judith Scott, sans titre, ca 1991 © Collection de l’Art Brut, Lausanne.

Land of the spirit to the Land of Origins

A note from Filippo Biagioli - Analphabetic Art Territory :

"In May 2016, the town of Serravalle Pistoiese (Tuscany) organized exhibition that had been planned for a long time in collaboration with the local parish of Santo Stefano, that offered the location, in order to introduce my artistic expression to that territory where it directly takes origin. All of this made me proud.

In addition, the synergy that happened, by chance, between the exhibit and the heritage discovered inside the chapel where it takes place have built a link between “past and present” as much interesting as evocative. In order to clarify this concept, we need to take a step backwards.

There are people like me, who think that even in Europe there is some sort of tribalism that was the foundation for society in ancient times and that, through the ages, still survives. For what concern the past, just to make some examples, we can discover signs of our roots in the Nuraghe civilization and in the rituals and celebration of Mamuthones and Issohadores.  Megalithic remains in Scotland, Portugal, Malta, Norway and Ireland, Greek cults; in the pagan celebrations in Austria and Romania ; in the rituals of every nomad community and sedentary costal; Bulgarian ritual dances, and in many other places, with a variety of manifestations.

Today, European tribal art is retraceable in the so-called contemporary tribes, new community of people bound by many socio-economic reasons, that share land, dialect, resource, custom etc.

Dice Arnaldi of Map (Museum of Primary Art, Vendone SV), goes beyond the canon of how tribal art is defined in the world, and defines everything more specifically, defining this as Primary Art.

“Commonly the Primary Arts are the artistic expression of extra-European cultures, particularly African, Asian, Oceanian, which aim to conjure a state of consciousness instead of representing a specific reality ; however, every creative manifestation that conjures an archetypical dimension, beyond the time and the space of its creation, and that is reminiscent of the essence of the human experience, can be defined Primary Art.. In this sense, the language of primary art has been used since the time of cave engravings to enquire the Mystery of Life (birth, death, joy, pain…) and to try to control it.”

No matter how you call it, this form of art exists, overcomes time and space and has survived until the present days; it is also a proof of a territory that summarizes the archetype and all the characteristics belonging to this kind of art.

Therefore we can say that in Serravalle Pistoiese it has been created, somehow, a bridge between past and present" .

 

The exhibition takes place in the upper side of the town where approximately in the XIII century, by the will of Bishop Soffredo Soffredi, the church of Santo Stefano was erected. The church still preserves many signs of its Romanic origin. On the inside one can find two statues dedicated to St Stephen, and the Patron of Serravalle Pistoiese, St Louis (since I have mentioned symbols, archetypes and atavism I shall add a couple of curious coincidences : the Patron was born on 9^th February 1275, I was born on 9^th of February 1975; the street where I live is named after the sculptor that made the large crucifix inside the church). On the right side of the church is located the Chapel of SS. Sacramento, where the exhibit takes place.

Besides having hosted my “ritual dolls”, the chapel, which is the home of the Company del SS. Sacramento, also keeps a large and elaborated “Cross of Passion”. This observation gives me a starting point to recall a characteristic of our society, which, a long time ago, was very connected to the territory and its traditions: the so-called “Confraternities” or “Companies”.

In order to offer a deeper discussion of the topic and to talk about our area, I rely on the text “The ancient lay confraternities in Serravalle castle”. The “lay confraternity” was born as an aggregation of people focused on playing an essential role for the community: each these usually had a specific task, to which the brothers dedicated their energies.in order to carry it out in the best possible way. They were open both men and women. More specifically, the confraternity of SS. Sacramento (or Sagramento) was established in 1590, and today, although it has strongly reduced its missions, is still active. The Chapel still preserves several characteristic traits of this function, like the lateral bench placed along the inner perimeter of the wall, that serve both as a seat and a container for the brothers’ shoes, capes and everyday objects. Furthermore, the late Baroque age altar, that dates back to the year 1792/1793, and a wooden confessional made around the XVIII – XIX century, are still here.

Four lanterns with “moveable heads” rom the second half of 1700, used for processions or other outdoors purposes, stand out for their presence.fFrom the same period, there is a funeral stretcher mounted on the wall,, with its black blanket decorated with skulls. This is because the company took care of all the “uffizi” for the dead of brothers and sisters, which ranged from the transportation of the corpse to a Mass with a specifically chosen priest. At that time, religious and normal life were strictly connected, and collective mourning was strongly linked to the land.

 

Nevertheless, this must not focus our attention only on the practical side of the building, because, as you can see from the photos that are included in the article, these strong bondsgave life to a powerful “artistic” expression, driven by “Passion” and love for the divine. The mystery of death is shown through the exposition of the very elaborated, both for colours and embroidery, black blanket that covers the funeral stretcher,.. It has very strong, impressive symbols connected to death, as if they were meant to seal a step that, sooner or later, has to be taken. At a closer look, the black blanket tells a story of sorrow. Nevertheless, if we better observe the skull, especially as it is surrounded by gold (in this case, there is the embroidery),we realize that it also recalls rebirth and eternal life. Here it is, what only seems only a gloomy funeral sheet, made for remarking the funeral nature of the stretcher it is covering, is, in fact, a much more refined artwork that bears a deeper meaning. With the same attitude, we can also analyze the elaborated lanterns adorned with leaves, flowers and other objects that look like shells: all elements that remind of life,femininity and care.

Even by examining only these two elements, it is noticeable how what said previously becomes true. Although today we tend to neglect the spiritual aspect in favor of the material one, we must not forget that men need to believe, they need to have faith. Faith gets strength from its rituals, from its ceremonies, from the love for the divine. Humankind never went throughe ages with calmness: invasions, wars, riots, famines, economic crisis and many others were its travel companions. What gave us the strength to fight and move on was the Faith in something “higher” that could give us hope.

 

It is from the same spiritual, strongly believing perspective, and with a strong creed, that around the middle of 18^th century another phenomenon of popular devotion appears; the Chapel is a keeper of this phenomenon, that particularly marks our territory: the “Passion Crosses”. This phenomenon was analyzed by an extremely accurate work of cataloguing and study by Luca Bertinotti in his book: “Le Croci del mistero. Origine, sviluppo e decline delle Croci della Passione”. In the book, the author traces a cultural line where first the Crosses are analyzed under their symbolic aspect, and then they are catalogued and collocated on Cartesian coordinates on the territory including a very detailed and rich photographic section. For lack of space, I suggest you to read his excellent book ; here, sadly, I will only briefly mention their artistic/ritual meaning. The Passion Crosses were a phenomenon very present in our territory, especially in the area between the cities of Prato, Pistoia, Serravalle Pistoiese, Montecatini Terme and Lucca (northern Tuscany).It is very present here, but it is common, in a minor way, all over the world... These crosses are almost always without the figure of Jesus Christ. They stay loyal to the original symbolism of the Passion of the Christ thanks to their peculiarity : on each plank, they have the arma Christi: cross, nails, crown of thorns, spear and the inscription with the reason of the sentence, which are the instruments that were used for the crucifixion of Jesus. But the strength of the representation goes even beyond this, and the most complete of these crosses are equipped with all the objects related to the passion of Christ. In any case, the symbolic chronology appeared very clear at the age of the productions of the crosses (for further more information, please refer to the book) :

The day before the Passion : the dove, symbol of the Holy Spirit, the palm branch, the goblet, the carafe, the Bread of the Last Supper, the tunic.

Garden Getsemani: the thirty Dinar, the Lantern, the Cock, the Rope.

The Trial: Figure like Judas, the Gloved Hand, the Sward of St. Peter, the Ear of Malco.

The Flagellation : the Sponge, the Pot, the Thorn Crown, the Reed, the Mantle, the Veil, the Pillar, the Whip.

The Crucifixion : the Skull, the Real Cross, the Cross of the Thief, the Dice, the Title Block, the Nail, the Hammer, the Lance, the Sun and the Moon, the wounded heart, the Pincers, the Afflicted Angels, the Stair, the Myrrh Pot, the Shroud.

All these symbols, made of woods or iron, makes us understand how much devotion, love and passion for mystery of God there was in the past. This type of crosses, that has survived until the present days, not only does bring us a message from the past that must necessarily look at the future, but also confirms once again our need to grasp onto Faith to face “dark” and uncertain moments, joint with the desire to thank who protects us from above. This creates inside humans a sense of longing for that “beyond”, for that spiritual dimension whose “visit” gives back to men the need to make artifacts, that, by all means, are art, apt for celebrating or praising him who they recognize like their God.

This specific typology of crosses, those of Passion, have always provoked my curiosity, so that they are very familiar for me today; similarly, some things mentioned by Luca Bertinotti’s book are familiar to me too. The person that roams the fields with a wooden stick to find water, the dowser, is familiar to me. The old lady who “blesses” herpes zoster, who “washses fear away” or “removes” fear and evil eye is even more familiar to me. They are familiar because there are so many, here, near my home. This might seem superstition, paganism, the legacy of a peasant culture that was based on “ignorance”. I prefer to put this term on inverted commas because –do not get me wrong- I do not think absolutely like this. Actually, at the base of of all these phenomena lies an act of deep devotion. This happens because, when we go to carry out certain rites or certain ceremonies, the act of praying is constantly present and the request of help from God is fundamental and indispensable. I too have got my fear “washed away” several times, and so I know well what I am talking about.

Even during this rite we can see a sort of “ritual art” that, again, conforms to the theme of the Passion of Christ or to his sufferance: in fact, the objects used during this ritual are the Basin, the Bread,a particular grass, cut at the dawn of St. Joseph’s day, and a blessed wedding ring (and other, which is a secret)Then, here I am. I live in a territory that every day tell us a story, lost in the middle of a population that has a very ancient history and that has lived everything: from fairy legends to cults that have been lost, through sieges and so on.

Tangible proofs tell us that the artistic expression of ritual profile is strong, that over the last 500 years it has never stopped, but it has always been in continuous development. I’m proud to have the possibility to display my reliquary, anti-loneliness dolls and my images of ancestors in this Chapel, which is also a sort of receptacle for all this story and, consequently, of strong energies. This is the bridge I was talking about at the beginning: a link that starts in the past, in the 13th-14^th century, then, in the 17th, and arrives in the present days.

I would dream to continue this story andto be part of its“future”, but I’m not obviously able to do so.. It is a fact that I am in love with my river, my field, my animals, my customs, with my work of Tribal Art and everything that my territory quietly, but harmoniously shows.

 

I thank with all my heart: The Town of Serravalle Pistoiese (PT), the Parish of St. Stephen (organization and material catalogue), Luca Bertinotti (Photography and documentary of Cross of Passion), Federica Belmonte and Alice Borchi (revision of the text) and Veronica Fedi (Photography and translation).

Texte et photos © Filipo Biagioli

Un jour fait de morceaux mauves jaunes bleus verts et rouges

Une passionnante exposition en ce moment au musée de l'Orangerie s'intéresse à Guillaume Apollinaire et plus précisément au poète comme critique d’art. Ce mot est imprécis voire réducteur car Apollinaire fut plus que cela ; il fut un intercesseur qui aida les "Regardeurs" à regarder...

Il refusait toute hiérarchie dans les arts : Exit une "Histoire" de l'art enfermée dans le carcan des catégories produites par des philosophies occidentales pour des oeuvres occidentales ! Il comprit ainsi très tôt que les objets "Nègres" qu'il découvrait alors notamment grâce à Paul Guillaume, entraient dans cet Art qu'il concevait sans frontière.

" Je ne rencontrerai sans doute plus de ma vie un esprit aussi enthousiaste, aussi clairvoyant que l'était Guillaume Apollinaire devant l'oeuvre d'art qui révèle quelque chose de rare et d'étrange..." écrivait Paul Guillaume (Une esthétique nouvelle - L'art nègre in Ecrits de Paul Guillaume, 1993)
On suivra donc avec intérêt une conférence de Maureen Murphy, historienne de l'art, Maître de conférences à l'Université Paris 1 Panthéon Sorbonne : Apollinaire et les arts "exotiques" le mercredi 1er juin 2016 à 19h au musée de l'Orangerie.

Le titre est tiré du poème À travers l'Europe de Guillaume Apollinaire.

Photo 1 : Marc Chagall, Paris par la fenêtre, 1913.© Solomon R. Guggenheim Museum, New York
Photo 2 : Marie Laurencin, Apollinaire et ses amis (2) © Musée national d'art moderne, Paris.
Photo 3 : Apollinaire dans l'atelier de Picasso, automne 1910.© T.D.R

Voeux 2016

 

à partir d'une photo de l'auteure, musée ethnographique de Berlin, septembre 2015.

Joyeuses Fêtes

Une fin d'année douce pour tout le monde sous la caresse de nos souvenirs d'enfance :

Chanson pour les enfants l'hiver

Dans la nuit de l'hiver
Galope un grand homme blanc
C'est un bonhomme de neige
Avec une pipe en bois,
Un grand bonhomme de neige
Poursuivi par le froid.
Il arrive au village.
Voyant de la lumière
Le voilà rassuré.
Dans une petite maison
Il entre sans frapper ;
Et pour se réchauffer,
S'assoit sur le poêle rouge,
Et d'un coup disparaît.
Ne laissant que sa pipe
Au milieu d'une flaque d'eau,
Ne laissant que sa pipe,
Et puis son vieux chapeau.

Jacques Prévert

Photo de l'auteure au musée Barbier-Mueller, Genève, 2015.

 

Détours de jungle

... liseur d’entrailles et de destins violets
récitant de macumbas
mon frère
que cherches-tu à travers ces forêts
de cornes de sabots d’ailes de chevaux

toutes choses aiguës
toutes choses bisaiguës
mais avatars d’un dieu animé au saccage
envol de monstres
j’ai reconnu aux combats de justice
le rare rire de tes armes enchantées
le vertige de ton sang
et la loi de ton nom

in Moi, laminaire, 1982, Aimé Césaire

Wilfredo Lam, c'est d'abord La jungle ! Cette explosion de couleurs, ce débordement de formes, cette "sauvagerie" : Perdue dans la contemplation de la toile, je me souvenais alors des paroles de Marlow "...c’était comme voyager en arrière vers les premiers commencements du monde, quand la végétation couvrait follement la terre et que les grands arbres étaient rois. […] C’était l’immobilité d’une force implacable appesantie sur une intention inscrutable »

Mais au-delà de ces visages-masques, ce sont aussi ces invités d'un autre monde, êtres hybrides, humains transformés sous l'emprise d'une possession, le tout baignant dans la couleur ocre de la terre.
Ceux-là, on a envie de les prendre moins au sérieux ! Et pourtant... ils m'évoquent les mimi tels ceux peints sur écorce par Yirawala, un abrorigène australien (ci-dessous). Ces personnages à l'aspect jubilatoire sont en fait de puissants et redoutables génies.
Que dire de ces "enfants sans âmes " de Wifredo Lam ? Inquiétante étrangeté...

Tout compte fait les êtres fantastiques qui peuplent les toiles de Wifredo Lam m'impressionnent ! Notre esprit peine à intégrer les créatures composites et celles-ci nous effraient car elles troublent les frontières nettes que nous nous sommes établis entre humain et non-humain.
Le titre du tableau ci-dessous "Corps et âme" dénote de ce malaise et nous nous demandons si ces êtres là n'ont pas déjà perdu et leur corps et leur âme !
Plongez sans modération dans cette "barbarie" surréaliste où "dans la nature tropicale tout se meut sous une quiétude apparente et, seule, la nuit révèle la fête occulte, la danse qui semble être la vie intime de toutes les créatures. Le monde du tropique n’est pas plastique, il est musical, orphique". (María Zambrano)

Au Centre Pompidou jusqu'au 15 février 2016.

Photos de l'auteure - Centre Pompidou, octobre 2015
et les Mimi au museu de cultures del Mon, Barcelone, octobre 2015.

Visage blanc - Coeur noir

Juxtaposition de corps, de masques et de visages... Peau noire, peau blanche ... la figure se déforme ; mais au-delà des inventions plastiques les plus extraordinaires de Picasso, c'est l'art qui dénonce et interroge.



Comment ? L'expérience de l'oeuvre d'art ou plus généralement l'expérience esthétique peut-elle éduquer au Bien ? Que ce soit à partir des Demoiselles ou de Guernica, Picasso et les artistes contemporains présents à Picasso.mania nous laissent un goût amer à l'image d'Adel Adessemed qui rappelle que "L'homme est un loup pour l'homme".



Alors on se souvient des pires cauchemars : l'homme ordinaire peut devenir un tortionnaire, l'esthète un bourreau... Résonnent encore les phrases d'Alain Bosquet :

J’ai gazé quelques Juifs : c’est une race affreuse, 
puis je me suis distrait en écoutant Mozart.
J’ai fusillé des partisans : c’est la chienlit,
puis j’ai humé la rose avec un tel amour !

J’ai dépecé l’Arabe : une bête de somme, 
puis j’ai mis des faveurs au cou de mon caniche; 
J’ai enterré vivants des Arméniens : les Turcs 
avaient raison ! puis j’ai songé au Tintoret,

à Vélasquez, à Zurbaran. J’ai réchauffé
le Nègre : était-il fade, avec sa sauce au vin !
puis au bord de la mer j’ai relu Jean Racine.

J’ai arrosé les Vietnamiens, de ce napal
qui les réduit à ce qu’ils sont : quelques cloportes,
puis j’ai fait ma chanson d’homme civilisé.

Bien sûr, Picasso... et les Autres, ce n'est pas "que" cela. Réjouissons-nous aussi et gavons-nous de sa boulimie iconographique, notamment des portraits de "ses" femmes de toutes les couleurs...




Photos de l'auteure, exposition Picasso Mania, Paris octobre 2015.
Photo 1 et 3 © Picasso
Photo 2 : Masque Tsogho, © MQB;
Photo 4 : © Adel Adessemed, Who's Afraid of the Big Bad Wolf ? 2012
Photo 5 : © Robert Colescott, Les demoiselles d'Alabma, 1965.
Photo 6 : © Faith Ringgold, L'atelier de Picasso (détail), 1991.
Photo 7 : © Erro', Picasso Melting Point

Le rêve et le sacré : Peintures Gond de l'Inde centrale

L'association Détours des Mondes propose le mardi 13 octobre une conférence de Vikas Harish, intitulée "Les peintures Gond entre le rêve et le sacré".
Les rêves sont l’expression d’une « autre» réalité ainsi représentée dans les peintures des tribus Gond de l’Inde centrale. Le style pictural des Gond est reconnaissable à des images fluides, surréelles et de formes pointillistes : expressions contemporaines exprimant la crainte, l’irréel et le sacré.
C’est l’étonnante et triste destinée d’un artiste, Jangarh Singh Shyam, qui donna naissance à un style. La conférence, illustrée par des images, est centrée sur cet art, jusque-là inconnu, qui représente une autre facette de l’art moderne indien toujours évolutif et cependant traditionnel.



Vikas Harish est historien d’art et muséologue. Il a été le conseiller scientifique de l’exposition Autres Maitres de l’Inde, présentée au musée du quai Branly. Il a également contribué à une exposition sur Picasso en Inde.

Photo 1 : © Jangarh Singh Shyam, Tigers hunting, 1995 http://jangarh-singh-shyam.blogspot.com/ Narmada Valley, Madya Pradesh, Inde Photo/Collection © H. Perdriolle.
Photo 2 : © Jangarh Singh Shyam. 1996

European Tribal Art - Filippo Biagioli

Filippo Biagioli ouvre un nouvel espace en Toscane, peuplé de ses totems :

"The “Territory Museum of the Artworks by Filippo Biagioli”, that already counts tribal installations in Piedmont and Liguria, is opening a new space, this time in Tuscany, the artist’s home region. Thanks to the sensitiveness and trust of the owners of Podere La Fornace (Serravalle Pistoiese), who allowed Biagioli to express himself freely, it was possible to create two spaces of enormous importance to the artist, both on the symbolic and curatorial side.

The first, small and enclosed in a wooden fence, is the “Garden”. In this space exists an interaction between small sized tribal sculptures and aromatic plants that Filippo uses to cure himself, as to symbolize the human balance between body and spirit. One can find “censers”, “insect habitats”, guardian figures” made of concrete that live in symbiosis with plants of lemon balm, oregano, marjoram, chive, lemon verbena, mint, lavender, tarragon, sage, rosemary, but also ornamental plants or the olive tree, on whose roots the concrete bowls, modelled by the artist, rest while waiting to complete their creation process.

The second one, the Park, which is much wider, is located not far from the Garden. Among the olive trees that grow on a small hill, one can find 11 Guardian Figures, made of the local wood. They have a double value, as they have the task of keeping and protecting everything around them and to attract energy from the very Nature they are defending. In this way it is created an outdoor space that is very important for Praying and Recollecting, a space used exactly for these reasons by Biagioli. At the bottom of the Guardian Figures, in fact, there is a frame made of blocks that contains concrete bowls and small figures that serve this purpose."

Photo © Filippo Biagioli.

Croire en l'improbable

Dans les marges toujours... Nos références occidentales nous poussent à provoquer des rencontres entre les arts "premiers" et les arts modernes mais ces rapprochements demeurent esthétiques. L'on questionne maintenant davantage la nature des oeuvres, leur fonction, leurs matériaux, la technique qui a présidé à leur élaboration ou le processus de leur réalisation qui peut être appelé "rituel".



Il semble alors pertinent de provoquer des tête-à-tête entre les arts lointains et les productions d'art brut, d'art Outsider ; mais aussi comme ici avec des oeuvres à la frontière des arts singuliers.
Ces réalisations nous présentent le monde ou des mondes qui ne nous sont pas immédiatement accessibles (n'est-ce pas le propre de l'art), mais apparaissent souvent comme autant de témoignages d'un monde difficile et de recherche d'un monde meilleur.



Travaillant avec des matériaux de récupération, Jean Médard dit "assembler pour ne pas se disperser", et nous livre ici tout un imaginaire créatif plein de poésie et surtout d'humour.
Clin d'oeil vers un monde empli de monstres et de lutins, vers une étrange communauté faite de bric et de broc qui nous touche forcément par son humilité, et nous questionne surtout, comme les masques africains peuvent le faire (voir ci-dessous), sur la frontière entre l'humain et le non-humain.

Les "Natus" (que j'ai déjà évoqués) se retrouveront à la Galerie Kanaga le 9 avril prochain.




Photos 1 et 3 © Jean Médard
Photo 2 : Crâne Vili, courtoisy Galerie Kanaga.
Photo 4 : Masque Guéré, courtoisy Galerie Kanaga

Mers du Sud

La Fondation Beyeler présente une cinquantaine de chefs-d’œuvre de Gauguin jusqu'au 28 juin.
Une occasion de promenade à Bâle notamment pour coupler la visite avec le Museum der Kulturen. Celui-ci proposera à partir du 22 mai prochain une exposition d'une partie de la collection ethnographique de la mission de Bâle, remise en dépôt de longue durée en 1981.
Celle-ci se compose d'environ 12 000 objets provenant de presque toutes les régions du monde, rassemblés par les missionnaires il y a 200 ans.

Photo 1 : © Paul Gauguin - Contes Barbares, 1902 - Huile sur toile, 131,5 x 90,5 cm - Museum Folkwang, Essen - Photo: © Museum Folkwang, Essen

L'humain à la marge

Angoisse. C'est bien le premier mot qui vient à l'esprit lorsqu'on contemple les sculptures de Joseph Henrion.
Parce qu'elles se situent aux frontières de l'humain et de l'animal (certainement du côté des insectes) voire de la machine, c'est un profond malaise qui s'empare de nous. Son oeuvre nous bouscule, et le bronze, l'argent ou l'or s'effacent pour nous faire croire que nous pouvons toucher de nos yeux la chaire humaine torturée !



Serge Schoffel présentera l’œuvre de l’artiste belge Joseph Henrion (1936-1983) à l'occasion de la BRAFA 2015.

Voir Video
Photos : Courtoisy Galerie Serge Schoffel.

Poètes en temps de détresse

"A quoi bon des poètes dans un temps de détresse ?" demandait Hölderlin. Nous sommes dans ces temps de détresse où l'on tue l'humour et où l'on assassine les saltimbanques alors que ce sont eux précisément, poètes et artistes, qui sont porteurs de vérité pour nous mais aussi pour les hommes des temps à venir !



Certains criaient hier encore avec leurs dessins.
Aujourd'hui tout s'est tu. Tournez la page, plus rien. Qui demain ?




Photo : Cabu, Charb, Tignous, Wolinski © Le Point.

À bord de La Korrigane

La Korrigane demeure dans tous les esprits comme la dernière expédition océanienne de la marine à voile, dans la lignée des grands explorateurs...
Les collectionneurs d'art océanien les plus assidus, quant à eux, ont suivi les ventes aux enchères des objets rapportés pas les "Korrigans" : Étienne et Monique de Ganay, Charles et Régine van den Broek d’Obrenan et leur ami Jean Ratisbonne.
Je les avais découverts il y a quelque temps déjà (dans les premières notes consacrées aux arts d'Océanie sur le Blog)...
Une exposition importante avait du reste été consacrée aux objets et aux photographies rapportées et présentée au musée de l'Homme au début de l'année 2002. Christian Coiffier en assurait le commissariat.
J'en reparle 12 ans plus tard car celui-ci a passé beaucoup de temps, ces dernières années, auprès de Régine van den Broek d’Obrenan qui vient de s'éteindre dans sa 106 ème année.



Avec elle, il a pu réaliser deux ouvrages qu'il présente : Le premier, Régine van den Broek d’Obrenan, Une Artiste à bord de La Korrigane, 1934-1936 constitue une biographie de cette femme qui n'eut de cesse de dessiner durant ce périple extraordinaire. Aussi, le second est-il consacré à ses dessins : À bord de La Korrigane, Carnet de Voyage de Régine van den Broek d'Obrenan aux Nouvelles Hébrides, aux Iles Salomon, et aux Iles de l'Amirauté en 1935.



Anthony Meyer exposera le mois prochain des dessins originaux de Régine dans sa galerie de la rue des Beaux-Arts ainsi que des objets rapportés de cette expédition.
Rendez-vous le jeudi 11 décembre de 17h à 20h pour le vernissage - signature !

L'étrange demoiselle du Surréalisme

J'avoue avoir ignorer jusqu'à son nom ! Il aura fallu l'éclat des ombres sur l'autre mezzanine du musée du Quai Branly pour que je la découvre dans la lumière de cette exposition commise par Philippe Dagen.



Une exposition sensible et intime dans laquelle les vitrines sont composées d'objets hétéroclites : assemblages composites, à la fois inquiétants et fragiles mêlés à des objets du Sepik, de Nouvelle-Irlande, ou autres régions d'Océanie si chères aux Surréalistes.



"La nuit je suis le vagabond dans le pays du cerveau..." écrit-elle dans Déchirures. Suivons dans ce parcours sinueux voire torturé l'image d'une femme traversant un univers "où les princesses sont sadiques et les rois féminins..."




Photos de l'auteure au musée du Quai Branly, novembre 2014.

La collection : Une oeuvre d'art ? Une réponse à La Maison Rouge

L'association Détours des Mondes organise une nouvelle table-ronde en décembre prochain sur le thème La collection : Une oeuvre d'art ? Regards particuliers sur les Arts Premiers.
Celle-ci fera suite à notre première table-ronde : Qu'est-ce que collectionner les Arts Premiers ? qui s'était tenue en décembre 2012. (On peut visionner les différentes parties des interventions dans la rubrique Videos du Blog).
Pourquoi cette question ? Je crois que le premier qui m'a incité à réfléchir sur la collection comme acte de création est Antoine de Galbert. J'en ai parlé très tôt sur ce blog : c'était en mars 2006 à l'occasion d'une rencontre initiée pour les blogueurs.
Puis, il y a eu les différentes expositions à La Maison Rouge, presque toutes aussi incroyables les unes que les autres, et particulièrement cet hiver Théâtre du Monde qui invitait un collectionneur David Walsh, fondateur du MONA (Museum of Old and New Art) en Tasmanie. La question est, dans cet espace, perpétuellement posée et les réponses heureusement déclinées.
De mon coté au sein de Détours des Mondes, je réalisais deux cours sur le Mur d'André Breton.
Et cette année nous nous y retrouvons : La Maison Rouge fête ses dix ans et Antoine de Galbert nous propose "son" Mur.


Le Mur, oeuvres de la collection d'Antoine de... par lamaisonrouge
Parce qu'il oscille entre la fascination pour la Mort et le goût pour l'Humour, il a laissé oeuvrer une machine à sa place... enfin pas vraiment car le démiurge ou le joueur est derrière les manettes : Si l'ordinateur a effectivement choisi de manière aléatoire les oeuvres à accrocher, mélangeant ce qui a de la valeur et ce qui n'en a pas, des valeurs marchandes mais aussi historiques, esthétiques ; si le hasard a ainsi produit ces rencontres fortuites, cet hasard là est relatif puisque c'est bien dans la collection personnelle d'Antoine de Galbert qu'il a puisé sa matière, donc dans une vie.
Humain toujours très humain !

à lire l'intéressant Petit Journal consacré au Mur.


Photo : © Marc Domage.

Art et Mises en Boîte

À côté de l'art Eskimo et Océanien, Anthony Meyer présente ce printemps des oeuvres curieuses réalisées par Jean-Michel Jaudel, des boîtes constituées d'objets hétéroclites qui forment autant d'histoires ou d'allégories contenues dans des écrins bâtis pour que l'esprit s'en échappe.
Vernissage le jeudi 22 mai à partir de 18h - Galerie Meyer — 17 rue des Beaux-Arts, Paris 75006.



Aujourd'hui s'est tenue la dernière réunion de l'année 2013/2014 de l'association Détours des Mondes.
Je voudrais sincèrement remercier Anthony Meyer pour toutes les publications qu'il a généreusement offertes (et portées !) pour nos membres à l'occasion du Biblio'troc DDM.



Photos : Oeuvres © Jean-Michel Jaudel

Connections by George Nuku

"These works are about connections:- between past and present, between here and there, and between old and new.
For services rendered after a recent major Marae project, the koha from my hapu was varied and one of its elements was a large Niho Paraoa or sperm whales tooth. The honour i felt from this i cannot measure.
After lengthy contemplation i decided to split the Niho in half and carved a Rei Niho, an amulet based on the ancient forms created by our forebears over 1000 years ago upon their arrival in Aotearoa. The taonga created from this time are enigmatic and arresting in their beauty and execution. I have been drawn to them from my high school days after discovering them through the survey of H. D. Skinner in his writings titled 'archiac maori pendants in bone stone and shell'.



They formed my lifetime association with maori connections to polynesia, which i expressed in my art actively throughout the nineties during my time with Teremoana, resulting in the birth of our two sons Kahuti and Naboua. In particular i was prolific in the production of mother of pearl shell carving- the oldest taonga found in Aotearoa is a pearl shell lure from our origins in Te Moananui.



The journey of connections continued with my time with Maia - also resulting in the birth of our son Te Aonehe. Maia is an anthropologist specializing in Austral island material culture and i was once again exposed to the enigma of those early taonga from there and the connection to Aotearoa.



Through Maia i was privileged to see collections in the UK up close and spent countless hours discussing and debating with her the myriad connections. I saw the obvious connections in Austral island Tawhiri and the dynamic figures on the ends of Hoe-maori or paddles. All of these moments in space and time took me back again and again to those drawings of Skinner.



Also significant for me was the use by our forebears of transferring artistic ideas into the new materials at hand- pearl shell and whale ivory ultimately found new expressions of old ideas in serpentine, slate and pounamu.
For me i feel i continue this connection of the past and the present here in medieval Rouen with Mathilde and also by my use of Plexiglass to express ancient themes in the new divinity of plastic...
I am grateful to Reinhart Cosaert, who took the first eleven images and Martine Giraud, who took the last, for these photographs... Arohatonu"

George Nuku

Photos Courtoisy George Nuku

À noter pour les membres de Détours des Mondes que nous aurons le plaisir d'échanger avec George Nuku le 20 mai prochain puisqu'il sera notre invité de notre dernière réunion de l'année 2013/2014.

Magia Mistero Memoria

MAGIA MISTERO MEMORIA
*
GLI ARCHETIPI
DI
ENZO MORDACCI
*
Pictures taken at the 2013's November exhibition
of the Centro Studi Mordacci
La Spezia Italy


a pilot interdisciplinary research project
curated by
Andrea Mordacci and Ethnoflorence











Courtoisy EthnoFlorence.